Blue Note #75 - Gregory Porter

Gregory Porter

Liquid Spirit

Lo personal es lo universal; a veces, cuanto más personal es la historia, más universal resulta.

**Gregory Porter, 2013**

Con dos álbumes que gozaron de una buena recepción y que se publicaron en una discográfica independiente, se esperaba que Gregory Porter grabase un disco decente con Blue Note cuando Don Was lo contrató en 2012. Sin embargo, ¡hizo un disco magnífico! Desde los primeros acordes de piano de “No Love Dying” queda claro que se trata de algo especial, e incluso aquellos que nunca hayan escuchado antes la profunda y rica voz de barítono de Porter se sentirán seducidos por la música. Aunque el primer gran tema es “Liquid Spirit” y su edificante estilo góspel, a medida que va avanzando el disco, se despliegan más sorpresas musicales e intrigantes idas y venidas que demuestran que no es el único.

Diez de las piezas están compuestas por Porter, otra está coescrita y las tres versiones se han escogido con mucho cuidado, aunque, en última instancia, se trata de un álbum de una gran intensidad personal. El post bop de “Lonesome Lover”, compuesta por Max Roach y Abbey Lincoln, enfatiza las credenciales jazz de Porter, mientras que el venerable clásico de Billy Page y Ramsey Lewis, titulado “The In Crowd”, pone de manifiesto la riqueza de su herencia soul. Por otra parte, “I Fall In Love Too Easily”, de Sammy Cahn y Jule Styne, es un cariñoso reconocimiento del estilo baladista con el que Porter se siente tan cómodo.

El reducido elenco de músicos que intervienen en Liquid Spirit es un factor importante a la hora de que el álbum sea la intensa experiencia auditiva que es. No existe desorden, ni ninguna nota superflua. Tampoco hay nada que no sirva para mejorar la música: en realidad, nos encontramos ante un disco en el que se cumple la máxima “menos es más”. Y, con sus catorce temas, hay mucha música y ningún tipo de relleno: la algarabía de la hermosa “Wolfcry”, el funky de “Free”, la evocación de Marvin Gaye en “Brown Grass” o la perfección de “Water Under Bridges”. Porter afirma lo siguiente: “Aunque, sin lugar a dudas, me considero cantante de jazz, también me gusta el blues, el soul sureño y el góspel, elementos que se abren paso entre mi música y que siempre he escuchado en el jazz”.

Liquid Spirit fue galardonado con el Grammy al Mejor Disco Vocal de Jazz de 2014, y con razón. Lo que no deja de sorprender es que este disco no se venda más en Estados Unidos: es Europa la que ha acogido a Porter de corazón. Puede que sea cierto en este caso aquello de que nadie es profeta en su tierra; de ser así, es algo que debe ratificarse.

1 - No Love Dying

2 - Liquid Spirit

3 - Lonesome Lover

4 - Water Under Bridges

5 - Hey Laura

6 - Musical genocide

7 - Wolfcry

8 - Free

9 - Brown Grass

10 - Wind Song

11 - The In Crowd

12 - Movin'

13 - When Love Was King

14 - I Fall In Love Too Easily

Temas extras

15 - Water Under Bridges

(con Laura Mvula)

16 - Don't Let Me Be Misunderstood

(con Jamie Cullum)

17 - Grandma's Hands

(con Ben L'Oncle Soul)

18. Liquid Spirit

(20Syl remix)

Gregory Porter (voz líder); Yosuke Sato (saxo alto); Tivon Pennicott (saxo tenor); Curtis Taylor (trompeta); Chip Crawford (piano); Glenn Patscha (órgano Hammond B3); Aaron James (contrabajo); Emanuel Harold (batería); Laura Mvula, Jamie Cullum, Ben L'Oncle Soul (vocalistas invitados)

Sear Sound, Nuieva York, 28 al 30 de Marzo y 15 de Abril de 2013

=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o=o

Y con esta entrega, se completa la selección de los 75 álbumes elegidos por Richard Havers para el libro desde el que celebró los 75 años del sello Blue Note.
Fue un otro intenso trabajo de Quintaesencia... espero que lo hayan disfrutado...

El blog entra ahora "en sueño"... por tiempo indeterminado... o quizá para siempre...

A todos los que pasaron por aquí: Gracias y hasta siempre

Blue Note #74 - Robert Glasper

Robert Glasper Experiment

Black Radio

Es más fácil aceptar algo a lo que se le pone una etiqueta. La gente comprende mejor el jazz cuando no se etiqueta.

**Robert Glasper, 2014**

En los anteriores tres discos de Blue Note ya había claros indicios de la dirección que iba a seguir, sobre todo en el caso de Double Booked, publicado en 2009 y nominado a un Grammy. Sin embargo, nada podía haber preparado al público para la genialidad de Black Radio. Había una pista que hacía referencia a la autoría: no se trataba de otro disco más de Robert Glasper, sino de Robert Glasper Experiment.

Se ha dicho que este trabajo, que apareció en 2012, es un nuevo paradigma de la música creativa, uno en el que Glasper va más allá de los límites del género arraigados para crear una visión –y un sonido– excepcional: la de la música contemporánea negra. Su fusión de un gran número de estilos da lugar a una música que se reconoce como jazz a la vez que desafía a la tradición, motivo por el que Black Radio es un disco tan importante. El álbum triunfó entre la crítica y el público, y alcanzó en n.º 10 de la lista de discos actuales más destacados de Billboard. Un crítico de la revista Rolling Stone afirmó lo siguiente: “Glasper transita por el arriesgado camino del hip hop jazz, y se le da bien”, a lo que agregó que “con música tan elegante y seductora, el implícito descalificativo de mainstream no se percibe con resonancias de envidia, sino como un modelo a seguir”.

Las piezas son una acertada mezcla de composiciones originales de Glasper y otras compuestas en colaboración tanto con el Experiment como con artistas invitados, entre las que se destacan la hermosa “Move Love”, compuesta con King, y la igualmente seductora “Gonna Be Allright (F.T.B.)”, en la que participa la cantante Ledisi. Entre las versiones, la canción de Sade “Cherish The Day” recibe un tratamiento fantástico al que la vocalista Lalah Hathaway añade nuevos y frescos aires, lo que no constituye ninguna hazaña cuando se trata de hacer una versión de la señorita Badu. Del mismo modo, “Letter To Hermione”, la versión que hace Glasper de la canción del segundo disco de David Bowie, publicado en 1969, en la que cuenta con el destacado cantautor Bilal, es sencillamente sublime. No existen en el diccionario suficientes adjetivos positivos para describir este valiente y arriesgado disco. Jazz para el siglo XXI.

1 - Lift Off / Mic Check

(con Shafiq Husayn)

2 - Afro Blue

(con Erykah Badu)

3 - Cherish The Day

(con Lalah Hathaway)

4 - Always Shine

(con Lupe Fiasco y Bilal)

5 - Gonna Be Alright (F.T.B.)

(con Ledisi)

6 - Move Love

(con KING)

7 - Ah Yeah

(con Musiq Soulchild y Chrisette Michele)

8 - The Consequences Of Jealousy

(con Meshell Ndegeocello)

9 - Why Do We Try

(con Stokley Williams)

10 - Black Radio

(con Yasiin Bey)

11 - Letter To Hermione

(con Bilal)

12 - Smells Like Teen Spirit6)

13 - Twice

Robert Glasper (piano, Fender Rhodes, sintetizador); Casey Benjamin (saxos, flauta, sintetizador y vocoder); Derrick Hodge (bajo); Chris Dave (batería y percusión); Jahi Sundance (tocadiscos); Stokley Williams (percusión); Shafiq Husayn, Erykah Badu, Lalah Hathaway, Lupe Fiasco, Bilal, Ledisi, KING, Chrisette Michele, Musiq Soulchild, Meshell Ndegeocello, Mos Def, Hindi Zahra (vocalistas invitados)

Threshold, Los Angeles y Systems Two, Brooklyn, Nueva York, 2011

Blue Note #73 - Terence Blanchard

Terence Blanchard

Flow

Música contemporánea de excepcional elegancia.

**John Fordham, The Guardian, 2005**

Con un título en cierto sentido engañoso, el disco no es que fluya (flow), sino que pasa de un estilo a otro, y esto no es ninguna crítica. Está repleto de ideas que van del swing, el jazz modal, el soul jazz y los ritmos africanos, a otras que están más próximas a los discos de hip hop. En realidad, nos encontramos ante un disco de jazz moderno que hay que explorar. Grabado más de dos décadas después de su disco debut, Flow da testimonio del ingenio musical de Blanchard, don que todavía conserva. Todas las piezas están compuestas por el trompetista u otros miembros del grupo.

Un rápido vistazo a la alineación –de la que forma parte el legendario Herbie Hancock, que interviene en un par de temas– es suficiente para comprender que el disco se enmarca en la tradición del repertorio de Blue Note. Muchos de estos artistas han participado en otros discos de la época moderna de la discográfica, lo que no tiene nada de sorprendente, puesto que se trata de algunos de los mejores músicos de jazz. Son precisamente esos intérpretes los que, al igual que hicieran en la época clásica, colaboran en gran medida a la calidad del álbum.

Una de las piezas más memorables es “Wadagbe”, compuesta por el guitarrista Lionel Loueke, quien procede de África Occidental, hecho que se advierte en los toques africanos que hay al principio, antes de dar paso a un enfoque más tradicional. “Benny’s Tune”, en la que se rinde homenaje a Benny Golson, también está compuesta por Loueke y cuenta con Herbie Hancock al piano, cuyo acompañamiento discreto, como no podía ser de otro modo, aporta mucho al tema. Sin embargo, para muchos, la mejor pieza es “The Source”, compuesta por el baterista  Kendrick Scott: el maravilloso solo de Hancock al piano es en parte responsable de esta apreciación. Pero lo que destaca es la genial firmeza de la trompeta de Blanchard, que se las arregla para decir cosas nuevas y frescas cuando algunos quieren hacernos creer que está todo dicho.

1 - Flow, Part I

2 - Wadagbe (Intro)

3 - Wadagbe

4 - Benny's Tune

5 - Wandering Wonder

6 - Flow, Part II

7 - The Source

8 - Over There

9 - Child's Play

10 - Flow, Part III

11 - Harvesting Dance

Terence Blanchard (trompeta y sintetizador); Brice Winston (saxos alto, soprano y EWI); Herbie Hancock, Aaron Parks (pianos),  Lionel Loueke (guitarra, voz), Derrick Hodge (bajo), Kendrick Scott (batería); Gretchen Parlato (voz); Howard Drossin (sintetizador programado)

Jim Henson Studios, Los Angeles, 11 al 14 de Diciembre de 2004

Blue Note #72 – Madlib

Madlib

Shades Of Blue

Blue Note es un estado mental. Representa la integridad y la libertad, y sólo cuando uno es libre puede hallar la innovación. No se puede hacer música sin libertad.

**Robert Glasper, 2014**

Lo que el productor y rapero Madlib (cuyo nombre es Otis Jackson Jr.) logra con estas increíbles  remezclas y reinterpretaciones de algunos clásicos de Blue Note puede calificarse como cine sonoro. Todo el disco, desde el diseño de la portada a los sonidos y la música, es un homenaje a Blue Note en el que Madlib recurre a los archivos de la discográfica para recrear y remezclar temas de The Three Sounds (“Slim’s Return”, cuyo título original era “The Look Of Slim”), Donald Byrd (“Distant Lady” y “Steppin’ Into Tomorrow”), Ronnie Foster (“Mystic Bounce”, en un principio denominada “Mystic Brew”), Reuben Wilson (“Stormy”), Bobbi Humphrey (“Please See Me At Ease”), Bobby Hutcherson (“Montara”), Horace Silver (“Song For My Father” y “Peace”), Wayne Shorter (“Footprints”) y Herbie Hancock (“Dolphin Dance”). Aunque Blue Note asumió cierto riesgo al permitir que Madlib pudiera acceder al catálogo, el músico procedió siempre con respeto. Al igual que muchos remezcladores, artistas de hip hop y recién llegados a la discográfica, es evidente que le encantan los discos que se produjeron a finales de la década de 1960 y a comienzos de 1970, la época clásica de Blue Note que está muy bien representada en este disco de increíble inventiva.

Al margen de esto, el disco es muy bailable. La intuición con la que Madlib aborda la producción, así como la batería, en diversos temas confiere al disco cohesión, que constituye otro de sus puntos fuertes. “Footprints” está firmada por Yesterday New Quintet (YNQ), que es otra personificación de Madlib. Antes de Shades Of Blue publicó varios discos, y otros tantos después con este apodo. Todos merecen escucharse, sobre todo Angles Without Edges, trabajo con el que debutó en 2001.

1 - Introduction

2 - Slim's Return

3 - Distant Land

4 - Mystic Bounce

5 - Stormy

6 - Blue Note Interlude

7 - Please Set Me At Ease

8 - Funky Blue Note

9 - Alfred Lion Interlude

10 - Steppin' Into Tomorrow

11 - Andrew Hill Break

12 - Montara

13 - Song For My Father

14 - Footprints

15 - Peace-Dolphin Dance

16 - Outro

Madlib (remezclas, vibráfono, batería, scratches y sonidos); James King (flauta); Dan Ubick (guitarra); Joe McDuphrey (Fender Rhodes, teclados); Morgan Adams III (órgano); Monk Hughes, Jeff Jank, Russell Jenkins (bajos); Derek Hollman (percusión); Malik Flavors (percusión, sintetizador); Malcolm Catto, Larry Houston, Joe Chamnbers (baterías), Ahmad Miller (vibráfono); DJ Lord Sutch (scratches); M.E.D. (rap)

The Bomb Shelter, Los Angeles; The Lost Gates, California, 2003

Blue Note #71 - Norah Jones

Norah Jones

Come Away With Me

Dejamos que siguiese su propio camino… Sabíamos que si lograba desarrollar su habilidad como compositora y hallábamos buenas canciones, funcionaría.

**Brian Bacchus, A&R

(encargado de artistas y repertorio) de Blue Note**

Ningún álbum en la historia de Blue Note ha tenido tanto éxito ni ha vendido tantos ejemplares: más de veinticinco millones al día de hoy. Además, son muy pocos los artistas en solitario que han podido competir con el logro que supuso para Norah Jones su álbum de debut, que alcanzó los puestos más altos de Billboard en 2002. Un año después, Come Away With Me obtuvo cuatro premios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año, tras haber recibido elogios de la crítica de casi todos los sectores.

Sin embargo, hay quien opina –y no sin razón– que este disco no es jazz de verdad; de hecho, un crítico musical afirmó que se trataba del “álbum menos jazz de cuantos ha publicado el sello”. Aunque puede que en aquel momento tuviera razón, no es algo que en realidad tenga importancia.

Como comentó Ray Charles: “Sólo hay dos tipos de música. La buena y la mala”. El mismo crítico musical se quejaba de que la voz de Jones dominaba el disco, a lo que cabe preguntarse cuál es el problema. Se trata de una hermosa y meliflua voz que atrapa desde la primera frase, ese “Don’t Know Why”. Lo cierto es que no es posible comprender por qué hay gente que no se puede limitar a apreciar el disco como lo que es, un álbum de gran belleza que está grabado e interpretado con destreza.

La intimidad que rezuman sus catorce canciones es lo que hace que se trate de un trabajo tan especial. Escuchar los temas es como espiar los pensamientos más íntimos de alguien, y la madurez del estilo vocal de Jones no parece acorde con su edad, ya que sólo tenía veintidós años cuando grabó el disco. Además de la primera canción, que entró en el Top 30 de Billboard, también destacan la versión de “Cold, Cold Heart”, de Hank Williams, y la delicada “Come Aaway With Me”. Antes de tener en cuenta a los detractores es preferible escuchar el disco. 

1 - Don't Know Why

2 - Seven Years

3 -. Cold, Cold Heart

4 - Feelin' The Same Way

5 - Come Away With Me

6 - Shoot The Moon

7 - Turn Me On

8 - Lonestar

9 - I've Got To See You Again

10 - Painter Song

11 - One Flight Down

12 - Nightingale

13 - The Long Day Is Over

14 - The Nearness Of You

Norah Jones (voz líder, piano acústico, piano Wurlitzer), Brian Blade (batería, percusión), Bill Frisell (guitarra eléctrica), Dan Rieser (batería), Adam Rogers (guitarra), Tony Scherr (guitarra acústica, slide guitar), Kevin Breit (guaitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra National), Kenny Wollesen (batería), Jesse Harris (guitarra eléctrica, guitarra acústica), Rob Burger (acordeón, órgano de fuelle), Sam Yahel (órgano Hammond), Lee Alexander (bajo), Jenny Scheinman (violín), Adam Levy (guitarra acústica, guitarra eléctrica)

Sorcerer Sound, Nueva York; Allaire Studios, Nueva York, 2001

Blue Note #70 - Kurt Elling

Kurt Elling

Flirting With Twilight

Sigo diciendo que tal vez este disco haya sido la experiencia más importante de mi carrera hasta el día de hoy.

**Laurence Hobgood, 2001**

Kurt Elling debutó con Blue Note en 1995. Flirting With Twilight, el hermoso quinto disco del cantante, apareció seis años después. Se trata de música de buen gusto, lo que no es de ningún modo una alabanza fingida. Elling y su pianista y arreglista Laurence Hobgood conocen su historia musical, hecho que se hace patente en las fantásticas canciones que han seleccionado para hacer versiones –y no sólo las habituales del cancionero estadounidense, conocido como Great American Songbook– ; además, hay un par escritas por Elling.

La elección de Capital Studios fue una inteligente jugada. Sus paredes sagradas lo han oído todo, y no cabe duda de que los cantantes se han sentido inspirados por el mero hecho de permanecer en la misma estancia en la que estuvieron Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y otros muchos grandes vocalistas. También fue una inspirada elección el hecho de que se decantasen por Al Achmitt, el ingeniero de sonido con varios premios Grammy en su haber. Su aportación a este disco, así como a tantos otros de su dilatada carrera, resulta un ingrediente fundamental de aquello que lo hace distinto. Schmitt crea un espacio en el disco que se complementa con gran habilidad con los arreglos en canciones tales como la hermosa “Detour Ahead”, de Herb Ellis, o en “Not While I’m Around”, de Stephen Sondheim.

Dieciséis segundos después de finalizado el último tema indicado en los créditos ("While You Are Mine"), aparece como sorpresa una pista oculta. Se trata de un clásico de la canción francesa, "Je Tire Ma Révérence", popularizado en 1957 por Jean Sablon y también recreada en 1959 por Marlene Dietrich. En este caso, la íntima versión de Kurt es secundada tan sólo por el sólido contrabajo de Marc Johnson.

Flirting With Twilight (que se podría traducir como “Coqueteando con el crepúsculo”) es el título perfecto para este disco: se escucha mejor al anochecer, cuando la luz comienza a desvanecerse y cierto estado de ánimo se va apoderando de uno. Elling ha dedicado efusivos elogios a Hobgood: “El premio al ingenio de Flirting  realmente pertenece a Laurence. El disco es definido por sus arreglos. Fue Laurence quién sacó el máximo provecho de una voz, una sección rítmica y tres instrumentos de viento, y también el que compuso todo”. Este álbum también demuestra que los cantantes de jazz pueden aportar algo nuevo a piezas muy conocidas, al menos si tienen el mismo talento musical que el tándem Elling-Hobgood.

1 - Moonlight Serenade

2 - Detour Ahead

3 - You Don't Know What Love Is

4 - Orange Blossoms In Summertime

5 - Not While I'm Around

6 - Easy Living

7 - Lil' Darlin'

8 - I Get Along Without You Very Well

9 - Blame It On My Youth

10 - I'm Thru With Love

11 - Say It

12 - While You Are Mine

13 - Je Tire Ma Révérence

Kurt Elling (voz líder), Laurence Hobgood (piano), Clay Jenkins (trompeta), Bob Sheppard (saxos tenor y soprano), Jeff Clayton (saxo alto), Marc Johnson (contrabajo), Peter Erskine (batería)

Capitol Studios, Los Angeles, 29 de Enero y 1 de Febrero de 2001

Blue Note #69 - Brian Blade

Brian Blade Fellowship

Perceptual

Usar el término jazz para referirse a la música que hace el conjunto del baterista Blade es como emplear Estatua para hacer referencia la Lady Liberty (como se conoce a la estatua de la Libertad): si, lo es, pero también es mucho más. Inspirándose en el jazz, el rock, el country, el folk y toda suerte de lenguajes musicales sugeridos o desarrollados en Estados Unidos, Perceptual es un crisol de sonidos que habla sin palabras de los conflictos y los triunfos de la experiencia humana.

**Billboard, Julio de 2000**

Cuando un disco toma el nombre de su primer tema, se tiene la sensación de que expresa cierta anticipación, de que da una idea de qué esperar en el resto del álbum: eso es lo que ocurre con Perceptual. La composición de los temas recae en Blade y el tecladista (y cofundador del grupo) Cowherd, lo que aporta al disco una sensación de cohesión que resulta toda satisfactoria.

Blade debutó con Blue Note cuando, a los veinticuatro años de edad, participó en el disco que grabó Kevin Hayes en 1994 con el título de Seventh Sense. Cuando un lustro después firmó este disco, el segundo para Blue Note como líder, ya había llevado a cabo varias sesiones para la discográfica y había colaborado en álbumes de otros artistas para otras firmas.

Algunas texturas recuerdan a Pat Metheny, y cada uno de los temas es más un paisaje que una mera pieza musical. La guitarra de Rosenwinkel resplandece en todo el disco y brinda una etérea sensación a casi todos los temas, a lo que hay que decir que, cuando se suma la dinámica interpretación pianística de Cowherd, los músicos dan lugar a fabulosas melodías, ricas texturas y un dramatismo de gran intensidad emocional.

Los momentos más destacados, además del tema de obertura, son el himno “Crooked Creek” y la monumental “Steadfast”, que cuenta con la evocadora voz de Joni Mitchell en una interpretación que recuerda a las de su álbum Hejira, publicado casi veinticinco años antes. Grabado en Oxford, California, poco después de la sesión principal, la colaboración de Mitchell es excepcional.

Aunque la crítica de Billboard resulta del todo acertada, olvidaron decir que nos encontramos ante uno de los álbumes de jazz más destacados de la era moderna: es, sencillamente, muy bueno. El hecho de que Brian Blade no sea más conocido sigue siendo un misterio, aunque puede que no durante mucho tiempo.

1 - Perceptual

2 - Evinrude-Fifty (Trembling)

3 - Reconciliation

4 - Crooked Creek

5 - Patron Saint Of Girls

6 - The Sunday Boys (Improvisation)

7 - Variations Of A Bloodline

A. From The Same Blood

B. Fellowship (Like Brothers)

C. Mustangs (Class Of 1988) 

8 - Steadfast

9 - Trembling

Brian Blade (batería, guitarra), Myron Walden (saxo alto, clarinete bajo), Melvin Butler (saxo soprano, saxo tenor), Jon Cowherd (Piano, Fender Rhodes, órgano de fuelle), Dave Easley (pedal steel guitar), Kurt Rosenwinkel (guitarra eléctrica y acústica), Daniel Lanois (guitarra, pedal steel guitar), Christopher Thomas (bajo), Joni Mitchell (voz)

Avatar Studios, Nueva York, 24 al 27 de Septiembre de 1999

Blue Note #68 - Renee Rosnes

Renee Rosnes

Art & Soul

Siempre que hago música, espero que albergue cierta sinceridad y un poco de espíritu. Creo que es eso lo que llega a la gente a través de todas las formas de arte. Es el alma del arte, ya sea una pintura, ballet, muisca clásica o jazz.

**Renee Rosnes, Agosto de 1999**

Este disco, el sexto de la pianista canadiense Renee Rosnes con Blue Note (el primero data de 1990), está repleto de sorpresas, así como su increíblemente fluida interpretación, de la que es una buena muestra la hermosa “Romp”, uno de los dos únicos temas que compuso para el álbum. En líneas generales, es una oferta variada. Basta con escuchar la voz de Dianne Reeves en las piezas de Wayne Shorter “Ancient Footprints” y “Lazy Afternoon”: esta última es la mejor versión que existe de esta sublime canción.

Rosnes se crio en Vancouver, donde tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los artistas que visitaban la ciudad: no cabe duda de que este trasfondo musical le sirvió de inspiración a la hora de crear este excelente álbum. El sensacional blues de once compases y medio de Ornette Coleman “Blues Connotation” es la pieza escogida para abrir el CD, mientras que, aunque las versiones de The Beatles que hacen los artistas de jazz suelen ser prosaicas, no ocurre lo mismo con el segundo tema del disco que interpreta Rosnes. “Fleurette Africaine” data de 1963 y es fruto de la colaboración de Ellington, Charles Mingus y Max Roach. Aquí es precedida por una hermosa lectura de “Goodbye”, de Gordon Jenkins, que Rosnes hace del álbum Frank Sinatra Sings For Only The Lonely. Aun sin las letras, parece desoladora.

Aunque tal vez muchas personas no hayan escuchado este disco, se merece una mayor difusión. Además, la hábil selección de las canciones, el nivel creativo -del que es buena muestra la inclusión de la voz de Dianne Reeves en dos temas- y, por supuesto, la maravillosa delicadeza de Rosnes demuestran que no está todo dicho en lo que se refiere al tradicional conjunto de piano, bajo y batería.

Quien albergue alguna duda puede escuchar la maravillosa reinterpretación modal de Béla Bartók en “Children’s Song No.3”, en la que el piano, el bajo y la batería parecen un solo instrumento.

1 - Blues Connection

2 - With A Little Help From My Friends

3 - Goodbye

4 - Ancient Footprints

5 - Fleurette Africaine

6 - Romp

7 - Lazy Afternoon

8 - Little Spirit

9 - Sanfona

10 - Children's Song No. 3

Renee Rosnes (piano), Scott Colley (contrabajo), Billy Drummond (batería), Richard Bona (percusión), Dianne Reeves (voz)

Bear Tracks, Suffern, Nueva York, 16 al 18 de Enero de 1999 

Blue Note #67 - Jason Moran

Jason Moran

Soundtrack To Human Motion

Me gusta pensar que esta grabación podría ser la banda sonora de todos los movimientos que un ser humano pudiera llevar a cabo en un día determinado.

**Jason Moran**

En Soundtrack To Human Motion, disco con el que debutó Jason Moran en Blue Note en 1999 y que supuso su primera grabación como líder, el pianista de Houston compuso todos los temas, a excepción del tercero, que procede de la mano del compositor francés Maurice Ravel y que ejecuta en solitario. Cuando se publicó el disco, un crítico se refirió a él como el “debut del año, cuando no el disco del año”. No exageraba. La interpretación de Moran, que tenía veinticuatro años, rezuma maestría: inventiva, madura y, sobre todo, de una gran elegancia.

Exactamente como afirma Moran, el disco representa los movimientos efectuados por un ser humano a lo largo de un día. Movimiento es lo que transmite el disco en su totalidad, y esta sensación se realza gracias a la diestra dirección de los músicos por parte de Moran, sobre todo en “Still Moving”, que, en mi opinión, es el mejor tema. Moran decidió tocar jazz con el piano en oposición al estilo clásico que estudió durante la adolescencia tras escuchar a Thelonious Monk: esta inspiración se advierte en la delicadeza con la que pulsa las teclas del piano en “Kinesics”.

Sin embargo, este no es un disco que se limite a mirar al pasado: rebosa frescura, nuevas ideas e innovación. “JAMO Meets SAMO” es un tema hip hop, y “Retrograde” es cualquier cosa menos una canción retrógrada. Tras estudiar con Jaki Byard, Richard Abrams y Andrew Hill, fue Greg Osby quien le dio a Moran el gran empujón al llevárselo de gira por Europa en 1997 antes de que decidiera que debía tocar en su propio disco, que grabó más tarde ese mismo año. Y, cuando toca, el saxofonista brilla en cada una de esas piezas. El vibrafonista Stefon Harris sólo tenía veinticinco años cuando participó en esta grabación y se había estrenado como líder en Blue Note un año antes; puede que fuera la interpretación de Bobby Hutcherson en el disco que publicó Andrew Hill en 1964 con el título de Judgment lo que inspirase su inclusión en la formación.

1 - Gangsterism On Canvas

2 - Snake Stance

3 - Le Trombeau De Couperin / States Of Art

4 - Still Moving

5 - JAMO Meets SAMO

6 - Kinesics

7 - Aquanaut

8 - Retrograde

9 - Release From Suffering

10 - Root Progression

Jason Moran (piano), Greg Osby (saxo alto, saxo soporano), Stefon Harris (vibráfono), Lonnie Plaxico (contrabajo), Eric Harland (batería)

Systems Two Studios, Brooklyn, Nueva York, 29 y 30 de Agosto de 1998

Blue Note #66 - Medeski Martin & Wood

Medeski Martin & Wood

Combustication

Se nos da bastante bien ocultar nuestra auténtica identidad. Nadie sabe cómo describirnos; además, tampoco hay nadie que toque como nosotros. Si a un músico le hablas de rock, te dirá que hacemos jazz, pero si le preguntas a alguien que toque jazz, te dirá que hacemos más rock.

**Chris Wood, Julio de 1998**

Medeski Martin & Wood debutaron en Blue Note con un disco emocionante; de hecho, tanto como cuando se grabó, hace casi dos décadas. Aunque puede considerarse jazz fusión experimental, sus numerosos puntos de entrada permiten que el oyente penetre en el mundo musical del colectivo. Del mismo modo que muchos artistas de hip hop se estaban inspirando en los discos que había lanzado Blue Note en décadas anteriores, el hip hop y el acid jazz dieron forma a la música del trío y les sirvió de inspiración: aunque el nexo más evidente es DJ Logic, es algo que puede apreciarse de forma global. El grupo también se inspiró en Sly & The Family Stone a la hora de realizar su versión revientapistas de “Everyday People”. Se trata de jazz, aunque no necesariamente del que conocemos.

Combustication es un disco apto para aquellos que afirman que no les gusta el jazz. Hay inspiración soul, vibraciones rock y hip hop, y tampoco podemos olvidar el blues del trío MM&W. A pesar de este número de influencias, consigue crear un contexto que es propio. Mientras muchos otros grupos han optado por la formación de trío basado en órgano, y al hacerlo han caído en lo formulario, MM&W ofrece una experiencia satisfactoria: basta con escuchar “Coconut Boogaloo”. El piano de Medeski aporta unas maravillosas texturas que contribuyen al excepcional atractivo del sonido del trío.

Este es un álbum rebosante de ideas, a veces incluso demasiadas, ya que compiten por captar la atención del público. Sin embargo, en última instancia, es este derroche de inventiva la que hace que se quiera volver al álbum y la responsable de que aparezcan nuevas ideas como por arte de magia, incluso después de haberlo escuchado en varias ocasiones. “Hypnotized”, la última pieza, tiene una duración de cinco minutos y medio, aunque le sigue una “pista oculta” que explota en los altavoces después de dos minutos de silencio… Es la que, de forma apropiada, da título al disco, que podría traducirse como “Combustión espontánea”.

1 - Sugar Craft

2 - Just Like I Pictured It

3 - Start-Stop

4 - Nocturne

5 - Hey-Hee-Hi-Ho

6 - Whatever Happened To Gus

7 - Latin Shuffle

8 - Everyday People

9 - Coconut Boogaloo

10 - Church Of Logic

11 - No Ke Ano Ahiahi

12 - Hypnotized

John Medeski (teclados), Chris Wood (bajo, bajo eléctrico, bombo), Billy Martin (batería, percusión), DJ Logic (giradiscos), Steve Cannon (recitados)

The Magic Shop, Nueva York, 15 al 21 de Diciembre de 1997

Blue Note #65 - Joe Lovano

Joe Lovano

Rush Hour

Hay para todos los gustos en la tan esperada cita del maestro tenor Joe Lovano con el compositor, director y arreglista Gunther Schuller, que es un veterano de muchas colaboraciones de “música seria fusionada con jazz”.

**Billboard, 25 de Febrero de 1995**

Desde el instante en que la cariñosa y respetuosa interpretación de “Prelude To A Kiss”, de Ellington, se inicia para desplegarse con suavidad, se sabe que se está ante algo especial. Rush Hour es un álbum que alivia y que luego transporta a un viaje de lujo que transcurre por un recorrido distinto del que sugiere su primera pieza y que implica muchas idas y venidas. Gunther Schuller había tocado la tuba en el disco de Miles Davis Birth Of The Cool, y a mediados de la década de 1950, su grupo, The Modern Jazz Society, grabó un álbum con Verve. La aportación de Schuller al trabajo de Lovano, que conjuga la idea del jazz de pequeños grupos y una cuidada orquestación, es clave para el sonido del disco.

Schuller también compuso tres piezas que se sitúan junto a las originales de Lovano, tales como “Wildcat” y “Topsy Turvy”. Asimismo, incluye una cuidadosa selección de versiones, en especial una del maravilloso tema de Monk “Crepuscule With Nellie”, y la hermosa y delicada interpretación de “Kathline Gray”, de Ornette Coleman.

Este disco sirvió para que el siciliano-estadounidense Lovano se convirtiese en uno de los más importantes tenores de la década de 1990. Entre 1990 y 2013, el llamado Titán del Tenor grabó veinte álbumes para Blue Note, y Rush Hour, su más variada oferta, merece ser considerado uno de los mejores de la discográfica.

1 - Prelude To A Kiss

2 - Peggy's Blue Skylight

3 - Wildcat

4. Angel Eyes

5 - Rush Hour On 23rd Street

6 - Crepuscule With Nellie

7 - Lament For M

8 - Topsy Turvy

9 - The Love I Long For

10 - Juniper's Garden

11 - Kathline Gray

12 . Headin' Out Movin' In

13 - Chelsea Bridge

Joe Lovano (saxos tenor, saxo soprano, clarinete bajo, batería); Charles Russo (clarinete, clarinete bajo, saxo alto, saxo tenor); James Pugh (trombón); Davis Taylor (trombón bajo, tuba); Michael Rabinowitz (clarinete bajo, fagot); Jack Walrath (trompeta); - Richard Oatts (flauta); Dennis Smylie (clarinete contrabajo); James Chirillo (guitarra); Mark Belair (vibráfono, percusión); Edwin Schuller, Mark Helias (contrabajos); George Schuller (batería); Judi Silvano (voz soprano); Gloria Agostini (arpa); Robert Botti (corno inglés); John Clark, Julie Landsman (trompas); Fred Sherry, Mark Shuman, Ronald Thomas (chelos); Charles Libove, Geoff Nuttall, Joel Smirnoff, John Pintavalle, Matthew Raimondi, PaulPeabody, Eric Wyrick (violines); Cynthia Phelps, Louise Schulman, Raymond Gniewek, Ronald Carbone, Toby Appel (violas); Gunther Schuller (arreglos y dirección)

Power Station, Nueva York, 6 y 7 de Abril y 12 de Junio de 1994

Blue Note #64 - Cassandra Wilson

Cassandra Wilson

Blue Light 'Til Dawn

El jazz devocional de Wilson ha cavado las profundidades del espíritu terroríficamente gótico de Robert Johnson con la habilidad de esquivar los clichés del blues.

**John Lewis, The Guardian, 2011**

El disco tiene un comienzo que resulta seductor. Qué valentía. La pieza “You Don’t Know What Love Is” data de 1941 y se han realizado numerosas versiones a lo largo de los años, entre ellas las de Chet Baker o Art Blakey & The Jazz Messengers. Con todo, la magia con la que Cassandra Wilson hilvana este tema, así como todos los demás de su debut con Blue Note, hace que dichas versiones queden bastante atrás.

Huelga decir que habrá gente que afirmará que este no es un disco de jazz. ¿Y qué más da? Está tan bien realizado, y es tan distinto y arriesgado que se merece todos los elogios que ha recibido. Todo aquel que pueda hacer una versión de Robert Johnson (y ofrecer algo totalmente nuevo), así como Van Morrison, Joni Mitchell y Ann Peebles, y que aporte la misma frescura que Wilson a los temas, merece nuestra atención.

Lo que en realidad capta la atención es una voz sedosa que evoca de manera continua la sensación de los clubes repletos de humo de antaño, así como la inventiva de la que se hace gala en “Black Crow”, de Mitchel, y en “Tupelo Honey”, de Van Morrison. Su rasgo distintivo es la austeridad interpretativa, que deja escaso margen para los errores vocales. Aunque no hay ninguno. En mi opinión, esta música es soul jazz, pero no en cuenta al estilo que se creó en la década de 1960, sino un jazz repleto de emotividad. En realidad, es un álbum de los que hacen época. No deje que nadie le diga que no es jazz. Además, puede que sea sencillamente brillante.

1 - You Don't Know What Love Is

2 - Come On In My Kitchen

3 - Tell Me You'll Wait For Me

4 - Children Of The Night

5 - Hellhound On My Trail

6 - Black Crow

7 - Sankofa

8 - Estrellas

9 - Redbone

10 - Tupelo Honey

11 - Blue Light 'Til Dawn

12 - I Can't Stand The Rain

Cassandra Wilson (voz líder); Don Byron (clarinete); Olu Dara (corneta); Gib Wharton, Brandon Ross, Chris Whitley (guitarras); Charlie Burnham (violín, mandocello); Kenny Davis, Lonnie Plaxico (bajos); Tony Cedras (acordeón); Bill McClellan, Lance Carter (baterías); Kevin Johnson, Jeff Haynes, Cyro Baptista, Vinx (percusionistas)

Greene Street Studios, Nueva York, Marzo de 1993; Sear Sound Studios y RPM Studios, Nueva York, Mayo de 1993; Sound on Sound, Nueva York, 26 de Julio de 1993

Blue Note #63 - Dianne Reeves

Dianne Reeves

I Remember

Ha creado la confianza y la visión suficiente para poner un sello personal en su material mediante la asociación de estilos alejados y la atención que pone a las letras. Se encuentra entre las jóvenes cantantes de jazz que aspiran a proseguir la fantástica tradición se Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.

**Stephen Holden, The New York Time, 1992**

La hábil programación de este disco compacto está pensada para sacar el máximo provecho de la voz de Reeves, objetivo que cumple, a la vez que deja claro que nos encontramos ante una de las principales cantantes de jazz de su generación. Aunque algunos analistas musicales la han criticado por no saber en qué estilo musical concentrar su talento, esto no ocurre en el álbum de 1991 I Remember, el tercero de los numerosos discos que ha grabado con Blue Note. Reeves grabó por primera vez en el año 1977, con sólo veintiún años, y fue contratada por la discográfica en 1986.

El álbum recorre toda la gama vocal del jazz, y pasa del brillante estilo scat de “How High The Moon” -y la interpretación de una canción de estilo que prácticamente hizo suyo Ella Fitzgerald, la “reina del scat”, es un logro nada despreciable- a la ternura de “You Taught My Heart To Sing”, una composición de McCoy Tyner con unas estupendas letras de Sammy Cahn. Con una magnífica fusión funky de ritmos, además de una maravillosa gama vocal, la primera canción del disco, “Afro Blue”, de Mongo Santamaría, pone de manifiesto otra de las facetas de la versatilidad de Dianne Reeves.

Su inteligente interpretación de “The Nearness Of You / Misty” recuerda a Sarah Vaughan, mientras que en “Softly As In A Morning Sunrise”, acompañada del vibráfono de Bobby Hutcherson, se adentra en el terreno del hard bop con unos resultados excelentes. “Like A Lover”, con Kevin Eubanks a la guitarra acústica, recuerda a un dueto entre Ella y Joe Pass, aunque el tono de Reeves es muy delicado. Gracias a su hermosa voz, Dianne Reeves mantiene viva la llama de Billie, Ella y Sassy.

1 - Afro Blue  

2 - The Nearness Of You / Misty

3 - I Remember Sky

4 - Love For Sale  

5 - Softly As In The Morning Sunrise  

6 - Like A Lover  

7 - How High The Moon  

8 - You Taught My Heart To Sing  

9 - For All We Know

Dianne Reeves (voz lìder); Greg Osby (saxo alto); Justo Almario (saxo soprano); Bobby Hutcherson (vibráfono); Charles Mims, Billy Childs, Donald Brown, Mulgrew Miller (pianos); Kevin Eubanks (guitarra acústiaca); Chris Severin, Charnett Moffett (bajos); Billy Kilson, Marvin Smitty Smith, Terri Lyne Carrington (baterías); Ron Powell (percusión, campanas de viento); Bill Summers, Luis Conte (percusión).

Madhatter Studios, Los Angeles, California, 10 y 11 de Septiembre de 1990; Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 y 28 de Abril y 9 de Mayo de 1988

Blue Note #62 - Bobby McFerrin

Bobby McFerrin

Spontaneous Inventions

Disfruto con la exploración de todas las funciones que puede asumir la voz humana como forma de comunicación de melodías, armonías, ritmos, emociones e ideas.

**Bobby McFerrin, 2011**

Si tuviera que escoger una sola palabra para definir el estilo de Bobby McFerrin, esta sería pegadizo. Aunque las acrobacias vocales que lleva a cabo en este disco son, sin lugar a duda, pegadizas, también son de una genial inventiva. A pesar de que McFerrin había lanzado un par de álbumes con Elektra Records cuando Bruce Lundvall estaba al mando, es en este disco, con el que debuta en Blue Note, donde su talento alcanza la plenitud. Además, cuando los músicos inventados se le unen en alguna de las piezas, la música llega a oro nivel.

Tras alcanzar el n.° 6 en la Top Jazz Albums, Spontaneous Inventions se convirtió en el primer disco de éxito de Blue Note bajo la dirección de Lundvall. La inspiración para el título (que se puede traducir como “Invenciones Espontáneas”) surgió de la pura espontaneidad de todas las actuaciones de McFerrin; basta con escuchar el brillante dúo que realiza con el actor Robin Williams en “Beverly Hills Blues” para comprobar con qué precisión capta el álbum este aspecto. De un modo semejante, las propias composiciones de McFerrin, entre ellas la increíble “There Ya Go” y la primera pieza del disco, muestran la creatividad de este pianista de formación clásica.

Aunque no cabe duda de que la colaboración entre McFerrin y Herbie Hancock fue un movimiento inteligente, el duelo que entabló con el saxofón soprano Wayne Shorter tampoco estuvo carente de inspiración: dos maestros de la improvisación cara a cara. Para algunos, el punto álgido de este disco es “Another Night In Tunisia”, tema en el que participan The Manhattan Transfer y Jon Hendricks, y que obtuvo un Grammy en la categoría de Mejor Canción Vocal de Jazz y Mejores Arreglos Vocales para dos o más voces. Y es sólo una joya de un cofre repleto de ellas. Dos años después, Bobby grabó “Don’t Worry Be Happy”, y desde entonces no parece que quede nadie en el mundo que no haya escuchado a este intérprete realmente espontáneo.

1 - Thinkin' About Your Body

2 - Turtle Shoes

3 - From Me To You

4 - There Ya Go

5 - Cara Mia

6 - Another Night In Tunisia

7 - Opportunity

8 - Walkin'

9 - I Hear Music

10 - Beverly Hills Blues

11 - Mañana Iguana

Bobby McFerrin (voz líder, bajo, percusión); Wayne Shorter (saxo alto); Herbie Hancock (piano); Jon Hendricks, The Manhattan Transfer, Robin Williams (vocales)

Aquarious Theatre, Los Angeles, California, 28 de Febrero de 1986; Capitol Studios, Los Angeles, Marzo de 1986; Different Fur Studios, San Francisco, California, Marzo de 1986; Nueva York, 1985

Blue Note #61 - Lou Donaldson

Lou Donaldson

Lush Life

Al dedicarse a explorar las posibilidades armónicas del saxofón alto, (muchos) se han olvidado del sonido básico del instrumento.

**Lou Donaldson, 1968**

¡Tremendo sonido! ¡Estupenda alineación! ¡Magnífico disco! Tras los primeros compases de “Sweet Slumbers”, una antigua pieza del grupo de Lucky Millinder, se entiende a la perfección el título de Lush Life (que se podría traducir como “Vida exuberante”), a pesar de que el estándar de Billy Strayhorn no figura en el listado de temas. Lo que sí aparece es una fabulosa versión de “The Good Life”, compuesta por Sacha Distel y Jack Reardon cinco años antes para el filme Les Sept Péchés Capitaux (Los Siete Pecados Capitales), aunque el título de la canción, que se puede traducir por “La Buena Vida”, no hacía justicia al disco. Al igual que todas las demás piezas del disco, debe mucho a las habilidades de Duke Pearson con los arreglos.

Lush Life, el primer disco de Donaldson para la discográfica desde Good Gracious, de 1963, y de raigambre soul jazz, es muy distinto. Piense en la música de Charlie Parker sin cuerdas y tendrá una idea aproximada de este disco si no ha tenido la oportunidad de escucharlo. Donaldson, el eterno discípulo de Parker, da muestras a lo largo de todo este álbum de una interpretación estupenda.

Donaldson y Pearson realizaron una selección de baladas muy consideradas, “antiguas y no tan antiguas, estándares y no tan estándares”, como indican las notas del LP original. Además de la elegante forma de tocar de Donaldson, el resto de la selección de vientos brilla en la que es una inusual ejecución de algunos de ellos: Wayne Shorter y Freddie Hubbard tocan con gran belleza en todo momento, sobre todo en el último solo del tema “Sweet And Lovely”.

Donaldson había debutado con Blue Note en abril de 1952, fecha en la que grabó con el Milt Jackson Quintet (MJQ); su disco de debut como líder apareció dos meses después en la serie New Faces, New Sounds. Entre su debut y Lush Life grabó más de una docena de discos con Blue Note, y el LP que siguió a este último, Alligator Boogaloo, con un sonido soul jazz, permaneció un tiempo en las listas de rhythm and blues de Billboard.

1 - Sweet Slumber

2 - You've Changed

3 - The Good Life

4 - Star Dust

5 - What Will I Tell My Heart

6 - It Might as Well Be Spring

7 - Sweet and Lovely

Lou Donaldson (saxo alto), Freddie Hubbard (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Jerry Dodgion (saxo alto, flauta), Pepper Adams (saxo barítono), Garnett Brown (trombón), McCoy Tyner (piano), Ron Carter (contrabajo), Al Harewood (batería), Duke Pearson (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, 20 de Enero de 1967

Blue Note #60 - Ronnie Laws

Ronnie Laws

Pressure Sensitive

Ronnie Laws tiende puentes entre las distintas direcciones del jazz, aunque tiene un enfoque de inmensas pentatónicas descendentes heredadas de John Coltrane. También es un intérprete muy conmovedor que domina el soul jazz.

**Stanley Jordan, 2011**

Hay quien diría que el debut del saxofonista Ronnie Laws en Blue Note es música del demonio, y no precisamente de la que tocaban los músicos de blues. Para algunos, el álbum es un sacrilegio, mancilla el nombre de Blue Note Records y ni siquiera es jazz. Es mejor ignorarlos. Si bien es cierto que dista mucho de ser lo mejor que ha lanzado la discográfica, el disco tiene tanto derecho a estar en Blue Note como muchas otras de las grabaciones realizadas a lo largo de décadas. Este era el punto en el que se encontraba el jazz en la árida década de 1970, al menos para aquellos que deseaban hacer algo nuevo, crear su propio sonido e intentar que el jazz avanzase de algún modo.

Alentado por la emisión radiofónica del single “Always There”, el álbum, firmado por Ronnie Laws, que tenía veinticuatro años, y por el baterista de jazz William Jeffrey, que había entrado en las listas de rhythm and blues, se vendió a un ritmo constante hasta alcanzar el n.° 73 de la lista de los más vendidos de Billboard, puesto que ocupó durante más de año y medio, entre 1975 y 1976. En 1991, el grupo británico Incognito situó su versión de “Almost There” entre los diez más vendidos del Reino Unido; Incognito fue uno de los pioneros del acid jazz británico, y su versión ayudó a que toda una nueva generación entrase en contacto con Blue Note.

“Tidal Wave”, otra espléndida pieza compuesta en colaboración con Jeffrey, resulta más apacible y cuenta con el sintetizador de Jerry Peters, quien también produjo en la década de 1970 álbumes de Blue Note para Gene Harris, exmiembro de The Three Sounds. Entre los demás músicos de acompañamiento se encuentran Joe Sample y Wilton Felder, de The Crusaders, y el álbum fue producido por su excompañero de grupo, Wayne Henderson, quien por aquel entonces estaba a punto de abandonar dicho grupo para centrarse en la producción. Tando The Crusaders como Laws procedían de Houston, Texas; este último, antes de su éxito en solitario, tocó brevemente con Earth, Wind & Fire.

1 - Always There

2 - Momma

3 - Never Be the Same

4 - Tell Me Something Good

5 - Nothing to Lose

6 - Tidal Wave

7 - Why Do You Laugh at Me?

8 - Mis' Mary's Place

Ronnie Laws (saxo soprano, saxo tenor, flauta); Roland Bautista, John Rowin (guitarras); Mike Cavanaugh, Joe Sample (teclados); Jerry Peters (sintetizador); Wilton Felder, Clint Mosley (bajos); Steve Gutierrez, Michael Willars (baterías); Joe Clayton (percusión); Side Effect (coros)

Angel City Sound, Los Angeles, Marzo y Abril de 1975

Blue Note #59 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson

Montara

La clave de hacer música no es controlarla, sino que te lleve. Una vez que te lleva, no puedes esperar a que vuelva a hacerlo y no dejarán de repetirse los mismos momentos de magia.

**BobbyHutcherson**

El latin jazz estaba en pleno auge a mediados de la década de 1960, sobre todo en Verve Records, donde Stan Getz había llevado la música brasileña a un primer plano para los aficionados al jazz. Transcurrida la década, Hutcherson, que ya era un veterano que había grabado unos veinte discos con Blue Note, se dirigió al sur para crear uno de los álbumes más deliciosos de cuantos publicó la discográfica en la década de 1970. El siempre elegante Hutcherson se rodeó de algunos de los mejores percusionistas del mundillo de la música latina, entre los cuales destacan Willie Bobo y Ralph MacDonald, y creó un álbum despreocupado y sin restricciones que rezuma energía y buenos momentos.

“Oye Como Va”, una versión de la que hizo Santana de la canción de Tito Puente, es totalmente funky. El álbum también cuenta con algunos ritmos muy relajados, entre los que destacan “Love Song”, una pieza compuesta por el pianista George Cables, también compositor de “Camel Rise” (en aquella época tocaba, asimismo, en el grupo de Fredddie Hubbard), y la atmosférica “Little Angel”, que cuenta con la excelente interpretación de Blue Mitchell a la trompeta.

Con la independencia de las aportaciones de los otros destacados músicos, siempre es Hutcherson el que brilla: dirige desde el frente, creando el efecto de ondulación en el que el vibráfono no tiene parangón, a la vez que lleva todas y cada una de las piezas hacia adelante con garbo. Resultaría muy fácil decir que esta música es “de su tiempo” y hacerse la idea equivocada de que no tiene lugar en la escena musical actual. Muchos de los temas que compuso Hutcherson para este disco figuran en los discos recopilatorios de la serie Blue Note Trip que se publicaron a comienzos del siglo XXI, y que han servido para atraer a un gran número de nuevos admiradores a la discográfica, así como para inspirar la exploración y los sampleos. MF Grimm, Little Indian y The Underachievers son sólo algunas de las formaciones que han sampleado Montara.

1 - Camel Rise

2 - Montara

3 - (Se Acabó) La Malanga

4 - Love Song

5 - Little Angel

6 - Yuyo

7 - Oye Como Va

Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Oscar Brashear, Blue Mitchell (trompetas); Ernie Watts (saxo tenor, flauta); Plas Johnson (flauta); Fred Jackson (saxo tenor, flauta); Larry Nash, Eddie Cano (pianos); Dennis Budimir (guitarra); Chuck Domanico, Dave Troncoso (contrabajos); Harvey Mason (batería); Ralph McDonald, Bobby Matos, Johnny Palomo, Rudy Calzado, Victor Pantoja (percusiones); Willie Bobo (baquetas); Dale Oehler (arreglos)

Record Plant, Los Angeles, California, 12 y 14 de Agosto de 1975

Blue Note #58 - Ronnie Foster

Ronnie Foster

Two Headed Freap

Es lamentable que una discográfica con la reputación de Blue Note se vea limitada a grabar las divagaciones informales de la música por ambiental.

**Hugh Witt, Jazz Journal, Abril de 1973**

Como cualquier intérprete de órgano Hammond, Ronnie Foster es deudor de Jimmy Smith, aunque en esta sesión, su primera como líder, lleva el instrumento a terrenos desconocidos con este disco, en el que se dan la mano el funk, el soul, el rhythm and blues y el jazz. Foster había debutado con Blue Note en Alive, el disco de Grant Green, cuando sólo tenía veinte años.

Al igual que muchos de los discos que lanzó Blue Note durante esa época, no logró emocionar a los seguidores tradicionales de la discográfica, aunque Two Headed Freap, junto con otros discos de comienzos de la década de 1970, sentaron las bases de lo que sería el acid jazz. Foster compuso cinco de las ocho piezas, mientras que las otras son versiones hábilmente seleccionadas; de ellas, “Let’s Stay Together”, de Al Green, deja claro por qué se respetaba tanto a Foster y tenía tanta demanda como músico de acompañamiento, y no sólo entre músicos de jazz. George Benson admiraba a Foster, y más adelante tocaría en su disco Breezin’.

En su propio debut, las mejores composiciones de Foster son la relajada “Summer Song”, que cuenta con la guitarra de Gene Bertoncini al estilo de Benson, y una pieza que demuestra con claridad la diferencia que existe entre Foster y Jimmy Smith: “Mystic Brew”. La interpretación de Foster es más sostenida, tiene menos ataque y la melodía suena con m´ñas fluidez, lo que no quiere decir que sea mejor, sino sólo diferente. Distintos artistas han sampleado “Mystic Brew”, tales como A Tribe Called Quest y DJ Madlib, cuyo fruto es Shade Of Blue, el disco que lanzó en 2003 con Blue Note.

Como muchos otros álbumes de jazz de la época, Two Headed Freap da la sensación de que se trata de un film de blaxploitation, lo cual no es ninguna crítica. Es un disco de su época, y debería apreciarse como tal. El crítico de The Penguin Guide To Jazz On CD es de la misma opinión que el de la cita que se ha mostrado, lo cual dice mucho acerca de cómo ve esta época “la policía del jazz”. ¡No permita que le laven el cerebro!

1 - Chunky

2 - Drowning In The Sea Of Love

3 - The Two Headed Freap

4 - Summer Song

5 - Let's Stay Together

6 - Don't Knock My Love

7 - Mystic Brew

8 - Kentucky Fried Chicken

Ronnie Foster (órgano), George Devens (vibráfono, cabasa, maracas, cencerro), Gene Bertoncini (guitarra), Gene Bianco (arpa), George Duvivier (contrabajo), Gordon Edwards (bajo eléctrico), Jimmy Johnson (batería), Arthur Jenkins (congas), Wade Marcus (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 20 y 21 de Enero de 1972

Blue Note #57 - Donald Byrd

Donald Byrd

Black Byrd

Entonces, los aficionados al jazz comenzaron a cebarse conmigo. Se dieron un festín de diez años. “Es un vendido”. Todo lo que era malo se le atribuía a Donald Byrd. Al principio me enfrenté, pero luego se convirtió en algo común. Más tarde le dieron un nombre. Comenzaron a llamarle jazz fusión y jazz rock.

**Donald Byrd, 1982**

¿Un álbum de jazz en las listas? ¿Qué sería lo siguiente? Aunque este disco fue un auténtico superventas para Blue Note, ya que alcanzó en n.° 88 de las listas de Billboard, el furor que acompañó a su lanzamiento (muchos acusaron a Byrd de ser un vendido) duró años. Esta maravilla de disco funky clama para que lo escuchen: aquellos que aún no lo hayan hecho, deben hacerlo en cuanto puedan. Pensemos en la banda sonora de Isaac Hayes para Shaft, añadamos matices más intensos de jazz y obtendremos Black Byrd. Y, para más burla de los ya agraviados, incluso cuenta con sintetizadores. Blue Note había entrado en un nuevo y atrevido mundo.

Black Byrd es tan revolucionario como las grabaciones de The Jazz Messengers de mediados de la década de 1950 o de Herbie Hancock a comienzos de la de 1960, lo que plantea un problema para algunos aficionados al jazz que consideran que su música no debe cambiar: un modo de pensar que no es exclusivo de ellos. Byrd casi parece adoptar un papel secundario con relación al sonido global del disco, aunque cuando se pone en primer plano ejecuta unos solos tan hermosos como los que uno esperaría de un trompetista con el talento y la experiencia de llevar grabando desde mediados de la década de 1950. Joe Sample, de The Jazz Crusaders, es un músico esencial para el tono del disco, del mismo modo que lo es la flauta de Roger Glenn, la cual hace patente la época en la que se grabó el disco. La inclusión de voces en el jazz fue otro punto negativo para algunos puristas, aunque estas resultan perfectas, sobre todo en la pieza que da título al disco, en especial cuando se suman al funk y al blues de la guitarra de David T. Walker, quien acababa de salir de la grabación de Let’s Get It On con Marvin Gaye.

1 - Flight Time

2 - Black Byrd

3 - Love's So Far Away

4 - Mr. Thomas

5 - Sky High

6 - Slop Jar Blues

7 - Where Are We Going?

Donald Byrd (trompeta, fliscorno, trompeta eléctrica, voz principal) ; Fonce Mizell (trompeta, voces); Allen Curtis Barnes (flauta, oboe, saxos); Roger Glenn (saxos, flautas); Kevin Toney (piano); Freddie Perren (piano, sintetizador, voces); Joe Sample (piano, piano eléctrico); Dean Parks, David T. Walker, Barney Perry (guitarras); Chuck Rainey, Wilton Felder, Joe Hill (bajos); Harvey Mason, Sr., Keith Killgo (baterías); Bobbye Hall Porter, Perk Jacobs, Stephanie Spruill (percusiones); King Errisson (conga, bongó, pandereta); Larry Mizell (voces, arreglos)

The Sound Factory, Los Ángeles, California, 3 y 4 de Abril; 24 de Noviembre de 1972

Blue Note #56 - Elvin Jones

Elvin Jones

The Ultimate

La mayor contribución del jazz a la música ha sido la sustitución de la función del director por la de un miembro del conjunto, el cual, en lugar de mover los brazos para marcar el tempo y el tono, es un elemento activo de la declaración musical. Ese miembro es la batería.

**Elvin Jones**

Elvin Jones había participado por primera vez en un disco de Blue Note hacía más de una década cuando tocó en The Magnificent Thad Jones, el disco de su hermano mayor, que se lanzó en 1956. Como miembro del grupo de John Coltrane, grabó un gran número de sesiones para muchos de los habituales de la discográfica hasta su debut como líder de grupo, que tuvo lugar cinco meses antes que este, su segundo disco. La considerable habilidad de Jones hizo que la revista Life lo describiese como “el mejor batería rítmico del mundo”, y este excelente álbum da muestras de su destreza de tacto, dinámica y sublime fraseo.

Tres de las seis piezas están compuestas por el bajista Jimmy Garrison. Todas son magníficas, en especial “What Is This?”. Dada la formación de trío, es inevitable que Joe Farrell esté en un primer plano en todos los temas, aunque cuando se le suman el saber hacer de Garrison y Jones y las brillantes técnicas de grabación de Rudy Van Gelder, los tres músicos tienen una presencia equiparable.

En mi opinión, los mejores temas son “Yesterdays”, un estándar que tenía treinta y cinco años cuando se grabó y en el que el solo de Garrison es toda una revelación, y la maravillosa “We’ll Be Together Again”, en la que destaca la exquisita flauta de Farrell. Esta pieza de 1945 es otro clásico; fue compuesta por Carl T. Fischer y Frankie Laine le añadió la letra; la grabaron originalmente The Pied Pipers, el grupo vocal con la big band de Tommy Dorsey.

Joe Farrell había debutado el año anterior con Blue Note en el disco de Stanley Turrentine denominado A Bluish Bag. Tras haber tocado con el grupo de Maynard Ferguson durante gran parte de la década de 1960, pasó a grabar con un elenco de músicos de otro tipo, desde los Bee Gees, durante su época disco, a The Band. Para el bajista Garrison, que era miembro del grupo de John Coltrane, esta era su segunda participación en una grabación de Blue Note; la primera había tenido lugar casi una década antes, cuando tocó con Jackie McLean.

1 - In The Truth

2 - What Is This?

3 - Ascendant

4 - Yesterdays

5 - Sometimes Joie

6 - We'll Be Together Again

Joe Farrell (saxo tenor, saxo soprano, flauta), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 6 de Setiembre de 1968

Blue Note #55 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson

Total Eclipse

Experimenté con el cambio de intervalos en mi música, haciendo segundas y terceras en lugar de cuartas y quintas. Creé un sondo distinto de las típicas líneas de jazz. Los intervalos quedaban abiertos… Harold los comenzó a tocar también de modo que pudiéramos hacer que rebotaran entre sí.

**Bobby Hutcherson, 2013**

Este es un curioso disco de Bobby Hutcherson, quien había grabado con Blue Note desde 1963, año en el que debutó con Jackie McLean en su One Step Beyond. El primer álbum del vibrafonista como líder apareció a finales del mismo año en el que grabó Dialogue, de tendencia vanguardista. En este, su quinto disco para Blue Note, Hutcherson experimentó con un estilo de jazz moderno más estructurado.

Cuatro de las cinco piezas están compuestas por Hutcherson; “Matrix” es obra de Chick Corea, lo que supone una de las escasas participaciones que llevó a cabo el músico en Blue Note. Antes de esta sesión, había grabado un disco con Donald Byrd, otros con Blue Mitchell y un par bajo su propio nombre para otras discográficas. Este disco también recoge la primera colaboración entre Hutcherson y Harold Land, flautista que se convertiría en cómplice habitual durante los años siguientes.

Aunque ninguna de las piezas del álbum de debut de Hutcheron es obra suya, durante esta época ya era un diestro compositor, de lo que da fe la ambiciosa “Pompeian”, con la que se cierra el disco. La flauta de Land en este tema resulta en especial sorprendente, mientras que su saxofón tenor en “Same Shame”, donde se alía con la brillante fluidez de Hutcherson, hace que esta pieza destaque.

La sesión de grabación de Total Eclipse, uno de los pocos discos que durante más de una década no se encargó de grabar Rudy Van Gelder, se realizó durante casi un año, cuando Blue Note fue propiedad de Liberty Records. La portada tampoco es obra de Reid Miles, lo cual resulta bastante evidente. En lugar de ser una de las excepcionales obras de Blue note, el diseño bien podría haber pertenecido a cualquier discográfica de primera línea. Está claro que un diseñador puede marcar la diferencia.

1 - Herzog

2 - Total Eclipse

3 - Matrix

4 - Same Shame

5 - Pompeian

Bobby Hutcherson (vibráfono), Harold Land (saxo tenor, flauta), Chick Corea (piano), Reggie Johnson (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Plaza Sound, Nueva York, 12 de Julio de 1968