Wynton Kelly - Elegante maestría

Wynton Charles Kelly nació en Jamaica el 2 de diciembre de 1931. Cuatro años más tarde, su familia se trasladó a los Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, más precisamente en el distrito de Brooklyn. 

Comenzó su carrera profesional siendo aún adolescente, iniciándose como músico de rhythm and blues con artistas como Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Destacó como acompañante de Lester Young entre 1951 y 1952 y, tras su servicio militar volvió al mundo musical colaborando con Dinah Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), y con la Big Band de Dizzy Gillespie (1957). En 1959 comenzó su colaboración con Miles Davis (1959-1963) con quien grabaría álbumes como Kind Of Blue, At The Blackhawk, o Someday My Prince Will Come. Tras abandonar a Davis formó su propio trío con el resto de la sección rítmica de la banda.

Su temprana muerte, ocurrida en Toronto, Canadá, e 12 de abril de 1971, privó al jazz de una de sus figuras más inventivas. La crítica especializada es coincidente en dos aspectos: su enorme figura nunca recibió la atención que merecía y su maestría quedó de manifiesto en sus pianos tríos, a través de los que exhibió un estilo impecable, elegante y rebosante de swing, creando escuela entre muchos pianistas.

Wynton Kelly dejó un valioso legado discográfico para los sellos Blue Note, Riverside, Verve, Milestone y Vee-Jay. Y son los tres álbumes como líder para este último los que reseña Carlos Sampayo en el libro que estamos repasando:

El estilo de Wynton Kelly dio pautas rotundas para la formación de secciones rítmicas durante los años sesenta. Esencial y práctico, su modo de afrontar el teclado no daba lugar a descartes ni dudas. Poseía una colosal fuerza de arrastre y supo congeniar el swing (que Cannonball Adderley le atribuía como cualidad "natural") con las sutilezas propias del artista con un discurso individual y solo en apariencia simple.

La complejidad oculta de Kelly reside en el poder de persuasión sobre los otros solistas sin invadir su terreno, la facilidad para poner en marcha una maquinaria sin grietas y la llaneza con que usaba pocas ideas básicas para expresar argumentos diferentes.

Como acompañante era el non plus ultra codiciado por todos (allí está la segunda época dorada de Miles Davis como testimonio), mientras que como solista aportó algunas ideas y recursos que, siendo en él originales, usadas por otros suenan a pegote pringoso: nadie ha podido emular sus escalas ascendentes y descendentes, con interrupciones leves, retardos y aceleraciones apenas perceptibles que las transformaban en algo más que una escala y la divorciaban del estereotipo.

Kelly representa esa suerte de gran talento reposado que es sustento de encanto y armonía. No era un genio del piano (hay pocos), pero sí un artista íntegro y fiel a un lenguaje personal.

Las tres referencias del sello Vee Jay muestran a un pianista en el mejor momento de su carrera.

Cuando grabó Kelly Great —su única experiencia como líder de un quinteto con Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería)— ya había grabado varios discos para otros sellos, era un partenaire muy solicitado e integraba el quinteto de Miles Davis. Esta sesión fue también un banco de pruebas para Wayne Shorter, que haría su primera grabación como líder cuatro meses después; se trata de un disco especial para apreciar las cualidades de Kelly como acompañante (aquí en situación de liderazgo), de una música muy estimulante y sin edad.

Wynton Kelly

Kelly Great

1 - Wrinkles

2 - Mama G

3 - June Night

4 - What Know

5 - Sidney

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Fine Sound Studios, Nueva York, el 12 de agosto de 1959.

⁂

En Kelly at Midnite (hubo una versión en pseudo vinilo titulado, británicamente Kelly at Midnight), el pianista y quienes mejores conjugaron con sus intenciones —Paul Chambers (contrabajo), rotundo, y Philly Joe Jones (batería), angelical— vuelven a redondear —años más tarde en forma de reedición— el ideal del trío; Kelly exige aquí proezas novedosas a su mano izquierda, con éxito.

Wynton Kelly

Kelly At Midnite

1 - Temperence

2 - The Weird Lullaby

3 - On Stage

4 - Skatin'

5 - Pot Luck 

Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Bell Sound Studios, Nueva York, el 27 de abril de 1960.

⁂

En Wynton Kelly!, un doble que incluye —en el segundo CD— el entero set de tomas alternativas en su momento editadas en Japón en un CD independiente, se presenta la que fue la gran sección rítmica de Davis con Kelly (con la excepción de Sam Jones en algunos temas y Jimmy Cobb en batería). Un disco que no pasó inadvertido a la crítica de la época y cosechó elogios encendidos. Solo puedo decir que quizás aquí se encierre lo mejor de su música grabada; y esta acotación no es trivial porque quienes lo escucharon en vivo y directo afirman que era capaz de promover las mayores exaltaciones en el público presente.

Wynton Kelly Trio

Wynton Kelly!

*CD 1*

1 - Come Rain Or Come Shine [**]

2 - Make The Man Love Me [**] 

3 - Autumn Leaves [*]

4 - Surrey With The Fringe On Top [**]

5 - Joe's Avenue [*]

6 - Sassy [**]

7 - Love, I've Found You [**]

8 - Gone With The Wind [**]

9 - Someday My Prince Will Come [*]

10 - Char's Blues [**]

*CD2*

1 - Autumn Leaves (take 1) [*]

2 - Autumn Leaves (take 2) [*]

3 - Autumn Leaves (take 3) [*]

4 - Char's Blues (take 1) [**]

5 - Char's Blues (take 2) [**]

6 - Joe's Avenue (take 1) [*]

7 - Joe's Avenue (take 4) [*]

8 - Joe's Avenue (take 8) [*]

9 - Joe's Avenue (take 9) [*] 

10 -  Someday My Prince Will Come (take 6) [*]

11 - Surrey With The Fringe On Top (take 3) [**]

Wynton Kelly (piano); Paul Chambers [*], Sam Jones [**] (contrabajos); Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones realizadas Bell Sound Studios, Nueva York, el 20 [*] y el 21 [**] de julio de 1961. 

Phineas Newborn Jr. - Prodigioso mundo aparte

De padre baterista y director de orquesta y de madre pianista y cantante, Phineas Newborn Jr. emprendió estudios musicales desde niño profundizándolos después en el bachillerato y en la Universidad. Debutó en 1947 con Saunders King y estuvo en Memphis con diversas formaciones locales hasta 1950, año en que se unió a la orquesta de Lionel Hampton, con quien permaneció dos años, hasta 1952. Tras una efímera colaboración con los "Tennessee State Collegians", en 1953 tocó con Willis Jackson hasta que tuvo que hacer el servicio militar.

Entre 1955 y 1956 formó su propio cuarteto, con el que, en mayo de 1956, se trasladó a Nueva York para firmar un contrato por dos años en el afamado club "Bassin Street". Más adelante convirtió su cuarteto en un trío y en 1958 todavía redujo más el grupo formando un dúo con el contrabajista Charles Mingus, con quien apareció en la película "Shadows", de John Cassavettes.

En el otoño de ese mismo año, viajó por primera vez a Europa, alcanzando un gran éxito y demostrándole al entendido público francés, que su preparación técnica y su dominio del piano no tenía nada que envidiarle a los más grandes. A mediados de 1960, una larga y penosa enfermedad, sumada a una lesión en una de sus manos, le obligó suspender por una larga temporada su carrera profesional dado que tuvo que ser ingresado en el Camarillo Hospital, la misma clínica donde estuvo internado Charlie Parker. Cuando reanudó su actividad, a finales de 1970, se dedicó a tocar de manera habitual con su trío en la zona de Los Angeles, donde demostró que su feeling estaba intacto. Según el crítico e historiador de jazz Nat Hentoff, su muerte llevó a la creación de la "Jazz Foundation of America", una organización dedicada subvencionar los gastos médicos de importantes artistas del mundo del jazz.

Sus grabaciones para el sello Contemporary, en especial el debut para dicho sello —A World Of Piano!— siguen siendo consideradas de máximo interés jazzístico y Carlos Sampayo reseña este álbum de la siguiente manera: 

Leonard Feather opinaba que Newborn era el más grande pianista de jazz de todos los tiempos después de Art Tatum y Bud Powell. Es una opinión extrema, pero Feather no era amigo de hipérboles.

Newborn, que nació en 1931 en un pueblo de Tennessee, fue un niño prodigio y un adulto inestable. Su carrera comenzó en los primeros años cincuenta en bandas de rhythm and blues y tras su traslado a Nueva York en 1956 se dedicó exclusivamente al jazz. En palabras de George Avakian, "parecía nacido para esto".

Una serie de discos grabados para el sello Contemporary pone en evidencia esa predisposición sustentada en un talento creador que en la improvisación no muestra grietas; pero no es lo único: poseedor de una técnica deslumbrante inventó (más bien perfeccionó) un modo de improvisación a dos manos concordante donde los acordes estaban implícitos y se insertaban como por arte de magia en la melodía que estaba creando... mientras la creaba.

También fue un maestro absoluto en el arte del tiempo, secreto jazzístico por excelencia; el ritmo fluía con llaneza y aparentemente sin obstáculos.

De los discos de Newborn para Contemporary —ambién muy buenos los Atlantic y los Roulette— elegimos este porque condensa y resume todas sus cualidades. Sus versiones de "Cheryl" (Charlie Parker), "Daahoud" (Clifford Brown) y "Oleo" (Sonny Rollins) son casi insuperables en trío de piano.

Una versión muy emotiva de "Lush Life" (Strayhorn) es precedida por la introducción de la "Sonatine" de Maurice Ravel, como si se tratara de la misma música. Acompañan al pianista Paul Chambers o Sam Jones (contrabajo) y Philly Joe Jones o Louis Hayes (batería).

Enfermo de esquizofrenia, afección que lo llevó a períodos de interrupción profesional y hospitalización, Phineas Newborn Jr. murió en Memphis en 1989.

Phineas Newborn Jr.

A World Of Piano!

1 - Cheryl

2 - Manteca

3 - Lush Life

4 - Dahoud

5 - Oleo

6 - Juicy Lucy

7 - For Carl

8 - Cabu 

Phineas Newborn Jr. (piano) en trío con:

#1 a #4:

Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 16 de octubre de 1961.

#5 a #8:

Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 21 de noviembre de 1961. 

Tina Brooks - El perverso juego de la espera

"Otro gran artista poco reconocido es el saxofonista Tina Brooks", comentó uno de los lectores de Quintaesencia en la presentación anterior. Y eso no hizo más que alentarnos a volver sobre este artista cuya discografía completa como líder ya había sido presentada cuando este blog se dedicó a las recomendaciones del libro "Uncompromising Expression" de Richard Havers.

Harold Floyd Brooks fue uno de los saxofonistas tenores más brillantes de su tiempo, y eso en las décadas de1950 y 1960 significaba ser realmente muy bueno. Actualmente es unánime la opinión de que Tina —apodado así desde su infancia por su escasa estatura y su carácter retraído—, "debe" ser reconocido como uno de los grandes jazzistas de su época.

Tina era un grande sin demasiado carisma, un tipo de temperamento cohibido y sin cualidades sociales al que la industria musical de su tiempo decidió ignorar, sumiéndolo en una depresión que duró desde 1961, año de su retiro discográfico, hasta su muerte en 1974. Como muchos de sus colegas, el abuso de las drogas hizo mella en su ánimo y en su salud. Sus últimos años fueron terribles. Pasó por la cárcel y fue internado en varias ocasiones debido a sus adicciones. Muchos llegaron a darlo por muerto antes de hora, y no es difícil asociar tanta desgracia a la negligencia del sello Blue Note para con sus cuatro álbumes como líder.

Al primero, Minor Move, de 1958, Tina tan solo lo vio juntando polvo en las bóvedas de la casa grabadora. Permaneció inédito hasta su publicación en Japón en 1980 y en formato CD recién en 2000.

El segundo, True Blue, de 1960, fue el único álbum lanzado en vida de Brooks. Excelente por donde se lo escuche, pero eclipsado por la publicación simultánea del Open Sesame de su amigo Freddie Hubbard, grabado una semana antes.

En septiembre de 1960 entró nuevamente a estudios para dejar registrado su tercer disco, Back To The Tracks, otra notable muestra del talento de Brooks como artista principal que, por alguna razón inexplicable, no vio la luz hasta enero de 1998 y reeditado en CD en 2006.

Finalmente, el colmo del ninguneo fue el disco de título premonitorio, The Waiting Game, de 1961, que permaneció guardado en un cajón hasta 2002, cuando Rudy Van Gelder lo remasterizó para la serie de reediciones en CD de la Blue Note. Al terminar esta sesión, Tina Brooks acababa de cumplir 29 años. Tenía toda una carrera por delante. Pero nunca volvió a grabar. Se cansó del juego de esperar. 

Es precisamente este último álbum, el que reseña Carlos Sampayo en su libro "Discografía Personal del Jazz" que estamos repasando:

Brooks grabó cuatro sesiones para Blue Note y tres fueron comercializadas: Minor Move, 1958; True Blue, 1960, y Back to the Tracks, del mismo año. Son tres discos magníficos y uno de ellos, True Blue, está considerado como un emblema del jazz de la época, junto a Open Sesame de Freddie Hubbard, con el que comparte front line. 

La cuarta y última sesión, grabada en 1961 —una joya—, solo había sido editada por Mosaic en un cofre monográfico y en vinilo (en Japón, en CD en 2001). La exclusión comercial se debió, en su momento, a que el resultado sonoro —en el aspecto técnico— no gustó al ingeniero Rudy Van Gelder ni a Duke Pearson, entonces asesor técnico del sello. Quizá hoy haya sido "limpiado", lo cierto es que en este sentido no se advierten diferencias con los otros tres discos. La música, entendida como repertorio, es quizá menos compacta que en los casos anteriores, pero se trata de un disco excelente, que presenta intacto el espíritu bluesy que caracterizaba a este jazzman y el empuje de un swing consistente y sin filtraciones. El personal: Tina Brooks (saxo tenor), Johnny Coles (trompeta), Kenny Drew (piano), Wilbur Ware (contrabajo), Philly Joe Jones (batería). La sección rítmica se resiente del estilo elemental del pianista y de un Philly Joe extrañamente parecido a Blakey, es decir, retraído estilísticamente. Lo que ocurre "adelante" —Brooks y el trompetista Johnny Coles— hace que estas dudas sean triviales: Brooks siempre impresiona por la verdad que ocultan sus frases, por la capacidad de convertir un entrelazamiento convencional en un discurso pleno y satisfactorio (una conversión en la que Dexter Gordon era un maestro). Además, por su sonido reconocible; un oído no demasiado fino puede recordarlo después de haberlo escuchado un par de veces.

Los otros tres discos contaban con el concurso de los trompetistas Freddie Hubbard, Lee Morgan y Blue Mitchell. Aquí Coles cambia el rumbo de la "otra voz" no renunciando a su lirismo, a esas frases construidas sobre dudas y vacilaciones a partir de una resonancia tenue, que en manos de otro serían elementos de un fiasco y en las suyas son pura poesía. La presencia de Coles ayuda a que este disco esté a la misma altura de los otros tres, formando así un cuerpo compacto.

Un gran disco. Muy recomendable para los que olvidaron que el jazz proviene de la calle, de los arrabales olvidados del mundo rico y dominante.

Tina Brooks nació en 1932 y murió en 1974; su actividad artística había terminado diez años antes.

Tina Brooks

The Waiting Game

Lado 1

1 - Talkin' About

2 - One For Myrtle

3 - Dhyana

Lado 2

4 - David The King

5 - Stranger In Paradise

6 - The Waiting Game

Tina Brooks (saxo tenor), Johnny Coles (trompeta), Kenny Drew (piano), Wilbur Ware (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 2 de marzo de 1961. 

Murakami y el Jazz #12

Retomando nuestra búsqueda de los discos de jazz cuya música integra Haruki Murakami en su obra literaria, iniciamos la parte final de la serie enfocándonos en sus libros de cuentos que, hasta la fecha son cinco.

El primero de ellos es "El elefante desaparece", un volumen que contiene 17 relatos escritos entre 1980 y 1991. La editorial encargada de su traducción al español lo presenta como "una maravillosa muestra del talento narrativo de Murakami que nos abre las puertas a otras realidades y nos lleva de la mano a mundos fantásticos", y resume su contenido de la siguiente manera: "Un hombre que se obsesiona con la insólita y misteriosa desaparición del elefante de un zoo, un abogado en paro que recibe el encargo de su mujer de encontrar a su gato, una pareja de recién casados que deciden atracar un MacDonald’s en plena noche, una curiosa digresión sobre los canguros, un enano diabólico que baila, un joven empeñado en burlarse de su futuro cuñado, un pirómano confeso... Los protagonistas de todos los relatos que componen este volumen esperan algo. Un accidente, un hecho azaroso. Al contrario que esta obra, donde nada, absolutamente nada, queda al azar. Alternando páginas inquietantes e hilarantes, El elefante desaparece es una prueba más de la capacidad de Murakami para cruzar la frontera entre lo cotidiano más realista y lo fantástico, transformando así la trivialidad de nuestras vidas".

El único cuento que remite a un disco específico es "Quemar graneros", un relato claramente inspirado en el famoso "Incendiar establos" de William Faulkner. En este cuento, un hombre de treinta y un años —quien cuenta la historia— conoce a una sencilla y sensible chica de veinte que trabaja como modelo publicitaria, aunque su vocación es aprender las destrezas de la mímica.  Nos enteramos de que se conocen en la boda de un amigo en común y que se hacen íntimos. Gracias a una herencia recibida tras la muerte de su padre, la chica viaja al norte de África y cuando regresa lo hace acompañada de un novio que tiene una extraña pasión: quemar graneros. Nuestro relator se entera de ello una tarde de domingo, cuando la pareja lo visita en su casa. 

Y allí aparece la escena que revela la música de nuestra búsqueda:

Llegaron pasadas las dos. Oí el ruido de un coche deportivo acercándose a la casa. Salí a la entrada y aquel vehículo plateado que ya conocía se encontraba allí delante. Ella sacó la cabeza por la ventanilla y agitó la mano. Los seguí con la mirada hasta que aparcaron en la parte de atrás del jardín.

—Ya estamos aquí —dijo sonriente.

Llevaba una camisa tan fina que casi se le transparentaban los pezones, y una falda corta de color verde oliva. Él vestía una chaqueta sport azul marino. Daba una impresión muy distinta respecto a la última vez que le había visto debido a una barba descuidada de no menos de dos días. No obstante, su aspecto general era correcto. Tan solo se apreciaba en él una sombra algo más densa de lo normal. Nada más salir del coche se quitó las gafas de sol y se las guardó en el bolsillo.

—Siento aparecer así de improviso en su día de descanso —se excusó.

—No pasa nada. Para mí, casi todos los días son de descanso. Además, me aburría de estar solo.

—Hemos traído algo de comer.

Sacó una bolsa grande de papel blanco del asiento trasero.

—¿Comida?

—Poca cosa —aclaró él—, pero es domingo y me pareció adecuado.

—Se lo agradezco. No he comido más que manzanas en todo el día.

Entramos en casa y dejamos la comida en la mesa. Había un surtido considerable: sándwiches de rosbif, ensalada, salmón ahumado y helado de arándanos. No estaba mal, la verdad. Ella lo sirvió todo en platos y yo saqué una botella de vino blanco de la nevera. Parecía una fiesta.

—Vamos a comer. Me muero de hambre.

Estaba muerta de hambre, como de costumbre.

Comimos los sándwiches, la ensalada y picamos salmón ahumado. Cuando se terminó el vino, saqué unas cervezas. En la nevera siempre había cerveza. Un amigo tiene una empresa pequeña y me proporciona vales de descuento.

Por mucho que bebiera, la expresión de la cara de él no cambiaba. Yo también aguanto bien la cerveza. Ella bebió a su vez y, en menos de una hora, había una considerable cantidad de latas vacías encima de la mesa. Era una visión sorprendente. Se levantó de la mesa, eligió unos cuantos discos de la estantería y puso uno en el reproductor. Airegin, de Miles Davis, fue su primera elección. 

—Un Garrard de cambio automático —dijo él—. Qué cosa tan poco habitual en estos tiempos.

Le expliqué que era un maniático de los reproductores automáticos y que encontrar un Garrard en buen estado había significado todo un triunfo. Escuchaba mis explicaciones sin dejar de asentir con la cabeza.

 Miles Davis

Cookin' With The Miles Davis Quintet

1 - My Funny Valentine

2 - Blues By Five

3 - Airegin

4 - Tune Up / When Lights Are Low

Miles Davis (trompeta), John Coltrane (saxo tenor), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 26 de octubre de 1956.

Murakami y el Jazz #1

No sé cuántos lectores de Quintaesencia siguen (o conocen) la obra literaria de Haruki. Y es bien sabido que una vez leído no hay término medio: o se lo descalifica totalmente o se lo reverencia con entusiasmo. A mí ubíquenme entre los de la segunda lista.

Como siempre me sucede, es muy difícil "salir de la órbita" murakamiana al terminar uno de sus libros. Por eso, mientras busco qué material elegir para un nuevo proyecto, se me ocurrió hacer un repaso general de sus títulos y así completar lo más posible la lista de sus "retratos de jazz". No sólo los explícitos del proyecto “Retratos en Jazz” sino los implícitos, aquellos que aparecen mencionados al pasar en sus novelas. Algunos están bien definidos, otros no tanto. Y en esos genéricos, en los que nombra sólo a un artista o una canción en particular, me permitiré "intervenir" como lector y dejar que la imaginación haga lo suyo.

Cualquier lector consecuente o casual de Haruki Murakami sabe que el autor, además de escribir, posee dos pasiones: correr y escuchar música. Y si bien el jazz parece ser la principal, no me animaría a asegurarlo. Su conocimiento de la música clásica queda en evidencia no sólo por cómo la vincula en sus novelas, sino por el profundo análisis que es capaz de realizar. Por ejemplo, en su más reciente libro traducido al español: "Música, sólo música", una recopilación de conversaciones con su amigo Seiji Ozawa, antiguo director de la Orquesta Sinfónica de Londres, el propio Osawa se asombra de que Murakami tenga discos que él mismo no tiene, y que los recuerde tan claramente.

Por otro lado, su conocimiento del pop, del soul, del rock, de la bossa nova y de la llamada "easy listening", muy presente en sus novelas, quedó claro en los programas radiales que dirigió en plena pandemia, oficiando como comentarista y discjockey en el programa "Murakami RADIO" de la emisora Tokyo FM. Confieso que escuché alguna de sus emisiones y por suerte había música porque no entendí nada de lo que hablaba, obviamente.

En su último libro, "Primera persona del singular", aún no publicado en español (falta poco para que aparezca, pero me ganó la ansiedad y ya lo "mal leí" en inglés), Haruki "descubre" un disco nunca editado de Charlie Parker junto con Antonio Carlos Jobim al piano, pero no mejor no hacer spoiler...

Por tanto, yendo a sus primeras novelas, comencemos con "Escucha la canción del viento", buscando pistas de jazz en su escritura. Allí aparecen dos referencias. Una muy clara de Miles Davis, y otra que "habrá que imaginar" del Modern Jazz Quartet.

No olvidemos que esto no pretende ser más que pura diversión... Si alguien se percata de alguna "pista" que no pude identificar, bien puede indicarlo en los comentarios.

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En "Escucha la canción del viento", ópera prima de Murakami, el autor sigue las vicisitudes de "Yo", un joven estudiante que, durante unas vacaciones en su ciudad natal, disfruta de la compañía de su mejor amigo, apodado "el Rata", una chica con cuatro dedos y el barman del Jay's Bar, personajes a los que se suma la figura de un escritor suicida (e inventado): Derek Heartfield.

Hay dos discos de jazz presentes en la obra. En el Capítulo 8, "el joven estudiante" va a lavarse la cara al baño del Jay's Bar y encuentra una chica tirada en el piso. Jay y el "joven estudiante" la ayudan a incorporarse, le curan una herida en la cabeza y deciden llevarla a su casa. Por precaución, el "joven estudiante" resuelve quedarse con ella a cuidarla, y cuenta:

Debía tener sed, porque me desperté antes de las seis de la mañana. Cuando abro los ojos en casa ajena, me siento siempre como un alma a la que hubieran embutido a la fuerza en un cuerpo que no le perteneciese. Me levanté con gran esfuerzo de la estrecha cama y, tras beber como un caballo un vaso de agua tras otro en un sencillo fregadero que había junto a la puerta, me volví a la cama.

A través de la ventana abierta de par en par se veía un trozo de océano. Las pequeñas olas reflejaban, centelleantes, los rayos del sol que acababa de alzarse en el cielo, y aguzando la vista distinguí unos sucios buques de carga que flotaban en el agua con aire de hastío. Aquel día prometía ser caluroso. Las casas de los alrededores aún dormían en silencio, no se oía más que algún chirrido en la vía del tren y la tenue melodía del programa de gimnasia radiofónico.

Todavía desnudo, me recosté en la cabecera de la cama y, tras encender un cigarrillo, miré a la mujer acostada a mi lado. Los rayos de sol que penetraban por la ventana orientada al sur bañaban por completo su cuerpo. Estaba sumida en un profundo sueño, con la colcha de felpa retirada hasta los pies. De vez en cuando, su respiración se agitaba y sus senos bien moldeados oscilaban de arriba a abajo. Tenía el cuerpo muy moreno, pero, con el paso de los días, el color había perdido lustro y la parte sin broncear, que reseguía con nitidez las líneas del traje de baño, mostraba una blancura extraña que recordaba la carne medio descompuesta.

Después de fumarme un cigarrillo me pasé diez minutos intentando recordar el nombre de la mujer, pero fue en vano. Para empezar, ni siquiera recordaba si lo había sabido alguna vez o no. Resignado, bostecé y volví a mirarla. Tendría apenas veinte años y era más bien delgada. Con los dedos extendidos fui midiendo, a partir de la cabeza, su estatura. Ocho veces la extensión de mi mano abierta y, al final, al llegar al talón, me sobraba el dedo pulgar. Es decir, unos 158 centímetros.

Debajo del seno derecho tenía una mancha del tamaño de una moneda de diez yenes que parecía salsa derramada. En su bajo vientre el fino vello púbico se arremolinaba vivaz como las hierbas de un arroyo tras una inundación. Además, en la mano izquierda tenía cuatro dedos.

Y en el Capítulo 15, unos días más adelante:

A la mañana siguiente, tras pasear un rato por el puerto con mi camiseta recién estrenada, que me picaba un poco, abrí la puerta de una pequeña tienda de discos que descubrí al pasar. En el interior de la tienda no había ningún cliente, sólo una vendedora sentada detrás del mostrador repasando con cara de aburrimiento unos recibos mientras bebía una lata de Coca-Cola. Tras recorrer las estanterías un rato, de pronto me di cuenta de que la conocía. Era la chica a la que le faltaba el dedo meñique y que una semana atrás había hallado tendida en el suelo del baño del Jay's Bar. Le dije "Hola". Un poco sorprendida, me miró a la cara, miró mi camiseta y, luego, se bebió de un trago la Coca-Cola que le quedaba.

— ¿Cómo has sabido dónde trabajo? — preguntó con resignación.

— Por casualidad. He venido a comprar un disco.

— ¿Cuál?

— Un elepé que incluya California Girls, de los Beach Boys.

Tras asentir con aire suspicaz, se levantó, se dirigió a grandes pasos hacia una estantería y, como un perro bien adiestrado, volvió con un disco.

— ¿Te parece bien éste?

Asentí, y con las manos embutidas en los bolsillos, lancé una mirada a mi alrededor.

— También quiero el Concierto para piano n° 3 de Beethoven...

Sin despegar los labios, esta vez vino con dos elepés.

— ¿Cuál prefieres: Glenn Gould o Backhaus?

— Glenn Gould.

Dejó uno sobre el mostrador y devolvió el otro a la estantería.

— ¿Qué más?

— Uno de Miles Davis que incluya A Gal in Calico.

En esta ocasión tardó un poco más, pero me trajo el disco, como era previsible.

Miles Davis

The Musing Of Miles

Lado 1

1 - Will You Still Be Mine?

2 - I See Your Face Before Me

3 - I Didn't

Lado 2

4 - A Gal In Calico

5 - A Night In Tunisia

6 - Green Haze

Miles Davis (trompeta), Red Garland (piano), Oscar Pettiford (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en el Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 7 de junio de 1955.

****

El siguiente disco, aparece en el Capítulo 22, cuando "la chica de cuatro dedos" invita al "chico estudiante" a comer en su casa. Casi finalizando el relato sobre la velada, "Yo" cuenta:

Después de comer nos tomamos un café y, tras lavar los dos juntos los platos en la pequeña cocina y volver a la mesa, nos encendimos un cigarrillo y escuchamos un disco del Modern Jazz Quartet.

Ella llevaba una fina blusa que dejaba ver claramente la forma de sus pezones y unos pantalones cortos de algodón holgados por la cintura. Además, bajo la mesa, nuestros pies se encontraban sin cesar y yo, cada vez, me ruborizaba un poco.

Y sigue un diálogo a propósito de la noche que él durmió en casa de ella. ¿Intimaron "la chica de cuatro dedos" y "el chico estudiante"? Ella cree una cosa, él asegura otra.

Lo mejor será que lean el libro. Para mí,  el disco que no nombra Murakami bien pudo ser el siguiente...

The Modern Jazz Quartet

Plays For Lovers

Lado 1

1 -  All The Things You Are

2 - Softly, As In A Morning Sunrise

3 - All Of You

4 - Autumn In New York

Lado 2

5 - I'll Remember April

6 - Gershwin Medley 

Love Walked In ~ For You, For Me, Forevermore ~ Soon ~ Our Love Is Here To Stay

7 - Rose Of The Rio Grande

8 - But Not For Me

John Lewis (piano); Milt Jackson (vibráfono); Percy Heath (contrabajo); Kenny Clarke [#1, #2, #7, #8], Connie Kay [#3, a #6] (baterías).

Grabaciones realizadas por Rudy Van Gelder en Nueva York, el 22 de diciembre de 1952 (#1 y #7) y en Hackensack, Nueva Jersey, el 25 de junio de 1953 (#4 y #8) y el 2 de julio de 1955 (#2, #3, #5 y #6). 

Retratos en Jazz #53 - Art Pepper

Art Pepper (1925-1982)

Nació en California y es considerado el mejor saxo alto de la escuela West Coast. En 1943 se incorporó a la orquesta de Stan Kenton, de la que se apartó en 1952. Los solos que realizó en el disco Surf Ride, cargados de su energía característica de aquella época, son magníficos. Debido a su adicción a las drogas interrumpió más de una vez su actividad profesional, pasando un largo período en un centro de recuperación especializado. Pero en la década de 1970 renació de sus cenizas. Es interesante comparar la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950, considerada su mejor época. Realizó varias giras por Japón.

Art Pepper Meets the Rhythm Section (Contemporary C-3532)

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Art Pepper

Meets The Rhythm Section

Lado 1

1 - You'd Be So Nice To Come Home To

2 - Red Pepper Blues

3 - Imagination

4 - Waltz Me Blues

5 - Straight Life

Lado 2

6 - Jazz Me Blues

7 - Tin Tin Deo

8 - Star Eyes

9 - Birks' Works

Art Pepper (saxo alto), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Gabado en Contemporary's Studios, Los Angeles, California, el 19 de enero de 1957.

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~ Extras ~

El disco Surf Ride que elogia Murakami reunió una docena de extraordinarias grabaciones de mediados de 1950. Aunque poco importe al oyente, las fechas de grabación que informa el librillo puede que sean incorrectas, si se las contrasta con la información que registra el sitio especializado jazzdisco.com. Lo esencial es la música que creó en formato de cuarteto con los pianistas Russ Freeman y Hampton Hawes, como también los clásicos "duelos" con su colega Jack Montrose en saxo tenor.

Art Pepper

Surf Ride

1 - Tickle Toe

2 - Chili Pepper

3 - Susie The Poodle

4 - Brown Gold

5 - Holiday Flight

6 - Surf Ride

7 - Straight Life

8 - Cinnamon

9 - Thyme Time

10 - The Way You Look Tonight

11 - Nutmeg

12 - Art's Oregano

#1 a #3:

Art Pepper (saxo alto), Russ Freeman (piano), Bob Whitlock (contrabajo), Bobby White (batería).

Grabado en Los Angeles, el 29 de marzo de 1953.

#4 a #6:

Art Pepper (saxo alto), Hampton Hawes (piano), Joe Mondragon (contrabajo), Larry Bunker (batería).

Grabado en Los Angeles, el 7 de febrero de 1952. (jazzdisco.com registra como fecha el 4 de marzo de 1952).

#7 a #12:

Art Pepper (saxo alto), Jack Montrose (saxo tenor), Claude Williamson (piano), Monte Budwig (contrabajo), Larry Bunker (batería). 

Grabado en Los Angeles, el 24 de diciembre de 1953. (jazzdisco.com registra como fecha el 25 de agosto de 1953 y con Paul Bellerina como baterista en #8 y #11)

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Es difícil elegir un disco en particular para seguir el consejo de Murakami: comparar "la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950". Se me ocurre poner a consideración Straight Life. Además de tener un título muy emblemático (lleva el mismo nombre que su célebre autobiografía), es probablemente uno de los mejores que grabó para el sello Galaxy entre 1979 y 1982. En él figuran "Surf Ride" y "Straight Life", dos temas esenciales para "comparar" como los abordó 26 años después de sus versiones originales.

Art Pepper

Straight Life

1 - Surf Ride

2 - Nature Boy

3 - Straight Life

4 - September Song

5 - Make a List (Make a Wish)

6 - Long Ago and Far Away

Art Pepper (saxo alto), Tommy Flanagan (piano), Red Mitchell (contrabajo), Billy Higgins (batería), Kenneth Nash (cencerro y reco-reco en #5).

Grabado en Fantasy Studios, Berkeley, California, el 21 de setiembre de 1979. 

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Pero creo que uno de los mejores "modelos de comparación" de la música de Art Pepper en el correr de toda su carrera la propuso en 2009 su viuda, Laurie Pepper, coautora de su autobiografía y fiel guardiana de su memoria. Laurie sigue publicando con regularidad material inédito de Art desde su sello Widow's Taste y en el cuarto volumen se la serie Unreleased Art que se presenta aquí, se recogen grabaciones que van desde los comienzos de la carrera de Art con la orquesta de Stan Kenton hasta tomas de conciertos realizados días antes de su muerte. Un tercio de la colección contiene registros nunca publicados con anterioridad, como así también grabaciones desconocidas realizadas justo después de la liberación de Pepper de la prisión estatal de San Quintín en 1964.

Art Pepper

The Art History Project

~ Unreleased Art, Vol. IV ~

*CD 1*

Pure Art (1951~1960)

1 - Art Pepper

2 - Fascinatin' Rhythm

3 - Patricia

4 - Tickle Toe

5 - Pepper Returns

6 - Mambo De La Pinta

7 - These Foolish Things

8 - Cool Bunny

9 - Bésame Mucho

10 - Art's Oregano

11 - Diane

12 - I Can't Believe That You're In Love With Me

13 - Straight Life

14 - Everything Happens To Me

15 - Nutmeg

16 - What's New?

17 - Begin The Beguine

*CD 2*

Hard Art (1960~1968)

1 - Rehearsal

2 - Track 2

3 - So In Love

4 - Talk

5 - That Crazy Blues

6 - D Section

7 - Chelsea Bridge

*CD 3*

Consummate Art (1972~1982)

1 - Caravan

2 - Lost Life

3 - Landscape

4 - Angel Wings

5 - Historia De Un Amor

6 - Mambo Koyama

7 - That's Love

Grabaciones realizadas entre 1951 y 1982.

Art Pepper secundado por numerosos artistas [Detalles en el librillo de la colección].

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Y a propósito de las estancias de Art en prisión y su madurez musical: quizá los peores momentos de su vida fueron los tres años que pasó en la penitenciaría de San Quintín. El establecimiento era conocido por ser el lugar donde se realizaban las ejecuciones de todos los presos de California condenados a muerte. Pero en la cárcel conoció el free jazz de la mano de Ornette Coleman y John Coltrane. Cómo ese acercamiento influyó en su música quedó bien reflejado en el programa televisivo Jazz Casual que conducía el crítico musical Ralph Gleason. Sucedió poco después de su liberación de San Quintín. Precisamente, fue el 9 de mayo de 1964, en el que, acompañado por el pianista Frank Strazzeri, el contrabajista Hersh Hamel y Bill Goodwin a la batería, interpretó "The Trip", "D Section" y un tercer tema sin título.

Retratos en Jazz #42 - Lee Morgan

Lee Morgan (1938-1972)

Nació en Filadelfia. A los 15 años organizó su propio grupo haciéndose notar como niño prodigio. En 1956 se unió la banda Dizzy Gillespie y, con 18 años, graba por primera vez como líder: Introducing Lee Morgan. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, recibiendo muchos elogios gracias al sonido funky de su trompeta. En 1961 se retiró de los escenarios durante algún tiempo, pero a finales de 1963 reapareció y a partir de 1967 actuó al frente de su propio quinteto.

The Sidewinder (Blue Note BST-84157)

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Lee Morgan

The Sidewinder

Lado1

1 - The Sidewinder

2 - Totem Pole

Lado 2

3 - Gary's Notebook

4 - Boy, What A Night

5 - Hocus-Pocus

Lee Morgan (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Barry Harris (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Billy Higgins (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 21 de diciembre de 1963.

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~ Extras ~

En la minibiografía de Morgan que construye Murakami, indica el primer álbum como líder al disco Intoducing Lee Morgan, para el sello Savoy. Sin embargo, el verdadero opus uno de Lee fue Indeed!, grabado el día anterior para el sello Blue Note, aunque la locación fuera la misma: la sala de estar de la casa paterna de Rudy Van Gelder, en el 25 Prospect Avenue de Hackensack, Nueva Jersey, el primer y célebre Van Gelder Studio. 

Por entonces, la muerte de Clifford Brown había originado una frenética búsqueda del heredero y el precoz Morgan se erigió para muchos en indiscutible candidato. Por ello Lee se encontró ante una gran demanda para sesiones de grabación con destacadas figuras y bajo su propio nombre.

Está bien. Para no entrar en polémicas, son dos primeros álbumes... para distintos sellos discográficos.

Lee Morgan

Indeed!

1 - Roccus

2 - Reggie Of Chester

3 - Lady, The

4 - Little T (aka The New Message)

5 - Gaza Strip

6 - Stand By

7 - Little T  (alternate take)

Lee Morgan (trompeta), Clarence Sharpe (saxo alto), Horace Silver (piano), Wilbur Ware (contrabajo). Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 4 de noviembre de 1956.

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Lee Morgan

Introducing Lee Morgan

1 - Hank's Shout

2 - Nostalgia

3 - Bet

4 - Softly, As in a Morning Sunrise

5 - P.S. I Love You

6 - Easy Living

7 - That's All

Lee Morgan (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Hank Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey,  el 5 y el 7 de noviembre de 1956.

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A principios de la década de 1970, Lee Morgan, indignado por las condiciones de trabajo de los músicos de jazz en Estados Unidos se implicó en actividades políticas colaborando sobre todo con Roland Kirk, como uno de los líderes del movimiento Jazz and People desarrollando diversas actividades a través de programas y entrevistas para protestar por la ausencia de músicos de jazz en muchas programaciones, contribuyendo así a la organización de un festival alternativo al de Newport.

En septiembre de 1971 grabó la que sería su última sesión, recogida en el álbum The Last Session, para el sello Blue Note, con una inusual formación de octeto e incorporando instrumentos eléctricos al igual que hiciera en un anterior álbum. Es al que refiere Murakami como un disco con "perfume innovador y un eclecticismo maravilloso".

Lee Morgan

Lee Morgan (The Last Session)

1 - Capra Black

2 - In What Direction Are You Headed?

3 - Angela

4 - Croquet Ballet

5 - Inner Passion-Out

Lee Morgan (trompeta y fliscorno), Grachan Moncur III (trombón), Bobbi Humphrey (flauta), Billy Harper (saxo tenor y flauta alta), Harold Mabern (piano acústico y eléctrico), Jymie Merritt (bajo eléctrico), Reggie Workman (contrabajo y percusión), Freddie Waits (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 y el 18 de setiembre de 1971.

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Queda, por último, una recomendación de mi parte, referida a la vida y muerte de Lee Morgan: el excelente documental I Called Him Morgan del director Kasper Collin en la que se recupera la historia de Lee, haciendo foco tanto en su carrera profesional como en la relación con su esposa Helen, quien luego de una discusión amorosa acabaría con la vida del músico en la fría madrugada del 19 febrero de 1972, mientras trabajaba en el club Slug’s de Nueva York. Además de repasar la corta carrera de Morgan, arroja luz sobre la intimidad de una dramática historia amorosa que terminó en tragedia.

La plataforma Netflix la tiene disponible, pero, por si acaso... una copia también queda aquí:

I Called Him Morgan

Kasper Collins, 2016

Blue Note #14 - Sonny Clark

La música se tocó como quise que se tocase y tuve a los músicos con los que había deseado grabar desde hacía mucho tiempo.

**Sonny Clark, 1958**

El título de este álbum, grabado en la primera sesión de 1958 para Blue Note, procede de la primera pieza, que establece como tono del disco la perfección. Todo en él emana frescura y, tanto “Cool Struttin’” como “Blue Minor” son temas destacables de un álbum que no tiene desperdicio. La última pieza, en la que Clark toca al estilo Monk, había formado parte del repertorio del pianista durante un tiempo antes de que grabase; esperaba hallar a los músicos adecuados con los que trabajar

Clark conoció a Farmer en Pasadena, Los Angeles, donde ambos vivían, y de inmediato le gustó la forma de tocar del trompetista; obsérvese su solo en “Sippin’ At Bells”, de Miles Davis, Donte Art Farmer demuestra con creces que tiene su propio estilo. Clark ya había realizado muchas grabaciones para Blue Note como músico de acompañamiento de Hank Mobley, Curtis Fuller, John Jenkins y Cliff Jordan, así como líder del grupo durante los anteriores doce meses.

El amor de Clark por el blues se hace patente a lo largo de todo el disco, un “clásico del hard bop”, como lo definió The New York Times, que dista mucho de ser una obra unidireccional. La credencial swing de Sonny Clark puede percibirse sobre todo en “Deep Night”, una canción coescrita con un crooner de antes de la guerra llamado Rudy Valee y en la que su interpretación pianística aparece con mucha soltura cuando Art Farmer comienza con sus aseveraciones. De un modo semejante, Jackie McLean, que contaba tan sólo veintiséis años cuando se grabó este disco, realiza una ejecución larga, suave y seductora.

Y por último, está la portada. Es muy distinta de los típicos diseños de Reid Miles, aunque, en parte, es esto lo que hizo de él un gran genio. Miles capta la esencia de la música de un modo magnífico. Se trata de un sofisticado jazz neoyorquino de la mejor calidad.

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 NOTA: quiero agregar algo más… junto con el Kind Of Blue de Miles Davis, posiblemente sea éste el segundo disco elegido para mi propia isla desierta. No sólo por su contenido musical –seguramente el epítome del hard bop de finales de 1950- sino por las seductora carátula con las bellísimas piernas de Ruth Mason, una chica que llegó a Nueva York en 1944 para estudiar canto y rápidamente se convirtió en una figura central de la escena del jazz de Harlem desde su programa radial en la emisora WOV. A la larga, ella fue otro de los grandes descubrimientos del fundador de la Blue Note, Alfred Lion. Se casó con ella pero hubo entre ellos mucho más que un simple matrimonio. 

Ya convertida en Ruth Lion se zambulló fervientemente en las operaciones del sello discográfico llegando a ser todo aquello que tanto su esposo Alfred como Francis Wolff pudieran necesitar: una de sus gerentes principales en asuntos de publicidad, relaciones artísticas y modelo de portadas. Así como en Cool Struttin' fueron sus piernas las que tradujeron el elegante "paso" del jazz neoyorquino, fue en el Moods del trío The Three Sound donde le puso el rostro al relajado y extraordinario swing.

Sonny Clark

Cool Struttin’

1 - Cool Struttin'

2 - Blue Minor

3 - Sippin' At Bells

4 - Deep Night

5 - Royal Flush

6 - Lover

Sonny Clark (piano), Jackie McLean (saxo alto), Art Farmer (trompeta), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 5 de Enero de 1958.

Blue Note #12 - Clifford Brown

Clifford Brown

Memorial Album

Tuvo lugar la fusión perfecta entre la capacidad creativa innata y adecuada formación técnica, lo que le permitió crear preciosos momentos de expresión musical y emocional. Este talento le llevó a estar a un nivel muy superior que el de los mejores de sus coetáneos. La autoconfianza que se desprende de la forma de tocar de Clifford reflejaba la mente y el alma de un joven artista floreciente quien, con todas las de la ley, hubiera ocupado un lugar junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis y otras figuras destacadas del jazz.

**Quincy Jones en Down Beat, Agosto de 1956**

La primera estrofa de las notas originales de Leonard Feather para Memorial Album dice lo siguiente: "parece que en el jazz todos los buenos, sobre todo si tocan la trompeta, mueren jóvenes". Con todo, hay que hacer una precisión: Brownie no era bueno, ¡era extraordinario!

Con sólo veinticinco años de edad, Brown moría en un accidente de tráfico en junio de 1956, y este disco, como indican tanto el título (que se puede traducir como "Album conmemorativo") y la referencia del catálogo, se publicó ese mismo año.

Las piezas que dieron forma a la cara 2 se grabaron a unas cuantas manzanas de Time Square, en la estación radiofónica de la WOR, en Nueva York, y supusieron el debut de Brownie como líder, aun cuando la sesión figuró como obra de Lou Donaldson-Clifford Brown Quintet. Algunos de estos temas salieron originalmente en 1953 en el álbum New Faces, New Sounds, firmado por Lou Donaldson y Clifford Brown (BLP 5030), mientras que la cara 1 había visto la luz como New Star On The Horizon (BLP 5032).

Aparte del saxofonista adicional en la segunda sesión, los dos son muy similares, tanto en el ambiente que crean como en la sensación que transmiten., El destacado esplendor de Brown y sus henchidos tonos que invocan el espíritu de su héroe, Fats Navarro, tienen un gran atractivo. La rapidez con la que toca y la forma en la que de su instrumento surgen las ideas como "Carvin’ The Rock" resultan apabullantes, a la vez que Brownie hace suya por completo la conocida melodía "Cherokee", de Ray Noble.

A pesar de lo emocionantes que resultan sus ejecuciones en las piezas con tempos que van de los medios a los más rápidos, es en las piezas más lentas, tales como "You Go To My Head" y "Brownie Speaks", donde Clifford Brown es absolutamente sublime. En su caso “se fue demasiado pronto” sí que sería en epitafio adecuado.

1 - Bellarosa

2 - Carvin' The Rock

3 - Cookin'

4 - Brownie Speaks

5 - De-Dah

6 - You Got To My Head

7 - Carvin' The Rock (alternate take #1)

8 - Cookin' (alternate take)

9 - Carvin' The Rock (alternate take #2)

10 - Wail Bait

11 - Hymn Of The Orient

12 - Brownie Eyes

13 - Cherokee 

14 - Easy Living

15 - Minor Mood

16 - Wail Bait (alternate take)

17 - Cherokee (alternate take)

18 -  Hymn Of The Orient (alternate take)

Clifford Brown (trompeta); Lou Donaldson (saxo alto); Gigi Gryce (saxo alto, flauta); Charlie Rouse (saxo tenor); Elmo Hope, John Lewis (pianos); Percy Heath (contrabajo); Philly Joe Jones, Art Blakey (baterías).

#1-9: WOR Studios, Nueva York, 9 de Junio de 1953.
#10-18: Audio Video Studios, Nueva York, 29 de Agosto de 1953.

Hank Mobley - Explosivos guardados

Hank Mobley

Poppin'

Poppin' fue una de las muchas sesiones que el extraordinario Hank Mobley grabó a finales de 1950 y principios de los 1960. Sin embargo permaneció inédito durante 30 años. Es difícil decir por qué este disco quedó tanto tiempo en suspenso dentro de las bóvedas de la Blue Note. Podría especularse en que no se lo consideró como una pieza esencial. Sin embargo es tan bueno como los demás registros que grabó por entonces.

La omisión parece mayor si se considera que en aquella ocasión Hank estuvo al frente de un sexteto de lujo: el trompetista Art Farmer, el saxo barítono Pepper Adams, el pianista Sonny Clark, el contrabajista Paul Chambers y Philly Joe Jones a la batería.

Con un programa constituido por cinco composiciones del propio Hank más un clásico del repertorio jazzístico atacados con total pasión y vigor, todos los músicos convierten el proyecto en una cátedra de refinamiento y buen gusto -en especial los ágiles solos de Sonny Clark-, logrando finalmente una colección impecable del más auténtico y sólido hard bop.

1 - Poppin'

2 - Darn That Dream

3 - Gettin' Into Something

4 - Tune Up

5 - East Of Brooklyn

Hank Mobley (saxo tenor), Art Farmer (trompeta), Pepper Adams (saxo barítono), Sonny Clark (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Van Gelder Studio, Hackensack,  New Jersey, 20 de Octubre de 1957

Blue Note #10 - John Coltrane

John Coltrane

Blue Train

Una provocativa muestra del lenguaje duro y moderno que destaca sobre todo por la notable continuidad solista del tenor Coltrane. Llevados por los creativos y vibrantes ritmos –obra de Paul Chambers, (Philly) Joe Jones y Kenny Drew-, el trompetista Lee Morgan y el trombonista Curtis Fuller aportan unas ejecuciones perfectas.

**Billbord, 3 de Marzo de 1958**

Este es un disco venerado, apreciado y amado por muchos; con todo, otros no acaban de ver claro el bullicio que causa. Yo mismo me encuentro entre los primeros. Es cierto que existe cierta polémica en torno a este disco y que hay críticos que sostienen que tanto Lee Morgan como Curtis Fuller han hecho trabajos muchos mejores. Sin embargo, estos juicios se antojan demasiado duros; después de todo, se trata de un disco de Coltrane.

Kenny Drew, Paul Chambers y Philly Joe Jones ya habían tocado juntos en el álbum que el pianista había grabado para Riverside Records, por lo que ya conocían los estilos de sus compañeros.

Lo cierto es que, desde la pieza que da título al disco –cuyo valor se ve prácticamente duplicado gracias a la incorporación de “Moment’s Notice”-, se trata de una obra maestra.

Blue Train resulta tan familiar que incluso puede parecer la sintonía de una serie de televisión que hubiéramos olvidado hace mucho o la banda de sonido de un film atmosférico. Tiene todo lo que hace que el jazz sea tan conmovedor.

El debate que existe sobre el disco se centra en el tema “Blue Train”. En la edición original, el solo de piano de la toma 8 se empalma al de la siguiente toma de la misma sesión de septiembre de 1957 para dar lugar a lo que se ha considerado la obra maestra de Coltrane. En una reedición posterior se incluyeron tanto la toma 8 al completo como la versión compuesta, lo que enfureció a Van Gelder, para quien el empalme de la cinta era un “sacrilegio”.

Además de cuatro composiciones originales de Coltrane, incluye una hermosa lectura del estándar de Jerome Kern y Johnny Mercer titulado “I’m Old Fashioned”, que resulta abiertamente sentimental y se encuentra entre las mejores baladas de Coltrane.

Nota: en la edición que se presenta aquí, editada para el 75 aniversario de la Blue Note, figuran las tomas cuestionadas en su totalidad: el master "empalmado" -identificado como toma 9-, la toma 8 que se tomó para conformar el original ("alternate take 1") y una toma inédita aún que en la sesión correspondió a la toma 7 ("alternate take 2").

Y a no olvidar que Blue Train es considerada como una de las piezas más influyentes, no sólo de la carrera de Trane, sino del género jazz en su totalidad.

1 - Blue Train

2 - Moment's Notice

3 - Locomotion

4 - I'm Old Fashioned

5 - Lazy Bird

6 - Blue Train (alternate take 1)

7 - Blue Train (alternate take 2)

8 - Lazy Bird (alternate take)

John Coltrane (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (contrabajo), "Philly" Joe Jones (batería).

Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, 15 de Septiembre de 1957.