25 de abril de 2017

Blue Note #70 - Kurt Elling

Kurt Elling
Flirting With Twilight

Sigo diciendo que tal vez este disco haya sido la experiencia más importante de mi carrera hasta el día de hoy.
**Laurence Hobgood, 2001**

Kurt Elling debutó con Blue Note en 1995. Flirting With Twilight, el hermoso quinto disco del cantante, apareció seis años después. Se trata de música de buen gusto, lo que no es de ningún modo una alabanza fingida. Elling y su pianista y arreglista Laurence Hobgood conocen su historia musical, hecho que se hace patente en las fantásticas canciones que han seleccionado para hacer versiones –y no sólo las habituales del cancionero estadounidense, conocido como Great American Songbook– ; además, hay un par escritas por Elling.

La elección de Capital Studios fue una inteligente jugada. Sus paredes sagradas lo han oído todo, y no cabe duda de que los cantantes se han sentido inspirados por el mero hecho de permanecer en la misma estancia en la que estuvieron Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y otros muchos grandes vocalistas. También fue una inspirada elección el hecho de que se decantasen por Al Achmitt, el ingeniero de sonido con varios premios Grammy en su haber. Su aportación a este disco, así como a tantos otros de su dilatada carrera, resulta un ingrediente fundamental de aquello que lo hace distinto. Schmitt crea un espacio en el disco que se complementa con gran habilidad con los arreglos en canciones tales como la hermosa “Detour Ahead”, de Herb Ellis, o en “Not While I’m Around”, de Stephen Sondheim.
Dieciséis segundos después de finalizado el último tema indicado en los créditos ("While You Are Mine"), aparece como sorpresa una pista oculta. Se trata de un clásico de la canción francesa, "Je Tire Ma Révérence", popularizado en 1957 por Jean Sablon y también recreada en 1959 por Marlene Dietrich. En este caso, la íntima versión de Kurt es secundada tan sólo por el sólido contrabajo de Marc Johnson.


Flirting With Twilight (que se podría traducir como “Coqueteando con el crepúsculo”) es el título perfecto para este disco: se escucha mejor al anochecer, cuando la luz comienza a desvanecerse y cierto estado de ánimo se va apoderando de uno. Elling ha dedicado efusivos elogios a Hobgood: “El premio al ingenio de Flirting  realmente pertenece a Laurence. El disco es definido por sus arreglos. Fue Laurence quién sacó el máximo provecho de una voz, una sección rítmica y tres instrumentos de viento, y también el que compuso todo”. Este álbum también demuestra que los cantantes de jazz pueden aportar algo nuevo a piezas muy conocidas, al menos si tienen el mismo talento musical que el tándem Elling-Hobgood.

1 - Moonlight Serenade
2 - Detour Ahead
3 - You Don't Know What Love Is
4 - Orange Blossoms In Summertime
5 - Not While I'm Around
6 - Easy Living
7 - Lil' Darlin'
8 - I Get Along Without You Very Well
9 - Blame It On My Youth
10 - I'm Thru With Love
11 - Say It
12 - While You Are Mine
13 - Je Tire Ma Révérence

Kurt Elling (voz líder), Laurence Hobgood (piano), Clay Jenkins (trompeta), Bob Sheppard (saxos tenor y soprano), Jeff Clayton (saxo alto), Marc Johnson (contrabajo), Peter Erskine (batería)

Capitol Studios, Los Angeles, 29 de Enero y 1 de Febrero de 2001

21 de abril de 2017

Blue Note #69 - Brian Blade

Brian Blade Fellowship
Perceptual

Usar el término jazz para referirse a la música que hace el conjunto del baterista Blade es como emplear Estatua para hacer referencia la Lady Liberty (como se conoce a la estatua de la Libertad): si, lo es, pero también es mucho más. Inspirándose en el jazz, el rock, el country, el folk y toda suerte de lenguajes musicales sugeridos o desarrollados en Estados Unidos, Perceptual es un crisol de sonidos que habla sin palabras de los conflictos y los triunfos de la experiencia humana.
**Billboard, Julio de 2000**

Cuando un disco toma el nombre de su primer tema, se tiene la sensación de que expresa cierta anticipación, de que da una idea de qué esperar en el resto del álbum: eso es lo que ocurre con Perceptual. La composición de los temas recae en Blade y el tecladista (y cofundador del grupo) Cowherd, lo que aporta al disco una sensación de cohesión que resulta toda satisfactoria.

Blade debutó con Blue Note cuando, a los veinticuatro años de edad, participó en el disco que grabó Kevin Hayes en 1994 con el título de Seventh Sense. Cuando un lustro después firmó este disco, el segundo para Blue Note como líder, ya había llevado a cabo varias sesiones para la discográfica y había colaborado en álbumes de otros artistas para otras firmas.

Algunas texturas recuerdan a Pat Metheny, y cada uno de los temas es más un paisaje que una mera pieza musical. La guitarra de Rosenwinkel resplandece en todo el disco y brinda una etérea sensación a casi todos los temas, a lo que hay que decir que, cuando se suma la dinámica interpretación pianística de Cowherd, los músicos dan lugar a fabulosas melodías, ricas texturas y un dramatismo de gran intensidad emocional.

Los momentos más destacados, además del tema de obertura, son el himno “Crooked Creek” y la monumental “Steadfast”, que cuenta con la evocadora voz de Joni Mitchell en una interpretación que recuerda a las de su álbum Hejira, publicado casi veinticinco años antes. Grabado en Oxford, California, poco después de la sesión principal, la colaboración de Mitchell es excepcional.

Aunque la crítica de Billboard resulta del todo acertada, olvidaron decir que nos encontramos ante uno de los álbumes de jazz más destacados de la era moderna: es, sencillamente, muy bueno. El hecho de que Brian Blade no sea más conocido sigue siendo un misterio, aunque puede que no durante mucho tiempo.

1 - Perceptual
2 - Evinrude-Fifty (Trembling)
3 - Reconciliation
4 - Crooked Creek
5 - Patron Saint Of Girls
6 - The Sunday Boys (Improvisation)
7 - Variations Of A Bloodline
A. From The Same Blood
B. Fellowship (Like Brothers)
C. Mustangs (Class Of 1988) 
8 - Steadfast
9 - Trembling

Brian Blade (batería, guitarra), Myron Walden (saxo alto, clarinete bajo), Melvin Butler (saxo soprano, saxo tenor), Jon Cowherd (Piano, Fender Rhodes, órgano de fuelle), Dave Easley (pedal steel guitar), Kurt Rosenwinkel (guitarra eléctrica y acústica), Daniel Lanois (guitarra, pedal steel guitar), Christopher Thomas (bajo), Joni Mitchell (voz)

Avatar Studios, Nueva York, 24 al 27 de Septiembre de 1999

16 de abril de 2017

Blue Note #68 - Renee Rosnes

Renee Rosnes
Art & Soul

Siempre que hago música, espero que albergue cierta sinceridad y un poco de espíritu. Creo que es eso lo que llega a la gente a través de todas las formas de arte. Es el alma del arte, ya sea una pintura, ballet, muisca clásica o jazz.
**Renee Rosnes, Agosto de 1999**

Este disco, el sexto de la pianista canadiense Renee Rosnes con Blue Note (el primero data de 1990), está repleto de sorpresas, así como su increíblemente fluida interpretación, de la que es una buena muestra la hermosa “Romp”, uno de los dos únicos temas que compuso para el álbum. En líneas generales, es una oferta variada. Basta con escuchar la voz de Dianne Reeves en las piezas de Wayne Shorter “Ancient Footprints” y “Lazy Afternoon”: esta última es la mejor versión que existe de esta sublime canción.

Rosnes se crio en Vancouver, donde tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los artistas que visitaban la ciudad: no cabe duda de que este trasfondo musical le sirvió de inspiración a la hora de crear este excelente álbum. El sensacional blues de once compases y medio de Ornette Coleman “Blues Connotation” es la pieza escogida para abrir el CD, mientras que, aunque las versiones de The Beatles que hacen los artistas de jazz suelen ser prosaicas, no ocurre lo mismo con el segundo tema del disco que interpreta Rosnes. “Fleurette Africaine” data de 1963 y es fruto de la colaboración de Ellington, Charles Mingus y Max Roach. Aquí es precedida por una hermosa lectura de “Goodbye”, de Gordon Jenkins, que Rosnes hace del álbum Frank Sinatra Sings For Only The Lonely. Aun sin las letras, parece desoladora.

Aunque tal vez muchas personas no hayan escuchado este disco, se merece una mayor difusión. Además, la hábil selección de las canciones, el nivel creativo -del que es buena muestra la inclusión de la voz de Dianne Reeves en dos temas- y, por supuesto, la maravillosa delicadeza de Rosnes demuestran que no está todo dicho en lo que se refiere al tradicional conjunto de piano, bajo y batería.

Quien albergue alguna duda puede escuchar la maravillosa reinterpretación modal de Béla Bartók en “Children’s Song No.3”, en la que el piano, el bajo y la batería parecen un solo instrumento.

1 - Blues Connection
2 - With A Little Help From My Friends
3 - Goodbye
4 - Ancient Footprints
5 - Fleurette Africaine
6 - Romp
7 - Lazy Afternoon
8 - Little Spirit
9 - Sanfona
10 - Children's Song No. 3

Renee Rosnes (piano), Scott Colley (contrabajo), Billy Drummond (batería), Richard Bona (percusión), Dianne Reeves (voz)

Bear Tracks, Suffern, Nueva York, 16 al 18 de Enero de 1999 

13 de abril de 2017

Blue Note #67 - Jason Moran

Jason Moran
Soundtrack To Human Motion

Me gusta pensar que esta grabación podría ser la banda sonora de todos los movimientos que un ser humano pudiera llevar a cabo en un día determinado.
**Jason Moran**

En Soundtrack To Human Motion, disco con el que debutó Jason Moran en Blue Note en 1999 y que supuso su primera grabación como líder, el pianista de Houston compuso todos los temas, a excepción del tercero, que procede de la mano del compositor francés Maurice Ravel y que ejecuta en solitario. Cuando se publicó el disco, un crítico se refirió a él como el “debut del año, cuando no el disco del año”. No exageraba. La interpretación de Moran, que tenía veinticuatro años, rezuma maestría: inventiva, madura y, sobre todo, de una gran elegancia.

Exactamente como afirma Moran, el disco representa los movimientos efectuados por un ser humano a lo largo de un día. Movimiento es lo que transmite el disco en su totalidad, y esta sensación se realza gracias a la diestra dirección de los músicos por parte de Moran, sobre todo en “Still Moving”, que, en mi opinión, es el mejor tema. Moran decidió tocar jazz con el piano en oposición al estilo clásico que estudió durante la adolescencia tras escuchar a Thelonious Monk: esta inspiración se advierte en la delicadeza con la que pulsa las teclas del piano en “Kinesics”.

Sin embargo, este no es un disco que se limite a mirar al pasado: rebosa frescura, nuevas ideas e innovación. “JAMO Meets SAMO” es un tema hip hop, y “Retrograde” es cualquier cosa menos una canción retrógrada. Tras estudiar con Jaki Byard, Richard Abrams y Andrew Hill, fue Greg Osby quien le dio a Moran el gran empujón al llevárselo de gira por Europa en 1997 antes de que decidiera que debía tocar en su propio disco, que grabó más tarde ese mismo año. Y, cuando toca, el saxofonista brilla en cada una de esas piezas. El vibrafonista Stefon Harris sólo tenía veinticinco años cuando participó en esta grabación y se había estrenado como líder en Blue Note un año antes; puede que fuera la interpretación de Bobby Hutcherson en el disco que publicó Andrew Hill en 1964 con el título de Judgment lo que inspirase su inclusión en la formación.

1 - Gangsterism On Canvas
2 - Snake Stance
3 - Le Trombeau De Couperin / States Of Art
4 - Still Moving
5 - JAMO Meets SAMO
6 - Kinesics
7 - Aquanaut
8 - Retrograde
9 - Release From Suffering
10 - Root Progression

Jason Moran (piano), Greg Osby (saxo alto, saxo soporano), Stefon Harris (vibráfono), Lonnie Plaxico (contrabajo), Eric Harland (batería)

Systems Two Studios, Brooklyn, Nueva York, 29 y 30 de Agosto de 1998

10 de abril de 2017

Blue Note #66 - Medeski Martin & Wood

Medeski Martin & Wood
Combustication

Se nos da bastante bien ocultar nuestra auténtica identidad. Nadie sabe cómo describirnos; además, tampoco hay nadie que toque como nosotros. Si a un músico le hablas de rock, te dirá que hacemos jazz, pero si le preguntas a alguien que toque jazz, te dirá que hacemos más rock.
**Chris Wood, Julio de 1998**

Medeski Martin & Wood debutaron en Blue Note con un disco emocionante; de hecho, tanto como cuando se grabó, hace casi dos décadas. Aunque puede considerarse jazz fusión experimental, sus numerosos puntos de entrada permiten que el oyente penetre en el mundo musical del colectivo. Del mismo modo que muchos artistas de hip hop se estaban inspirando en los discos que había lanzado Blue Note en décadas anteriores, el hip hop y el acid jazz dieron forma a la música del trío y les sirvió de inspiración: aunque el nexo más evidente es DJ Logic, es algo que puede apreciarse de forma global. El grupo también se inspiró en Sly & The Family Stone a la hora de realizar su versión revientapistas de “Everyday People”. Se trata de jazz, aunque no necesariamente del que conocemos.

Combustication es un disco apto para aquellos que afirman que no les gusta el jazz. Hay inspiración soul, vibraciones rock y hip hop, y tampoco podemos olvidar el blues del trío MM&W. A pesar de este número de influencias, consigue crear un contexto que es propio. Mientras muchos otros grupos han optado por la formación de trío basado en órgano, y al hacerlo han caído en lo formulario, MM&W ofrece una experiencia satisfactoria: basta con escuchar “Coconut Boogaloo”. El piano de Medeski aporta unas maravillosas texturas que contribuyen al excepcional atractivo del sonido del trío.

Este es un álbum rebosante de ideas, a veces incluso demasiadas, ya que compiten por captar la atención del público. Sin embargo, en última instancia, es este derroche de inventiva la que hace que se quiera volver al álbum y la responsable de que aparezcan nuevas ideas como por arte de magia, incluso después de haberlo escuchado en varias ocasiones. “Hypnotized”, la última pieza, tiene una duración de cinco minutos y medio, aunque le sigue una “pista oculta” que explota en los altavoces después de dos minutos de silencio… Es la que, de forma apropiada, da título al disco, que podría traducirse como “Combustión espontánea”.

1 - Sugar Craft
2 - Just Like I Pictured It
3 - Start-Stop
4 - Nocturne
5 - Hey-Hee-Hi-Ho
6 - Whatever Happened To Gus
7 - Latin Shuffle
8 - Everyday People
9 - Coconut Boogaloo
10 - Church Of Logic
11 - No Ke Ano Ahiahi
12 - Hypnotized

John Medeski (teclados), Chris Wood (bajo, bajo eléctrico, bombo), Billy Martin (batería, percusión), DJ Logic (giradiscos), Steve Cannon (recitados)

The Magic Shop, Nueva York, 15 al 21 de Diciembre de 1997

8 de abril de 2017

Blue Note #65 - Joe Lovano

Joe Lovano
Rush Hour

Hay para todos los gustos en la tan esperada cita del maestro tenor Joe Lovano con el compositor, director y arreglista Gunther Schuller, que es un veterano de muchas colaboraciones de “música seria fusionada con jazz”.
**Billboard, 25 de Febrero de 1995**

Desde el instante en que la cariñosa y respetuosa interpretación de “Prelude To A Kiss”, de Ellington, se inicia para desplegarse con suavidad, se sabe que se está ante algo especial. Rush Hour es un álbum que alivia y que luego transporta a un viaje de lujo que transcurre por un recorrido distinto del que sugiere su primera pieza y que implica muchas idas y venidas. Gunther Schuller había tocado la tuba en el disco de Miles Davis Birth Of The Cool, y a mediados de la década de 1950, su grupo, The Modern Jazz Society, grabó un álbum con Verve. La aportación de Schuller al trabajo de Lovano, que conjuga la idea del jazz de pequeños grupos y una cuidada orquestación, es clave para el sonido del disco.

Schuller también compuso tres piezas que se sitúan junto a las originales de Lovano, tales como “Wildcat” y “Topsy Turvy”. Asimismo, incluye una cuidadosa selección de versiones, en especial una del maravilloso tema de Monk “Crepuscule With Nellie”, y la hermosa y delicada interpretación de “Kathline Gray”, de Ornette Coleman.

Este disco sirvió para que el siciliano-estadounidense Lovano se convirtiese en uno de los más importantes tenores de la década de 1990. Entre 1990 y 2013, el llamado Titán del Tenor grabó veinte álbumes para Blue Note, y Rush Hour, su más variada oferta, merece ser considerado uno de los mejores de la discográfica.

1 - Prelude To A Kiss
2 - Peggy's Blue Skylight
3 - Wildcat
4. Angel Eyes
5 - Rush Hour On 23rd Street
6 - Crepuscule With Nellie
7 - Lament For M
8 - Topsy Turvy
9 - The Love I Long For
10 - Juniper's Garden
11 - Kathline Gray
12 . Headin' Out Movin' In
13 - Chelsea Bridge

Joe Lovano (saxos tenor, saxo soprano, clarinete bajo, batería); Charles Russo (clarinete, clarinete bajo, saxo alto, saxo tenor); James Pugh (trombón); Davis Taylor (trombón bajo, tuba); Michael Rabinowitz (clarinete bajo, fagot); Jack Walrath (trompeta); - Richard Oatts (flauta); Dennis Smylie (clarinete contrabajo); James Chirillo (guitarra); Mark Belair (vibráfono, percusión); Edwin Schuller, Mark Helias (contrabajos); George Schuller (batería); Judi Silvano (voz soprano); Gloria Agostini (arpa); Robert Botti (corno inglés); John Clark, Julie Landsman (trompas); Fred Sherry, Mark Shuman, Ronald Thomas (chelos); Charles Libove, Geoff Nuttall, Joel Smirnoff, John Pintavalle, Matthew Raimondi, PaulPeabody, Eric Wyrick (violines); Cynthia Phelps, Louise Schulman, Raymond Gniewek, Ronald Carbone, Toby Appel (violas); Gunther Schuller (arreglos y dirección)

Power Station, Nueva York, 6 y 7 de Abril y 12 de Junio de 1994

4 de abril de 2017

Blue Note #64 - Cassandra Wilson

Cassandra Wilson
Blue Light 'Til Dawn

El jazz devocional de Wilson ha cavado las profundidades del espíritu terroríficamente gótico de Robert Johnson con la habilidad de esquivar los clichés del blues.
**John Lewis, The Guardian, 2011**

El disco tiene un comienzo que resulta seductor. Qué valentía. La pieza “You Don’t Know What Love Is” data de 1941 y se han realizado numerosas versiones a lo largo de los años, entre ellas las de Chet Baker o Art Blakey & The Jazz Messengers. Con todo, la magia con la que Cassandra Wilson hilvana este tema, así como todos los demás de su debut con Blue Note, hace que dichas versiones queden bastante atrás.

Huelga decir que habrá gente que afirmará que este no es un disco de jazz. ¿Y qué más da? Está tan bien realizado, y es tan distinto y arriesgado que se merece todos los elogios que ha recibido. Todo aquel que pueda hacer una versión de Robert Johnson (y ofrecer algo totalmente nuevo), así como Van Morrison, Joni Mitchell y Ann Peebles, y que aporte la misma frescura que Wilson a los temas, merece nuestra atención.

Lo que en realidad capta la atención es una voz sedosa que evoca de manera continua la sensación de los clubes repletos de humo de antaño, así como la inventiva de la que se hace gala en “Black Crow”, de Mitchel, y en “Tupelo Honey”, de Van Morrison. Su rasgo distintivo es la austeridad interpretativa, que deja escaso margen para los errores vocales. Aunque no hay ninguno. En mi opinión, esta música es soul jazz, pero no en cuenta al estilo que se creó en la década de 1960, sino un jazz repleto de emotividad. En realidad, es un álbum de los que hacen época. No deje que nadie le diga que no es jazz. Además, puede que sea sencillamente brillante.

1 - You Don't Know What Love Is
2 - Come On In My Kitchen
3 - Tell Me You'll Wait For Me
4 - Children Of The Night
5 - Hellhound On My Trail
6 - Black Crow
7 - Sankofa
8 - Estrellas
9 - Redbone
10 - Tupelo Honey
11 - Blue Light 'Til Dawn
12 - I Can't Stand The Rain

Cassandra Wilson (voz líder); Don Byron (clarinete); Olu Dara (corneta); Gib Wharton, Brandon Ross, Chris Whitley (guitarras); Charlie Burnham (violín, mandocello); Kenny Davis, Lonnie Plaxico (bajos); Tony Cedras (acordeón); Bill McClellan, Lance Carter (baterías); Kevin Johnson, Jeff Haynes, Cyro Baptista, Vinx (percusionistas)

Greene Street Studios, Nueva York, Marzo de 1993; Sear Sound Studios y RPM Studios, Nueva York, Mayo de 1993; Sound on Sound, Nueva York, 26 de Julio de 1993

1 de abril de 2017

Blue Note #63 - Dianne Reeves

Dianne Reeves
I Remember

Ha creado la confianza y la visión suficiente para poner un sello personal en su material mediante la asociación de estilos alejados y la atención que pone a las letras. Se encuentra entre las jóvenes cantantes de jazz que aspiran a proseguir la fantástica tradición se Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.
**Stephen Holden, The New York Time, 1992**

La hábil programación de este disco compacto está pensada para sacar el máximo provecho de la voz de Reeves, objetivo que cumple, a la vez que deja claro que nos encontramos ante una de las principales cantantes de jazz de su generación. Aunque algunos analistas musicales la han criticado por no saber en qué estilo musical concentrar su talento, esto no ocurre en el álbum de 1991 I Remember, el tercero de los numerosos discos que ha grabado con Blue Note. Reeves grabó por primera vez en el año 1977, con sólo veintiún años, y fue contratada por la discográfica en 1986.

El álbum recorre toda la gama vocal del jazz, y pasa del brillante estilo scat de “How High The Moon” -y la interpretación de una canción de estilo que prácticamente hizo suyo Ella Fitzgerald, la “reina del scat”, es un logro nada despreciable- a la ternura de “You Taught My Heart To Sing”, una composición de McCoy Tyner con unas estupendas letras de Sammy Cahn. Con una magnífica fusión funky de ritmos, además de una maravillosa gama vocal, la primera canción del disco, “Afro Blue”, de Mongo Santamaría, pone de manifiesto otra de las facetas de la versatilidad de Dianne Reeves.

Su inteligente interpretación de “The Nearness Of You / Misty” recuerda a Sarah Vaughan, mientras que en “Softly As In A Morning Sunrise”, acompañada del vibráfono de Bobby Hutcherson, se adentra en el terreno del hard bop con unos resultados excelentes. “Like A Lover”, con Kevin Eubanks a la guitarra acústica, recuerda a un dueto entre Ella y Joe Pass, aunque el tono de Reeves es muy delicado. Gracias a su hermosa voz, Dianne Reeves mantiene viva la llama de Billie, Ella y Sassy.

1 - Afro Blue  
2 - The Nearness Of You / Misty
3 - I Remember Sky
4 - Love For Sale  
5 - Softly As In The Morning Sunrise  
6 - Like A Lover  
7 - How High The Moon  
8 - You Taught My Heart To Sing  
9 - For All We Know

Dianne Reeves (voz lìder); Greg Osby (saxo alto); Justo Almario (saxo soprano); Bobby Hutcherson (vibráfono); Charles Mims, Billy Childs, Donald Brown, Mulgrew Miller (pianos); Kevin Eubanks (guitarra acústiaca); Chris Severin, Charnett Moffett (bajos); Billy Kilson, Marvin Smitty Smith, Terri Lyne Carrington (baterías); Ron Powell (percusión, campanas de viento); Bill Summers, Luis Conte (percusión).

Madhatter Studios, Los Angeles, California, 10 y 11 de Septiembre de 1990; Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 y 28 de Abril y 9 de Mayo de 1988

27 de marzo de 2017

Blue Note #62 - Bobby McFerrin

Bobby McFerrin
Spontaneous Inventions

Disfruto con la exploración de todas las funciones que puede asumir la voz humana como forma de comunicación de melodías, armonías, ritmos, emociones e ideas.
**Bobby McFerrin, 2011**

Si tuviera que escoger una sola palabra para definir el estilo de Bobby McFerrin, esta sería pegadizo. Aunque las acrobacias vocales que lleva a cabo en este disco son, sin lugar a duda, pegadizas, también son de una genial inventiva. A pesar de que McFerrin había lanzado un par de álbumes con Elektra Records cuando Bruce Lundvall estaba al mando, es en este disco, con el que debuta en Blue Note, donde su talento alcanza la plenitud. Además, cuando los músicos inventados se le unen en alguna de las piezas, la música llega a oro nivel.

Tras alcanzar el n.° 6 en la Top Jazz Albums, Spontaneous Inventions se convirtió en el primer disco de éxito de Blue Note bajo la dirección de Lundvall. La inspiración para el título (que se puede traducir como “Invenciones Espontáneas”) surgió de la pura espontaneidad de todas las actuaciones de McFerrin; basta con escuchar el brillante dúo que realiza con el actor Robin Williams en “Beverly Hills Blues” para comprobar con qué precisión capta el álbum este aspecto. De un modo semejante, las propias composiciones de McFerrin, entre ellas la increíble “There Ya Go” y la primera pieza del disco, muestran la creatividad de este pianista de formación clásica.

Aunque no cabe duda de que la colaboración entre McFerrin y Herbie Hancock fue un movimiento inteligente, el duelo que entabló con el saxofón soprano Wayne Shorter tampoco estuvo carente de inspiración: dos maestros de la improvisación cara a cara. Para algunos, el punto álgido de este disco es “Another Night In Tunisia”, tema en el que participan The Manhattan Transfer y Jon Hendricks, y que obtuvo un Grammy en la categoría de Mejor Canción Vocal de Jazz y Mejores Arreglos Vocales para dos o más voces. Y es sólo una joya de un cofre repleto de ellas. Dos años después, Bobby grabó “Don’t Worry Be Happy”, y desde entonces no parece que quede nadie en el mundo que no haya escuchado a este intérprete realmente espontáneo.

1 - Thinkin' About Your Body
2 - Turtle Shoes
3 - From Me To You
4 - There Ya Go
5 - Cara Mia
6 - Another Night In Tunisia
7 - Opportunity
8 - Walkin'
9 - I Hear Music
10 - Beverly Hills Blues
11 - Mañana Iguana

Bobby McFerrin (voz líder, bajo, percusión); Wayne Shorter (saxo alto); Herbie Hancock (piano); Jon Hendricks, The Manhattan Transfer, Robin Williams (vocales)

Aquarious Theatre, Los Angeles, California, 28 de Febrero de 1986; Capitol Studios, Los Angeles, Marzo de 1986; Different Fur Studios, San Francisco, California, Marzo de 1986; Nueva York, 1985

18 de marzo de 2017

Blue Note #61 - Lou Donaldson

Lou Donaldson
Lush Life

Al dedicarse a explorar las posibilidades armónicas del saxofón alto, (muchos) se han olvidado del sonido básico del instrumento.
**Lou Donaldson, 1968**

¡Tremendo sonido! ¡Estupenda alineación! ¡Magnífico disco! Tras los primeros compases de “Sweet Slumbers”, una antigua pieza del grupo de Lucky Millinder, se entiende a la perfección el título de Lush Life (que se podría traducir como “Vida exuberante”), a pesar de que el estándar de Billy Strayhorn no figura en el listado de temas. Lo que sí aparece es una fabulosa versión de “The Good Life”, compuesta por Sacha Distel y Jack Reardon cinco años antes para el filme Les Sept Péchés Capitaux (Los Siete Pecados Capitales), aunque el título de la canción, que se puede traducir por “La Buena Vida”, no hacía justicia al disco. Al igual que todas las demás piezas del disco, debe mucho a las habilidades de Duke Pearson con los arreglos.

Lush Life, el primer disco de Donaldson para la discográfica desde Good Gracious, de 1963, y de raigambre soul jazz, es muy distinto. Piense en la música de Charlie Parker sin cuerdas y tendrá una idea aproximada de este disco si no ha tenido la oportunidad de escucharlo. Donaldson, el eterno discípulo de Parker, da muestras a lo largo de todo este álbum de una interpretación estupenda.

Donaldson y Pearson realizaron una selección de baladas muy consideradas, “antiguas y no tan antiguas, estándares y no tan estándares”, como indican las notas del LP original. Además de la elegante forma de tocar de Donaldson, el resto de la selección de vientos brilla en la que es una inusual ejecución de algunos de ellos: Wayne Shorter y Freddie Hubbard tocan con gran belleza en todo momento, sobre todo en el último solo del tema “Sweet And Lovely”.

Donaldson había debutado con Blue Note en abril de 1952, fecha en la que grabó con el Milt Jackson Quintet (MJQ); su disco de debut como líder apareció dos meses después en la serie New Faces, New Sounds. Entre su debut y Lush Life grabó más de una docena de discos con Blue Note, y el LP que siguió a este último, Alligator Boogaloo, con un sonido soul jazz, permaneció un tiempo en las listas de rhythm and blues de Billboard.

1 - Sweet Slumber
2 - You've Changed
3 - The Good Life
4 - Star Dust
5 - What Will I Tell My Heart
6 - It Might as Well Be Spring
7 - Sweet and Lovely

Lou Donaldson (saxo alto), Freddie Hubbard (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Jerry Dodgion (saxo alto, flauta), Pepper Adams (saxo barítono), Garnett Brown (trombón), McCoy Tyner (piano), Ron Carter (contrabajo), Al Harewood (batería), Duke Pearson (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, 20 de Enero de 1967

10 de marzo de 2017

Blue Note #60 - Ronnie Laws

Ronnie Laws
Pressure Sensitive

Ronnie Laws tiende puentes entre las distintas direcciones del jazz, aunque tiene un enfoque de inmensas pentatónicas descendentes heredadas de John Coltrane. También es un intérprete muy conmovedor que domina el soul jazz.
**Stanley Jordan, 2011**

Hay quien diría que el debut del saxofonista Ronnie Laws en Blue Note es música del demonio, y no precisamente de la que tocaban los músicos de blues. Para algunos, el álbum es un sacrilegio, mancilla el nombre de Blue Note Records y ni siquiera es jazz. Es mejor ignorarlos. Si bien es cierto que dista mucho de ser lo mejor que ha lanzado la discográfica, el disco tiene tanto derecho a estar en Blue Note como muchas otras de las grabaciones realizadas a lo largo de décadas. Este era el punto en el que se encontraba el jazz en la árida década de 1970, al menos para aquellos que deseaban hacer algo nuevo, crear su propio sonido e intentar que el jazz avanzase de algún modo.

Alentado por la emisión radiofónica del single “Always There”, el álbum, firmado por Ronnie Laws, que tenía veinticuatro años, y por el baterista de jazz William Jeffrey, que había entrado en las listas de rhythm and blues, se vendió a un ritmo constante hasta alcanzar el n.° 73 de la lista de los más vendidos de Billboard, puesto que ocupó durante más de año y medio, entre 1975 y 1976. En 1991, el grupo británico Incognito situó su versión de “Almost There” entre los diez más vendidos del Reino Unido; Incognito fue uno de los pioneros del acid jazz británico, y su versión ayudó a que toda una nueva generación entrase en contacto con Blue Note.

“Tidal Wave”, otra espléndida pieza compuesta en colaboración con Jeffrey, resulta más apacible y cuenta con el sintetizador de Jerry Peters, quien también produjo en la década de 1970 álbumes de Blue Note para Gene Harris, exmiembro de The Three Sounds. Entre los demás músicos de acompañamiento se encuentran Joe Sample y Wilton Felder, de The Crusaders, y el álbum fue producido por su excompañero de grupo, Wayne Henderson, quien por aquel entonces estaba a punto de abandonar dicho grupo para centrarse en la producción. Tando The Crusaders como Laws procedían de Houston, Texas; este último, antes de su éxito en solitario, tocó brevemente con Earth, Wind & Fire.

1 - Always There
2 - Momma
3 - Never Be the Same
4 - Tell Me Something Good
5 - Nothing to Lose
6 - Tidal Wave
7 - Why Do You Laugh at Me?
8 - Mis' Mary's Place

Ronnie Laws (saxo soprano, saxo tenor, flauta); Roland Bautista, John Rowin (guitarras); Mike Cavanaugh, Joe Sample (teclados); Jerry Peters (sintetizador); Wilton Felder, Clint Mosley (bajos); Steve Gutierrez, Michael Willars (baterías); Joe Clayton (percusión); Side Effect (coros)

Angel City Sound, Los Angeles, Marzo y Abril de 1975

28 de febrero de 2017

Blue Note #59 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Montara

La clave de hacer música no es controlarla, sino que te lleve. Una vez que te lleva, no puedes esperar a que vuelva a hacerlo y no dejarán de repetirse los mismos momentos de magia.
**BobbyHutcherson**

El latin jazz estaba en pleno auge a mediados de la década de 1960, sobre todo en Verve Records, donde Stan Getz había llevado la música brasileña a un primer plano para los aficionados al jazz. Transcurrida la década, Hutcherson, que ya era un veterano que había grabado unos veinte discos con Blue Note, se dirigió al sur para crear uno de los álbumes más deliciosos de cuantos publicó la discográfica en la década de 1970. El siempre elegante Hutcherson se rodeó de algunos de los mejores percusionistas del mundillo de la música latina, entre los cuales destacan Willie Bobo y Ralph MacDonald, y creó un álbum despreocupado y sin restricciones que rezuma energía y buenos momentos.

“Oye Como Va”, una versión de la que hizo Santana de la canción de Tito Puente, es totalmente funky. El álbum también cuenta con algunos ritmos muy relajados, entre los que destacan “Love Song”, una pieza compuesta por el pianista George Cables, también compositor de “Camel Rise” (en aquella época tocaba, asimismo, en el grupo de Fredddie Hubbard), y la atmosférica “Little Angel”, que cuenta con la excelente interpretación de Blue Mitchell a la trompeta.

Con la independencia de las aportaciones de los otros destacados músicos, siempre es Hutcherson el que brilla: dirige desde el frente, creando el efecto de ondulación en el que el vibráfono no tiene parangón, a la vez que lleva todas y cada una de las piezas hacia adelante con garbo. Resultaría muy fácil decir que esta música es “de su tiempo” y hacerse la idea equivocada de que no tiene lugar en la escena musical actual. Muchos de los temas que compuso Hutcherson para este disco figuran en los discos recopilatorios de la serie Blue Note Trip que se publicaron a comienzos del siglo XXI, y que han servido para atraer a un gran número de nuevos admiradores a la discográfica, así como para inspirar la exploración y los sampleos. MF Grimm, Little Indian y The Underachievers son sólo algunas de las formaciones que han sampleado Montara.

1 - Camel Rise
2 - Montara
3 - (Se Acabó) La Malanga
4 - Love Song
5 - Little Angel
6 - Yuyo
7 - Oye Como Va

Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Oscar Brashear, Blue Mitchell (trompetas); Ernie Watts (saxo tenor, flauta); Plas Johnson (flauta); Fred Jackson (saxo tenor, flauta); Larry Nash, Eddie Cano (pianos); Dennis Budimir (guitarra); Chuck Domanico, Dave Troncoso (contrabajos); Harvey Mason (batería); Ralph McDonald, Bobby Matos, Johnny Palomo, Rudy Calzado, Victor Pantoja (percusiones); Willie Bobo (baquetas); Dale Oehler (arreglos)

Record Plant, Los Angeles, California, 12 y 14 de Agosto de 1975

26 de febrero de 2017

Blue Note #58 - Ronnie Foster

Ronnie Foster
Two Headed Freap

Es lamentable que una discográfica con la reputación de Blue Note se vea limitada a grabar las divagaciones informales de la música por ambiental.
**Hugh Witt, Jazz Journal, Abril de 1973**

Como cualquier intérprete de órgano Hammond, Ronnie Foster es deudor de Jimmy Smith, aunque en esta sesión, su primera como líder, lleva el instrumento a terrenos desconocidos con este disco, en el que se dan la mano el funk, el soul, el rhythm and blues y el jazz. Foster había debutado con Blue Note en Alive, el disco de Grant Green, cuando sólo tenía veinte años.

Al igual que muchos de los discos que lanzó Blue Note durante esa época, no logró emocionar a los seguidores tradicionales de la discográfica, aunque Two Headed Freap, junto con otros discos de comienzos de la década de 1970, sentaron las bases de lo que sería el acid jazz. Foster compuso cinco de las ocho piezas, mientras que las otras son versiones hábilmente seleccionadas; de ellas, “Let’s Stay Together”, de Al Green, deja claro por qué se respetaba tanto a Foster y tenía tanta demanda como músico de acompañamiento, y no sólo entre músicos de jazz. George Benson admiraba a Foster, y más adelante tocaría en su disco Breezin’.

En su propio debut, las mejores composiciones de Foster son la relajada “Summer Song”, que cuenta con la guitarra de Gene Bertoncini al estilo de Benson, y una pieza que demuestra con claridad la diferencia que existe entre Foster y Jimmy Smith: “Mystic Brew”. La interpretación de Foster es más sostenida, tiene menos ataque y la melodía suena con m´ñas fluidez, lo que no quiere decir que sea mejor, sino sólo diferente. Distintos artistas han sampleado “Mystic Brew”, tales como A Tribe Called Quest y DJ Madlib, cuyo fruto es Shade Of Blue, el disco que lanzó en 2003 con Blue Note.

Como muchos otros álbumes de jazz de la época, Two Headed Freap da la sensación de que se trata de un film de blaxploitation, lo cual no es ninguna crítica. Es un disco de su época, y debería apreciarse como tal. El crítico de The Penguin Guide To Jazz On CD es de la misma opinión que el de la cita que se ha mostrado, lo cual dice mucho acerca de cómo ve esta época “la policía del jazz”. ¡No permita que le laven el cerebro!


1 - Chunky
2 - Drowning In The Sea Of Love
3 - The Two Headed Freap
4 - Summer Song
5 - Let's Stay Together
6 - Don't Knock My Love
7 - Mystic Brew
8 - Kentucky Fried Chicken


Ronnie Foster (órgano), George Devens (vibráfono, cabasa, maracas, cencerro), Gene Bertoncini (guitarra), Gene Bianco (arpa), George Duvivier (contrabajo), Gordon Edwards (bajo eléctrico), Jimmy Johnson (batería), Arthur Jenkins (congas), Wade Marcus (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 20 y 21 de Enero de 1972

19 de febrero de 2017

Blue Note #57 - Donald Byrd

Donald Byrd
Black Byrd

Entonces, los aficionados al jazz comenzaron a cebarse conmigo. Se dieron un festín de diez años. “Es un vendido”. Todo lo que era malo se le atribuía a Donald Byrd. Al principio me enfrenté, pero luego se convirtió en algo común. Más tarde le dieron un nombre. Comenzaron a llamarle jazz fusión y jazz rock.
**Donald Byrd, 1982**

¿Un álbum de jazz en las listas? ¿Qué sería lo siguiente? Aunque este disco fue un auténtico superventas para Blue Note, ya que alcanzó en n.° 88 de las listas de Billboard, el furor que acompañó a su lanzamiento (muchos acusaron a Byrd de ser un vendido) duró años. Esta maravilla de disco funky clama para que lo escuchen: aquellos que aún no lo hayan hecho, deben hacerlo en cuanto puedan. Pensemos en la banda sonora de Isaac Hayes para Shaft, añadamos matices más intensos de jazz y obtendremos Black Byrd. Y, para más burla de los ya agraviados, incluso cuenta con sintetizadores. Blue Note había entrado en un nuevo y atrevido mundo.

Black Byrd es tan revolucionario como las grabaciones de The Jazz Messengers de mediados de la década de 1950 o de Herbie Hancock a comienzos de la de 1960, lo que plantea un problema para algunos aficionados al jazz que consideran que su música no debe cambiar: un modo de pensar que no es exclusivo de ellos. Byrd casi parece adoptar un papel secundario con relación al sonido global del disco, aunque cuando se pone en primer plano ejecuta unos solos tan hermosos como los que uno esperaría de un trompetista con el talento y la experiencia de llevar grabando desde mediados de la década de 1950. Joe Sample, de The Jazz Crusaders, es un músico esencial para el tono del disco, del mismo modo que lo es la flauta de Roger Glenn, la cual hace patente la época en la que se grabó el disco. La inclusión de voces en el jazz fue otro punto negativo para algunos puristas, aunque estas resultan perfectas, sobre todo en la pieza que da título al disco, en especial cuando se suman al funk y al blues de la guitarra de David T. Walker, quien acababa de salir de la grabación de Let’s Get It On con Marvin Gaye.

1 - Flight Time
2 - Black Byrd
3 - Love's So Far Away
4 - Mr. Thomas
5 - Sky High
6 - Slop Jar Blues
7 - Where Are We Going?

Donald Byrd (trompeta, fliscorno, trompeta eléctrica, voz principal) ; Fonce Mizell (trompeta, voces); Allen Curtis Barnes (flauta, oboe, saxos); Roger Glenn (saxos, flautas); Kevin Toney (piano); Freddie Perren (piano, sintetizador, voces); Joe Sample (piano, piano eléctrico); Dean Parks, David T. Walker, Barney Perry (guitarras); Chuck Rainey, Wilton Felder, Joe Hill (bajos); Harvey Mason, Sr., Keith Killgo (baterías); Bobbye Hall Porter, Perk Jacobs, Stephanie Spruill (percusiones); King Errisson (conga, bongó, pandereta); Larry Mizell (voces, arreglos)

The Sound Factory, Los Ángeles, California, 3 y 4 de Abril; 24 de Noviembre de 1972

16 de febrero de 2017

Blue Note #56 - Elvin Jones

Elvin Jones
The Ultimate

La mayor contribución del jazz a la música ha sido la sustitución de la función del director por la de un miembro del conjunto, el cual, en lugar de mover los brazos para marcar el tempo y el tono, es un elemento activo de la declaración musical. Ese miembro es la batería.
**Elvin Jones**

Elvin Jones había participado por primera vez en un disco de Blue Note hacía más de una década cuando tocó en The Magnificent Thad Jones, el disco de su hermano mayor, que se lanzó en 1956. Como miembro del grupo de John Coltrane, grabó un gran número de sesiones para muchos de los habituales de la discográfica hasta su debut como líder de grupo, que tuvo lugar cinco meses antes que este, su segundo disco. La considerable habilidad de Jones hizo que la revista Life lo describiese como “el mejor batería rítmico del mundo”, y este excelente álbum da muestras de su destreza de tacto, dinámica y sublime fraseo.

Tres de las seis piezas están compuestas por el bajista Jimmy Garrison. Todas son magníficas, en especial “What Is This?”. Dada la formación de trío, es inevitable que Joe Farrell esté en un primer plano en todos los temas, aunque cuando se le suman el saber hacer de Garrison y Jones y las brillantes técnicas de grabación de Rudy Van Gelder, los tres músicos tienen una presencia equiparable.

En mi opinión, los mejores temas son “Yesterdays”, un estándar que tenía treinta y cinco años cuando se grabó y en el que el solo de Garrison es toda una revelación, y la maravillosa “We’ll Be Together Again”, en la que destaca la exquisita flauta de Farrell. Esta pieza de 1945 es otro clásico; fue compuesta por Carl T. Fischer y Frankie Laine le añadió la letra; la grabaron originalmente The Pied Pipers, el grupo vocal con la big band de Tommy Dorsey.

Joe Farrell había debutado el año anterior con Blue Note en el disco de Stanley Turrentine denominado A Bluish Bag. Tras haber tocado con el grupo de Maynard Ferguson durante gran parte de la década de 1960, pasó a grabar con un elenco de músicos de otro tipo, desde los Bee Gees, durante su época disco, a The Band. Para el bajista Garrison, que era miembro del grupo de John Coltrane, esta era su segunda participación en una grabación de Blue Note; la primera había tenido lugar casi una década antes, cuando tocó con Jackie McLean.

1 - In The Truth
2 - What Is This?
3 - Ascendant
4 - Yesterdays
5 - Sometimes Joie
6 - We'll Be Together Again


Joe Farrell (saxo tenor, saxo soprano, flauta), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 6 de Setiembre de 1968

13 de febrero de 2017

Blue Note #55 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Total Eclipse

Experimenté con el cambio de intervalos en mi música, haciendo segundas y terceras en lugar de cuartas y quintas. Creé un sondo distinto de las típicas líneas de jazz. Los intervalos quedaban abiertos… Harold los comenzó a tocar también de modo que pudiéramos hacer que rebotaran entre sí.
**Bobby Hutcherson, 2013**

Este es un curioso disco de Bobby Hutcherson, quien había grabado con Blue Note desde 1963, año en el que debutó con Jackie McLean en su One Step Beyond. El primer álbum del vibrafonista como líder apareció a finales del mismo año en el que grabó Dialogue, de tendencia vanguardista. En este, su quinto disco para Blue Note, Hutcherson experimentó con un estilo de jazz moderno más estructurado.

Cuatro de las cinco piezas están compuestas por Hutcherson; “Matrix” es obra de Chick Corea, lo que supone una de las escasas participaciones que llevó a cabo el músico en Blue Note. Antes de esta sesión, había grabado un disco con Donald Byrd, otros con Blue Mitchell y un par bajo su propio nombre para otras discográficas. Este disco también recoge la primera colaboración entre Hutcherson y Harold Land, flautista que se convertiría en cómplice habitual durante los años siguientes.

Aunque ninguna de las piezas del álbum de debut de Hutcheron es obra suya, durante esta época ya era un diestro compositor, de lo que da fe la ambiciosa “Pompeian”, con la que se cierra el disco. La flauta de Land en este tema resulta en especial sorprendente, mientras que su saxofón tenor en “Same Shame”, donde se alía con la brillante fluidez de Hutcherson, hace que esta pieza destaque.

La sesión de grabación de Total Eclipse, uno de los pocos discos que durante más de una década no se encargó de grabar Rudy Van Gelder, se realizó durante casi un año, cuando Blue Note fue propiedad de Liberty Records. La portada tampoco es obra de Reid Miles, lo cual resulta bastante evidente. En lugar de ser una de las excepcionales obras de Blue note, el diseño bien podría haber pertenecido a cualquier discográfica de primera línea. Está claro que un diseñador puede marcar la diferencia.

1 - Herzog
2 - Total Eclipse
3 - Matrix
4 - Same Shame
5 - Pompeian

Bobby Hutcherson (vibráfono), Harold Land (saxo tenor, flauta), Chick Corea (piano), Reggie Johnson (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Plaza Sound, Nueva York, 12 de Julio de 1968

2 de febrero de 2017

Blue Note #54 - McCoy Tyner

McCoy Tyner
The Real McCoy

La música de McCoy Tyner posee una fuerza interior y una firme sensación de autocontrol que le han permitido tocar registros muy variados, desde los vuelos en espiral de Coltrane hasta el volcán que es Art Blakey, y, con todo, nunca ha perdido un ápice de su identidad.
**Nat Hentoff, notas del LP original**

Ya desde el comienzo, “Passion Dance”, con un sonido de piano y un estilo compositivo característicos, no deja lugar a dudas de que el que toca es McCoy Tyner, quien hizo que el tema recordase a una danza de los indios nativos norteamericanos. Su excepcional forma de pasar por los cambios y los engranajes de la pieza sigue siendo tan emocionante como cuando se grabó, en un momento relativamente temprano de su carrera como líder de grupo.

Tyner ya había grabado con Blue Note en Junio de 1960 como parte del quinteto que participó en el disco Open Sesame, de Freddie Hubbard. En el período entre un disco y otro, tocó como músico de acompañamiento en álbumes de toda una serie de estrellas de Blue Note, así como en The John Coltrane Quartet durante gran parte del tiempo. Aunque este fue el debut de Tyner como líder en Blue Note, los seis álbumes que había grabado con Impulse! le sirvieron para labrarse una reputación como compositor.

Los cinco temas de The Real McCoy son de Tyner, y, cuando se lanzaron, Alfred Lion comentó lo siguiente: “Es lo que uno considera una sesión de jazz puro. No hay la más mínima concesión a cuestiones comerciales”. El pianista, según afirma Coltrane, “tenía gusto”, lo que se pone de manifiesto en sus composiciones. Cada una de las piezas ofrece una perspectiva muy distinta del jazz, y puede decirse que constituyen un disco –mejorado con la interpretación de Joe Henderson al saxofón tenor– que no tiene ningún tema que pueda considerarse malo. Elvin Jones había tocado junto a Tyner durante la época que pasó en el grupo de Coltrane, y tanto él como Carter aportaron cohesión a la música, a la que le dieron una plataforma estable tanto con el saxofón como con el piano de fondo.

“Search For Peace”, según Tyner, trataba de “darse al universo”, mientras que en la última pieza, “Blues On The Corner”, presentaba recuerdos de su infancia en Filadelfia: “A algunos chicos a los que conocía les gustaba andar por las esquinas; es una evocación musical de esa imagen, de jóvenes hablando, haciendo el tonto y bromeando”.

1 - Passion Dance
2 - Contemplation
3 - Four By Five
4 - Search For Peace
5 - Blues On The Corner

McCoy Tyner (piano), Joe Henderson (saxo tenor), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Abril de 1967

28 de enero de 2017

Blue Note #53 - Big John Patton

Big John Patton
Let 'Em Roll

Todo lo que sé lo aprendí del Lloyd. Depositó en mí las labores de segundo a bordo y de líder, lo cual supuso toda una experiencia.
**Big John Patton con relación a su primer líder, la estrella del Rhytm & Blues Lloyd Price**

Como solía hacerse en Blue Note, Big John Patton debutó en el disco de un músico con más experiencia en la discográfica, en este caso en el álbum que lanzó Lou Donaldson en 1962 con el título de The Natural Soul. A este le siguieron varias colaboraciones en otras sesiones antes de debutar como líder, en Abril de 1963, con el disco Along Came John, cuyo título (que se traduciría como “Y entonces llegó John”) resulta muy apropiado para el caso. Para cuando grabó Let ‘Em Roll, en Diciembre de 1965, la actividad del propio organista, de treinta años de edad, era febril, ya que había grabado otros tres discos hasta aquel momento en un período que se conoció como “la edad de oro del Hammond B3”.

Entonces, Jimmy Smith había firmado con Verve, y Patton se había convertido en el organista contratado por Blue Note; con todo, sería un error considerarlo una especie de sucedáneo o sustituto de Smith. Patton tenía su propio estilo: su forma de tocar era más melódica, se basaba más en acordes y tenía menos staccato que la de su predecesor. En este disco se hace patente su característica mezcla de soul y jazz, que, gracias a la interpretación de Hutcherson, da lugar a un vibráfono realmente agradable.

Además de la versión del estándar “Shadow Of Your Smile” y de “The Turnaround”, de Hank Mobley, las otras cuatro piezas del disco están compuestas por Patton. En mi opinión, estos son los temas más destacables, sobre todo la excelente combinación de swing y blues de “Jakey” y la apasionada “One Step Ahead”. Aunque Patton controla las líneas de bajo con los pedales del órgano, es Green, autor de varios discos en los que colaboró Patton, el que incorpora parte de sus innovaciones guitarrísticas y realza las sensaciones de la música.

La conjunción de órgano, vibráfono y guitarra hace que este disco esté repleto de luces y sombras, lo cual es en parte responsable de que resulte tan memorable.

Sólo para que quede claro, Big John Patton no era en realidad tan grande: medía un metro y ochenta centímetros y pesaba unos ochenta kilos. Su apodo procede de la canción “Big Bad John”. Con todo, sí hay algo de cierto: tenía un gran sonido cuando tocaba, redondo y pleno e infinitamente agradable. Mientras que Jimmy Smith admitía que escuchaba a los músicos de viento para dar forma a sus solos, Patton se inclinaba por lo pianístico.

1 - Let 'Em Roll
2 - Latona
3 - The Shadow Of Your Smile
4 - The Turnaround
5 - Jakey
6 - One Step Ahaed

John Patton (órgano), Bobby Hutcherson (vibráfono), Grant Green (guitarra), Otis Finch (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 11 de Diciembre de 1965

26 de enero de 2017

Blue Note #52 - Cecil Taylor

Cecil Taylor
Unit Structures

La energía del sonido rítmico en la amplitud de cada unidad de tiempo. La medida del tiempo como materia abstraída de la mente, símbolos transformados a través del director, del agente que habla en ángulos.
**Cecil Taylor, notas del LP original**

Aquel que crea que el disco con el que debutó Cecil Taylor en Blue Note es difícil, debería intentar leer las notas que redactó el compositor y pianista del disco: le desconcentrarán aún más. Fue Thelonious Monk quien afirmó, no sin razón,  lo siguiente: “Todos los músicos son, de manera inconsciente, matemáticos”. Sobre esta base, a Taylor deberían concederle el ficticio Premio Nobel de Matemáticas Avanzadas.

Su disco, que supuso un salto cuántico para el jazz, es uno de los máximos exponentes de la vanguardia. Sin embargo, bajo lo que para algunas personas puede parecer caótico, hay una urdimbre musical que la inusual mente de Taylor ha calculado con meticulosidad.

Este disco no es sólo complejo: se trata de jazz duro, discordante y anguloso hasta el extremo. Taylor había recorrido un largo camino desde sus iniciales y más convencionales inclinaciones post bop. Taylor y Jimmy Lyons habían tocado juntos desde 1961, y con la incorporación posterior de Andrew Cyrille, dieron forma al núcleo del grupo: The Unit. Eddie Gale Stevens hijo, más conocido como Eddie Gale, había tocado con Sun Ra, por lo que sus credenciales vanguardistas eran muy buenas. El bostoniano Ken McIntyre fue otro prolífico compositor que había dirigido sus propios grupos y grabado varios discos, entre ellos uno con aires de jazz experimental junto a Eric Dolphy para Prestige.

Una de las ideas fundamentales de la filosofía de Taylor es que los músicos debían tener libertad para seguir sus propias emociones con independencia de todas las reglas establecidas. Según sus notas metafísicas, los músicos son, en esencia, los portadores de la expresión musical, y su “arriesgada” música llega o no llega a las personas. Al que escribe nunca se le han dado bien las matemáticas.


1 - Steps
2 - Enter, Evening (Soft Line Structure)
3 - Enter, Evening (alternate take)
4 - Unit Structure / As of a Now / Section
5 - Tales (8 Whisps)


Cecil Taylor (piano, campanas); Eddie Gale Stevens Jr. (trompeta); Jimmy Lyons (saxo alto); Ken McIntyre (saxo alto, oboe, clarinete bajo); 
Henry Grimes, Alan Silva (contrabajos); Andrew Cyrille (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Mayo de 1966

18 de enero de 2017

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson
Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.
**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos destacables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade
2 - Mode for Joe
3 - Black
4 - Caribbean Fire Dance
5 - Granted
6 - Free Wheelin'
7 - Black (alternate take)


Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966

13 de enero de 2017

Blue Note #50 - Don Cherry

Don Cherry
Complete Communion

A mediados de la década, la asociación de Cherry con Gato Barbieri dio lugar a una comunión total para la discográfica Blue Note. Es uno de los mejores ejemplos de jazz de confluencia, una atrevida y persuasiva mezcla de expresionismo y ortodoxia.
**De la necrológica de Don Cherry, Billboard, 
4 de Noviembre de 1995**

La fecha de grabación, Nochebuena de 1965, hace que este disco resulte en cierto sentido inusual y supuso el debut del cornetista Don Cherry con Blue Note, discográfica con la que grabaría un total de tres discos en menos de doce meses. Aunque el músico de veintinueve años había realizado numerosas grabaciones con el grupo de Ornette Coleman y había liderado un par de sesiones para otras discográficas, este supuso su revolución personal y, en cierto modo, la de todo el movimiento del free jazz.

Cada una de las caras del LP supone una suite compuesta por Cherry, y cada una de ellas se grabó en una sola toma, aunque no fue la primera en ninguno de los casos: la cara 1 fue la segunda toma, y la cara 2, la tercera. Volátil, intenso y chispeante son algunas de las palabras que han utilizado los críticos para describir este disco, y lo cierto es que son totalmente apropiadas. Se trata de jazz para valientes, música que muchos no músicos encontrarán difícil, pero aquellos que acepten el desafío se verán recompensados al final con creces… Incluso puede que muy pronto silben las melodías.

Cuando todo el grupo o los solistas individuales exploran los distintos temas, estos se asemejan a menudo a conversaciones entre diferentes actores; el diálogo entre Cherry y Barbieri, a quien había conocido mientras el segundo residía en Roma, resulta especialmente llamativo.

El estilo del saxofonista tenor argentino de aquel período se ha relacionado con el del anterior líder de Cherry, Ornette Coleman, y no hay duda de que formaba parte de su atractivo. Sin embargo, Cherry era sobre todo un hombre con sus propias ideas, lo cual se pone de manifiesto en las grabaciones posteriores como líder de grupo.

Grimes y Blackwell –la sección rítmica– eran, al igual que los otros dos músicos, nuevos en la discográfica, lo cual hace que esta sea una grabación excepcional en Blue Note. Este disco refleja la metamorfosis que experimentó el jazz a mediados de la década de 1960: es un estilo free jazz que se convertiría en la norma una vez entrada la década.

1 - Complete Communion
a) Complete Communion
b) And Now
c) Golden Heart
d) Remembrance

2 - Elephantasy
a) Elephantasy
b) Our Feelings
c) Bishmallah
d) Wind, Sand and Stars

Don Cherry (corneta), Leandro "Gato" Barbieri (saxo tenor), Henry Grimes (contrabajo), Edward Blackwell (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Diciembre de 1965

10 de enero de 2017

Blue Note #49 - Ornette Coleman

Ornette Coleman
At The Golden Circle 

No creo que exista ninguna diferencia entre una idea y una emoción. La música es un lenguaje que se compone de notas y claves; el lenguaje escrito lo constituyen las letras , que son símbolos de los sonidos, y cambian en función de estos del mismo modo que pueden hacerlo las letras de los sonidos.
**Ornette Coleman, 1983**

Este disco, uno de los más inusuales de cuantos publicó Blue Note durante la década de 1960, no sólo se grabó en Suecia, sino que también fue el debut de Ornette Coleman en la discográfica; la primera sesión del músico como líder tuvo lugar en 1958 y se grabó para Contemporary. Las piezas de estos dos volúmenes se grabaron el viernes 3 de Diciembre y durante las actuaciones por la tarde y por la noche del día siguiente. Una vez grabadas las tres actuaciones, se seleccionaron las mejores tomas para los discos originales, aunque algunas de las desechadas figuraron en ediciones posteriores en CD de este concierto de tan excelente grupo.

Es música procedente de lugares salvajes. Si dejamos a un lado su antigüedad, bien podría ser la música que concibiera Coleman para una banda sonora de una serie de detectives de la televisión escandinava del siglo XX. “Faces And Places” encajaría a la perfección en una secuencia de persecución, mientras que “Dawn” refleja la desolación de un amanecer monocromático tras la acción. No es una música sencilla, pero tampoco tiene por qué serlo. “Snowflakes And Sunshine”, con Coleman al violín y a la trompeta, puede dejar fríos a algunos; es sumamente desafiante y no apta para los poco aventureros.

Cada uno de los temas de este disco rezuma innovación, y aquellos que estén dispuestos a escucharlo más de una vez se verán gratamente recompensados. Para ello hay que alejar cualquier idea preconcebida, reformular las que se tengan acerca de lo que debe ser el jazz y dejarse llevar por el flow de Coleman. Además, si se quiere comprender en qué punto se hallaba el jazz a mediados de la década de 1960, este álbum es obligado. Con todo, no es un disco que haya ganado adeptos con el paso del tiempo como sucede con otros álbumes de su época. En Agosto de 1966, la revista Down Beat lo consideró Disco del Año.

El trío llevaba formado más de un año, lo cual se pone de manifiesto en la empatía y la unión de las que hacen gala ambos volúmenes. Para ser una grabación realizada en un club, tiene una calidad extraordinaria: el sonido es cristalino y dinámico y posee una fuerte sensación ambiental. Además, cuenta con una de las portadas de Reid Miles más pertinentes: el tono de la imagen concuerda con el de la música. 


At The Golden Circle, Stockholm
Volume One

1 - Announcement
2 - Faces And Places
3 - European Echoes
4 - Dee Dee
5 - Dawn



At The Golden Circle, Stockholm
Volume Two

1 - Snowflakes And Sunshine
2 - Morning Song
3 - The Riddle
4 - Antiques


Ornette Coleman (saxo alto, violín y trompeta), David Izenzon (contrabajo), Charles Moffett (batería)

Gyllene Cirkeln Restaurant, Estocolmo, 3 y 4 de Diciembre de 1965