27 de mayo de 2016

Blue Note #19 - Hank Mobley


Hank Mobley
Soul Station

Uno de los mejores programas musicales del Blue Note y cualquier otra discográfica.
**Bob Blumenthal, notas de la reedición en CD**

Cuando Hank Mobley y los demás miembros del cuarteto se reunieron en el estudio de Rudy Van Gelder en febrero de 1960, dio comienzo la sexta sesión de Blue Note en lo que iba de la década. He aquí lo que escribió Joe Goldberg para las notas de la edición original: De un tiempo a esta parte, cada vez es menos correcto hacer pasar un disco de jazz por una “cita a ráfagas”, término que se ha convertido en semidespectivo. Este hecho resume a la perfección este fantástico disco. La interpretación es más que ajustada, y si hay algunas de esas “ráfagas” se encuentra en el contexto de unos meticulosos arreglos. Pero no vayan a creer que se trata de una grabación rígida y sin alma; rezuma alegría con gran convicción; basta escuchar “Dig Dis”.
Billboard, en su reseña del álbum, publicada en Octubre de 1960, comentó que toda esa música estaba interpretada con una “alegre veneración”.
Hank Mobley y el resto del cuarteto sólo necesitaron tres tomas para concluir la primera pieza, “Remember”, de Irvin Berlin. La interpretación de los músicos es muy fresca y viva, sobre todo la del seductor tenor de Hank. Con excepción del primero y último tema, todos están compuestos por Mobley; una de las mejores es “This I Dig Of You”, pieza en la que destaca Art Blakey: es el baterista perfecto para esta pequeña y elegante canción, que es más elegante aún gracias al pizzicato pianístico de Wynton Kelly.
La primera vez que Mobley tocó en una sesión de grabación con Blue Note fue para Horace Silver a finales de 1954. Su primera sesión como líder tuvo lugar antes de que transcurrietan seis meses de esta.  En ella grabó su debut, Hank Mobley Quartet, álbum al que le seguirían otros ocho antes que este, que es su obra maestra. Para algunos, Mobley grabó demasiados discos con Blue Note que, según señaló un crítico, tenían “duraciones irracionales”. Aunque puede que de haber tenido un poco menos se hubiera conseguido más, si esto hubiera llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una imposturara llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una impostura.

1 - Remember
2 - This I Dig of You
3 - Dig Dis
4 - Split Feelin's
5 - Soul Station
6 - If I Should Lose You

Hank Mobley (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Art Blakey (batería)

Rudy Van Gelder Studio,  Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 7 de Febrero de 1960

21 de mayo de 2016

Blue Note #18 - Horace Silver


Horace Silver
Blowin’ The Blues Away

El auténtico funky jazz de tipo progresivo se encuentra en el nuevo LP de Horace Silver, que compuso los siete temas que lo conforman. Como suele ser habitual, Silver abunda en su interpretación pianística de estilo llano, mientras que Blue Mitchell Y Junior Cook se van moviendo con swing detrás de él. Algunas de las piezas son realmente demoledoras. Las mejores son “Blowin’ The Blues Away”, la de estilo predicador “Sister Sadie” y “Break City”.
**Billboard, 23 de Noviembre de 1959**

La primera vez que se escuchó el piano de Horace Silver en un disco de Blue Note era el año 1952, cuando lo tocaban en una sesión de Lou Donaldson, a lo que siguió una grabación con un grupo que él mismo acabaría por liderar ese mismo año. Entre aquellos años y la fecha de grabación, agosto de 1959, Silver participó en varios discos de Blue Note (actividad que siguió realizando durante muchos años después). Y no es ninguna sorpresa: la forma de tocar de Horace Silver es sencillamente brillante, y sobre todo en este disco.
Billboard publicó lo siguiente en su reseña del lanzamiento del single que da título al disco: El combo de Horace Silver toca un alegre y brillante riff en esta pieza. Silver toca el piano y Blue Mitchell ejecuta buenos  solos a la trompeta. Se trata de un buen material para los tocadiscos. Aunque hoy en día resulta difícil concebir un disco de jazz que suene en una jukebox, no ocurría lo mismo en aquellos días felices. Silver pasa por el swing con tranquilidad, y si se busca un disco que demuestre que el piano puede ser funky, aquí lo encontrará.
Señalado por muchos como el mejor disco de Silver para Blue Note, un crítico resumió del siguiente modo su atractivo: Ejemplifica todas sus virtudes como pianista, compositor y líder. El pianista compuso las siete piezas del disco, y todas, no sólo la que le da título, son estupendas. “Peace” y “Melancholy Mood” son temas más lentos. El primero cuenta con una adorable y delicada interpretación de Mitchell.
Si el que escribe esto tuviera que escoger sólo una pieza, sería la muy versionada “Sister Sadie”: funky a la enésima potencia. Este tema es la fuente del soul jazz y todos, desde Herbie Hancock a Gregory Porter, rinden pleitesía a Horace por ella.

1 - Blowin' the Blues Away
2 - The St. Vitus Dance
3 - Break City
4 - Peace
5 - Sister Sadie
6 - The Baghdad Blues
7 - Melancholy Mood 
8 - How Did It Happen

Horace Silver (piano), Blue Mitchell (trompeta), Junior Cook (saxo tenor), Gene Taylor (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 29 y 30 de Agosto y 13 de Setiembre de 1959.

16 de mayo de 2016

Blue Note #17 - Art Blakey


Art Blakey And The Jazz Messengers
Moanin'

Dije: “La tenemos”. La tocamos y quedaron boquiabiertos. Les encantó. La pieza se llamaba “Moanin’”
**Benny Golson a propósito de la primera interpretación en público de “Moanin’”**

“Esta es la toma cuatro”, dice Rudy Van Gelder antes de que el grupo arranque con la composición del pianista Bobby Timmons, que es una de las más reconocibles del mundo del jazz. La primera pieza, “Moanin’”, es sencillamente perfecta, una de las melodías más características del hard bop. El tema hizo que este disco de Blakey y The Jazz Messengers fuera conocido como “Moanin’” por casi todo el mundo, y el título acabó por calar. También apareció en Febrero de 1959 a modo de single que se segmentaba en las dos caras de un vinilo de 45 rpm. En Billboard se publicó lo siguiente: “Se trata de una gran propuesta por parte de Blakey y los Messengers. Es una inteligente melodía que cuenta con los buenos solos que se entremezclan con la apremiante percusión de Blakey. Los pinchadiscos de pop también podrán disfrutar de estas caras”.
Puede que “Moanin’” nunca hubiera existido de no haber sido por la insistencia de Golson, que un Timmons de veintinueve años de edad completó con el adorno de ocho compases que solía tocar entre piezas en los conciertos del grupo. Por sí mismo, el tema –del que se dice que logró reintroducir el funk en el jazz y que resulta irresistible- ya habría hecho que el disco fuera memorable y, con todo, es increíble de principio a fin. Golson asume la composición de las demás piezas, excepto de la última, que es un estándar de Johnny Mercer y Harold Arlen.
Tras haber comenzado a grabar con el grupo de Blakey hacía sólo dos años, Lee Morgan tenía tan sólo dos décadas de vida cuando participó en este disco, hecho que resulta difícil de asimilar cuando se oye la sofisticación de su interpretación y se percibe la empatía que establece con Golson, quien tiene casi diez años más que él. “Hoy vengo muy ruidoso”, advirtió Morgan a Van Gelder justo antes de la grabación de la toma 4 de “Moanin’”, y aunque es cierto, no hay nada que pueda restar valor a la emotividad de su forma de tocar la trompeta. Había nacido una estrella.
La cara 2 se inicia con la suite de Blakey, una “obra maestra sinfónica esquizofrénica” en la que tienen cabida movimientos que van del bebop a la bossa nova. Y cuando el disco acaba con “Come Rain Or Come Shine” –pieza en la que Timmons demuestra que no se queda atrás con las teclas-, uno está ya por completo metido en el sonido de The Messengers. Como lo estaba casi todo el mundo en 1959: este disco sirvió para hacer de los Messengers uno de los grupos de jazz más importantes.

1 - Warm-up And Dialogue Between Lee And Rudy
2 - Moanin'
3 - Are You Real
4 - Along Came Betty
5 - The Drum Thunder Suite
* First Theme: Drum Thunder
* Second Theme: Cry A Blue Tear 
* Third Theme: Harlem's Disciples
6 - Blues March
7 - Come Rain Or Come Shine
8 - Moanin' (alternate take)

Art Blakey (batería), Benny Golson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 30 de Octubre de 1958.

11 de mayo de 2016

Blue Note #16 - The Three Sounds


Buena y sonora versión de un excelente estándar con Gene Harris al piano. Es jazz mainstream que bebe de las fuentes tanto del pop como del jazz.
**Reseña de Billboard sobre la publicación del 45rpm “Willow Weep For Me”, noviembre de 1958**

Después de formar un trío en South Bend, Indiana, The Three Sounds trabajaron con regularidad en la zona de Washington D.C. antes de marcharse a Nueva York en 1957, donde acabaron por conseguir un contrato fijo para tocar en el Prelude, un pequeño club que se encontraba entre Broadway y la Calle 129. Alfred Lion se quedó prendado de ellos y, según lo explica un comentarista, les ofreció un contrato para que fueran “su trío pianístico, al igual que Oscar Peterson lo era para Norman Granz y Verve Records”. A pesar de que sólo hacía dos semanas que el pianista Harris había cumplido veinticinco años cuando el trío comenzó a grabar este material, con el que debutaron para Blue Note, se trata de una grabación de una sorprendente madurez.
Aunque algunos desprecien el sencillo y relajado “soft bop” del grupo, parecen que no comprenden la propuesta. Basta con escuchar “Tenderly”, una pieza muy familiar y con numerosas versiones (incluida la de Oscar Peterson), para saber que es poco más lo que se puede decir; con todo, hay que señalar que la hábil ejecución de Harris, y sobre todo la batería de Bill Dowdy, dan lugar a un sonido cautivador y absorbente. Y lo mismo puede decirse de “Willow Weep For Me”. Lo que mejor hace este grupo es tocar una música que alcanza la cima del buen gusto (en un sentido nada acomodadizo del término), y producir discos con muchísimo estilo.
Se ha dicho de The Three Sounds que llegaron completamente formados y nunca se alejaron de su propio territorio, lo cual es cierto. Sin embargo, este disco, que cuenta con tres composiciones de Gene Harris, también es muy absorbente. La introducción de la celesta, instrumento cuyo primer uso en un disco de jazz posiblemente data de 1941 de manos de Meade Lux Lewis en una sesión de Blue Note para Edmond Hall, es todo un acierto. Y, como muestra de cuán distinto era este trío de jazz con piano del de Peterson o cualquier otro, basta con escuchar el dilatado solo de Dowdy a la batería en “Would’n You”, de Dizzy Gillespie. Contra todo pronóstico, incluso su versión del clásico italiano “O Sole Mio” desprende un swing categórico.

Nota: Si bien el debut de The Three Sounds consistió en el disco así reseñado en el libro que nos ocupa y compuesto por ocho temas, la grabación insumió dos sesiones y se registraron en ellas seis temas más que recién vieron la luz en formato vinilo en 1983, en Japón, con una carátula exactamente igual pero de distinto color y con el novedoso subtítulo "Volumen 2" .
Finalmente, todos los registros se reunieron en 1987, para conformar la versión en disco compacto que se presenta aquí.


The Three Sounds
The 3 Sounds

1 - Tenderly
2 - Willow Weep For Me
3 - Both Sides
4 - Blue Bells
5 - It's Nice
6 - Goin' Home
7 - Would'n You
8 - O Sole Mio
9 - Bobby
10 - Mo-Ge
11 - It Might As Well Be Spring
12 - Soft Touch
13 - Don't Get Around Much Anymore
14 - Goin' Home (alternate take)

Gene Harris (piano y celesta), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, 16 y 18 de Setiembre de 1958.

8 de mayo de 2016

Blue Note #15 - Cannonball Adderley


Cannonball Adderley
Somethin' Else

Para aquellos que no estén familiarizados con la terminología más novedosa, el título de la composición de Miles Davis, que también da nombre al disco, es una frase de alabanza. Y si se me permite dar mi opinión personal, me gustaría hacer hincapié en que Cannonball, Miles y toda la sección rítmica y, de hecho, todo el disco, se pueden describir de manera enfática como “algo más”.
**Leonard Feather, notas del álbum original**

Habían transcurrido casi cuatro años desde que Miles Davis grabara para Blue Note, y volvía de nuevo a estudio para realizar otro álbum para la discográfica, aunque esta vez no como líder. El liderazgo del grupo recaía en un Julian “Cannonball” Adderley de veintinueve años. Y qué grupo. Adderley formaba parte del Davis’s Sextet cuando se llevó a cabo esta grabación y, una año después, el saxofonista participó en el álbum seminal Kind Of Blue. La sensación que deja este álbum es la de algo parecido a un ensayo general de lo que habría de llegar después: todo aquel que ame el jazz debe poseerlo.
La diferencia principal entre Somethin’ Else y el Kind Of Blue es que primero cuenta con tres recreaciones de estándares –al parecer seleccionados por Davis-, que acentúan la sensación de suma comodidad que desprenden todas las piezas. De las dos composiciones originales, Miles es autor de la que da título al disco, mientras que “One For Dady-O” es una cocreación del pianista Hank Jones y del hermano del saxofonista, Nat Adderley.
Durante gran parte del disco, Adderley y Davis parecen estar inmersos en su propia conversación privada, que tenemos el privilegio de escuchar a escondidas. El tema estrella para la mayoría de las personas es “Autumn Leaves”, del que, igual que de “Love For Sale”, pueden decirse que es muy gratificante y que no se limita a ser un mero refrito. Se ha dicho que no hay ni un solo “momento de rutina” en el disco, y que estas dos piezas dan muestra de ello.
Para comprender por qué es Adderley el maestro que es, basta con escuchar “Dancing In The Dark”. Si a este tema se le añadiesen cuerdas, parecería que estamos escuchando a Charlie Parker.

1. Autumn Leaves
2. Love For Sale
3. Somethin' Else
4. One For Daddy-O
5. Dancing In The Dark (4:08)
6. Bangoon
7. Autumn Leaves (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Miles Davis (trompeta), Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Blakey (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 9 de Mayo de 1958.

30 de abril de 2016

Blue Note #14 - Sonny Clark


La música se tocó como quise que se tocase y tuve a los músicos con los que había deseado grabar desde hacía mucho tiempo.
**Sonny Clark, 1958**

El título de este álbum, grabado en la primera sesión de 1958 para Blue Note, procede de la primera pieza, que establece como tono del disco la perfección. Todo en él emana frescura y, tanto “Cool Struttin’” como “Blue Minor” son temas destacables de un álbum que no tiene desperdicio. La última pieza, en la que Clark toca al estilo Monk, había formado parte del repertorio del pianista durante un tiempo antes de que grabase; esperaba hallar a los músicos adecuados con los que trabajar
Clark conoció a Farmer en Pasadena, Los Angeles, donde ambos vivían, y de inmediato le gustó la forma de tocar del trompetista; obsérvese su solo en “Sippin’ At Bells”, de Miles Davis, Donte Art Farmer demuestra con creces que tiene su propio estilo. Clark ya había realizado muchas grabaciones para Blue Note como músico de acompañamiento de Hank Mobley, Curtis Fuller, John Jenkins y Cliff Jordan, así como líder del grupo durante los anteriores doce meses.
El amor de Clark por el blues se hace patente a lo largo de todo el disco, un “clásico del hard bop”, como lo definió The New York Times, que dista mucho de ser una obra unidireccional. La credencial swing de Sonny Clark puede percibirse sobre todo en “Deep Night”, una canción coescrita con un crooner de antes de la guerra llamado Rudy Valee y en la que su interpretación pianística aparece con mucha soltura cuando Art Farmer comienza con sus aseveraciones. De un modo semejante, Jackie McLean, que contaba tan sólo veintiséis años cuando se grabó este disco, realiza una ejecución larga, suave y seductora.
Y por último, está la portada. Es muy distinta de los típicos diseños de Reid Miles, aunque, en parte, es esto lo que hizo de él un gran genio. Miles capta la esencia de la música de un modo magnífico. Se trata de un sofisticado jazz neoyorquino de la mejor calidad.

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 NOTA: quiero agregar algo más… junto con el Kind Of Blue de Miles Davis, posiblemente sea éste el segundo disco elegido para mi propia isla desierta. No sólo por su contenido musical –seguramente el epítome del hard bop de finales de 1950- sino por las seductora carátula con las bellísimas piernas de Ruth Mason, una chica que llegó a Nueva York en 1944 para estudiar canto y rápidamente se convirtió en una figura central de la escena del jazz de Harlem desde su programa radial en la emisora WOV. A la larga, ella fue otro de los grandes descubrimientos del fundador de la Blue Note, Alfred Lion. Se casó con ella pero hubo entre ellos mucho más que un simple matrimonio. 


Ya convertida en Ruth Lion se zambulló fervientemente en las operaciones del sello discográfico llegando a ser todo aquello que tanto su esposo Alfred como Francis Wolff pudieran necesitar: una de sus gerentes principales en asuntos de publicidad, relaciones artísticas y modelo de portadas. Así como en Cool Struttin' fueron sus piernas las que tradujeron el elegante "paso" del jazz neoyorquino, fue en el Moods del trío The Three Sound donde le puso el rostro al relajado y extraordinario swing.



Sonny Clark
Cool Struttin’

1 - Cool Struttin'
2 - Blue Minor
3 - Sippin' At Bells
4 - Deep Night
5 - Royal Flush
6 - Lover

Sonny Clark (piano), Jackie McLean (saxo alto), Art Farmer (trompeta), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 5 de Enero de 1958.

24 de abril de 2016

Blue Note #13 - Jimmy Smith


El nuevo disco del trío de Smith se grabó durante distintas actuaciones en el neoyorquino Small’s Paradise. El ruido del gentío aporta una atmósfera de un atractivo informal a las actuaciones. Se optó por tocar baladas y temas swing. La batería de Donald Bailey y la guitarra de Eddie McFadden proporcionan un buen apoyo rítmico. Entre otras, figuran “Laura”, “My Funny Valentine” y “Lover Man”. Buena imagen de portada del artista. Este disco debería tener una buena acogida.
**Billboard, 20 de Octubre de 1958**

En la época anterior a los discos dobles, las discográficas se limitaban a publicar el primer y segundo volumen con referencias de catálogo correlativas, sobre todo cuando las sesiones incluían temas más largos, que solían grabarse mejor en directo. Es el caso de Jimmy Smith en su segundo año de grabaciones para Blue Note, quien aportó interpretaciones más aventuradas que las de sus anteriores álbumes de estudio. Small’s era un club ubicado en un sótano en el 2294½ de la Séptima Avenida y la Calle 135 Oeste de Nueva York. Abrió sus puertas en 1925 y se clausuró en 1986.
Lleva a confusión el hecho de que el orden de las piezas de los dos discos no reproduzca el de la actuación, que se inició con “Imagination”, de Smith. Sin embargo, si que se cerró con “Indiana”. Sea cual sea el orden, aquel al que Miles Davis se refiriera como “la octava maravilla del mundo” está en plena forma en este centellante concierto de fuegos artificiales al Hammond B3.
Jimmy Smith da lo mejor de sí mismo en esta actuación, en la que sus solos tienen espacios para desenvolverse. Muchas de las piezas superan los diez minutos y, además, inyecta una gran pasión y profundidad al blues a fuego lento de “After Hours”. Sin embargo, no deja de resultar extraño que se optara por ese tema para abrir el primer LP, dado que se tocó tres cuartos después durante el concierto, lugar mucho más adecuado para ello.
Para muchos, se trata del disco esencial de Jimmy Smith que debe estar presente en cualquier colección, hecho que se comprende con toda claridad tras escucharlo. Aunque llevaba muy pocos años tocando el Hammond B3 cuando apareció en el Small’s Paradise, su maestría al instrumento es evidente. En el contexto del club, tanto McFadden como Bailey resultan los compañeros ideales para Smith, y el guitarrista ejecuta algunos interesantes pasajes a lo largo del concierto.

En la edición del doble CD que se presenta aquí no sólo el orden de los temas del concierto son respetados, sino que también se agregan registros que no aparecieron en las ediciones de los LP originales como: "Walkin'", "It's Only a Paper Moon", "I Can't Give You Anything But Love" y "The Champ".


Jimmy Smith
Groovin' At Smalls' Paradise 

CD 1
1 - Imagination
2 - Walkin'
3 - My Funny Valentine
4 - It's Only a Paper Moon
5 - I Can't Give You Anything But Love
6 - Laura

CD 2
1 - Indiana
2 - Body and Soul
3 - The Champ'
4 - Lover Man
5 - Slightly Monkish
6 - After Hours
7 - Just Friends

Jimmy Smith (organo), Eddie McFadden (guitarra), Donald Bailey (batería).

Small's Paradise, Nueva York, 15 de Noviembre de 1957.