21 de septiembre de 2014

History Of Jazz #105 - Bobby McFerrin

M - McFerrin, Bobby 
Peace
(1982)


Bobby McFerrin - Bobby McFerrin

Robert Keith "Bobby" McFerrin, Jr. nació Manhattan, Nueva York, el 11 de Marzo de 1950, en el seno de una familia muy relacionada con el mundo de la música, pues era hijo de cantantes de ópera (Robert McFerrin y Sarah McFerrin, soprano, que enseñó canto en Fullerton College). Ellos le introdujeron desde que era muy niño en el mundo de la música clásica.
A los seis años inició sus estudios de piano, que alternó con estudios de clarinete (hasta los doce), teoría musical y flauta en la Juilliard School. A su vez, entre los diez y los doce años formó parte de la coral de una iglesia, donde interpretó música clásica y gospel. Trabajó después como pianista y pianista-cantante en California y Nueva Orleans, y allí formó también su primer grupo: Bobby Mac Jazz Quartet.
En los años 1976 -1977, su vinculación con el canto fue total, aunque realizó algunos trabajos esporádicos como pianista para los Shipstad & Johnson Ice Follies, a la vez que continuaba sus estudios de canto en la Sacramento State University y en el College de Norwalk. Su progresión continuó en 1978, cuando pasó a integrar el Astral Project, en Nueva Orleans, y un año más tarde, en 1979, formó dúo con el cantante Jon Hendricks, en Nueva York, con quien luego volvió a colaborar en multitud de ocasiones y que llegó a participar en sus discos. El año 1977 fue, por tanto, el año de presentación del joven McFerrin como solista.

En 1980 comenzó el despegue profesional de McFerrin: trabajó con Pharoah Sanders, con Wayne Shorter, y participó en el Playboy Festival de Hollywood. Al año siguiente triunfó en el conocidísimo Festival de Newport (Nueva York); pero fue su colaboración con el famoso guitarrista George Benson y su All Star lo que le dio la fama definitiva. Participó en el festival The Young Lions, y en el New York-Kool Jazz de 1982. En 1983 inició su colaboración en Nueva Orleans con Tony Dagradi, además de dirigir su propio trío en la ciudad de San Francisco. Fue a raíz de esta experiencia cuando decidió actuar y grabar en solitario. Algo, por otro lado, que no ha dejado de hacer hasta la actualidad. Simultaneó sus actuaciones en solitario a partir de entonces con la enseñanza, y dirigió algunos talleres de música vocal en universidades de Estados Unidos. Toda esta experiencia le valió para ejercer luego de profesor de improvisación vocal.

Además de su experiencia en solitario, McFerrin colaboró a partir de 1984 -tanto en grabaciones como actuando en vivo- con Chico Freeman, Glover Washinton Jr., la VSOP de Herbie Hancock o Manhattan Transfer. En 1986 participó, además, en la banda sonora de Round Midnight –con el tema del mismo título-, película dirigida por el francés Bertrand Tavernier y en la que participó también Dexter Gordon. En sus discos, no obstante, las colaboraciones han sido múltiples: Victor Feldman, Jon Hendricks, Wayne Shorter, Herbie Hancock o Robin Williams.

El estilo de McFerrin, inconfundible a la vez que insólito en la historia del jazz, le ha convertido en una de las voces masculinas más relevantes del siglo XX. Su extensa tesitura (en torno a las siete octavas), así como lo plural de su timbre sonoro, lo ha proclamado voz privilegiada y sin parangón. Técnicamente se trata de una voz melodiosa y cálida, de afinación sorprendente y capaz de una tremenda variedad de tonos. Además, hay que hacer hincapié en los motivos contrapuntísticos que agrega a sus largas improvisaciones, aprendidos seguramente del contrapunto usado por J.S.Bach. Precisamente, el saber ejecutar estos sonidos extremos de manera simultánea –ritmo y melodía ensamblados de forma magistral- es lo que le ha otorgado a este cantante una versatilidad impensable, con independencia de cuál sea su estilo interpretativo. 

Nos cuenta Gioia:
Bobby McFerrin, uno de los artistas de jazz de más talento que aparecieron en la década de 1980, es difícil de catalogar. Mientras otros de su generación buscaron la recreación de estilos anteriores, McFerrin siguió proyectos sui generis, desde conciertos de solo vocal hasta imitación de metales 
para dirigir orquestas sinfónicas (escúchese, por ejemplo, su inusual imitación de la trompeta en "Peace" el exquisito tema elegido por Gioia para sugerirlo en el libro que nos ocupa). 
Su entonación, registro y técnica improvisatoria rápidamente obtuvieron críticas sumamente favorables, pero su presencia en el escenario pronto demostró ser tan fuerte como sus cuerdas vocales.
Con el tiempo, McFerrin sorprendía y a veces irritaba a los oyentes -aunque gustaba a otros- con los impredecibles zigzags que iba tomando su carrera. Logró un tremendo éxito con su "Don't Worry, Be Happy", influido por el reggae -aunque sospecho que pocos de los radioyentes que escuchaban las listas de éxitos se dieran cuenta de que era una faceta de un ambicioso proyecto en el que todas las "partituras" eran mezclas con la voz de McFerrin-. Pero Bobby dio muestras de muy poco interés en capitalizar su creciente renombre, escogiendo tomarse un tiempo sabático justo en el momento en el que habría podido llenar salas de conciertos y ser número uno en las listas de éxitos con sus siguientes temas. Su obra en general, a medida que iba evolucionando, demostró una tendencia a estar fuera de toda escuela o tradición. Por esta razón, es a menudo rechazado en discusiones sobre las diversas tendencias y estilos en el mundo del jazz.
Pero su curiosidad casi infantil por las posibilidades del sonido y su negativa a ser capturado en los clichés de otra época estaría muy bien que fueran imitados por otros músicos prometedores. 

Sin dudas que este disco, el que marcó su debut como líder, no es para nada representativo de la extraordinaria carrera que siguió a continuación. Sin embargo sirve como muestra de que todo gran camino tiene un primer paso.

Lado 1
1 - Dance With Me
2 - Feline
3 - You've Really Got A Hold On Me
4 - Moondance
5 - All Feets Can Dance

Lado 2
6 - Sightless Bird
* 7 - Peace *
8 - Jubilee
9 - Hallucinations
10 - Chicken

13 de septiembre de 2014

Sahib Shihab - A dos bandas


Muchas figuras que contribuyeron con la historia del jazz han tenido poca presencia en la conciencia colectiva. Una de ellas nació en Savannah, Georgia, en 1925, bajo el nombre de Edmond Gregory, más conocido como  Sahib Shihab, nombre que adoptó en 1947 tras convertirse al Islam.
Este talentoso multiintrumentista, que en la década de 1960 logró tener un impacto significativo en la escena, inició su carrera profesional con apenas 13 años como integrante de la banda de Luther Henderson y a mediados de 1940, luego de un período de estudio en el Boston Conservatory, fue contratado por el trompetista Roy Eldridge y ocupó el lugar del saxo alto en la banda de Fletcher Henderson.

La explosión del bebop lo abrazó rápidamente, siendo uno de los principales acólitos de Charlie Parker. Demostrando que tenía suficiente capacidad para hacer frente a las complejidades del nuevo lenguaje, contribuyó con una serie de grabaciones clásicas al lado de Theolonius Monk entre 1947 y 1951. Simultáneamente se desenvolvió con éxito en grabaciones junto a  artistas populares de entonces como Art Blakey, Miles Davis, Kenny Dorham, Benny Golson, Tadd Dameron y John Coltrane.
Una invitación de Dizzy Gillespie para integrarse a su conjunto fue de particular significado al ser el ámbito donde Sahib adoptó el saxo barítono, un instrumento que quedó fuertemente ligado a su personalidad, pese a ser un experimentado saxo tenor y flautista.

A finales de 1950, las tensiones raciales en os Estados Unidos le afectaron sobremanera. "Ya me estaba cansando de la atmósfera alrededor de Nueva York" declaró en un reportaje... "quiero estar al margen de los prejuicios... el odio racial agota mis energías". 
En 1959 le llegó una "tabla de salvación" al ser contratado por Quincy Jones para acompañarlo en una gira por Europa. Cuando los compromisos se terminaron y la banda de Jones se disolvió, Sahib decidió quedarse en el viejo mundo eligiendo Escandinavia como su nuevo hogar, alternando entre Dinamarca y Suecia al haber conseguido permisos de trabajo para los siguientes 12 años. Allí encontró un buen lugar para una supervivencia gratificante y la paz mental que necesitaba. 

En 1961 se unió a la exitosa Clarke Boland Big Band que colideraban el baterista americano (también exiliado) Kenny Clarke y el pianista belga Francy Boland a la cual aportó la rudeza de su saxo barítono y el expresivo aleteo de su flauta. Su estilo peculiar y distintivo se adaptó fácilmente a los arreglos impredecibles de la banda.
Es precisamente de ésta época lo que conforma la presente entrada.

Por un lado el doble LP Companionship, que contiene sobradas muestras de su excéntrica, fresca y seductora heterodoxia, en los que se reúnen grabaciones realizadas entre 1964 y 1970 y en las que figuran también, además de los líderes Clarke y Boland, Jimmy Woode en contrabajo, Fats Sadi en vibráfono, Joe Harris en percusión, Benny Bailey en trompeta y fliscorno, Åke Persson en trombón, Idrees Sulieman en trompeta y hasta Milt Jackson en incursiones vocales.

Por otro lado Sahib Shihab & The Danish Radio Jazz Group, una impresionante grabación que ofrece una clara prueba de la capacidad de Shihab como compositor e intérprete, interactuando con lo mejor de la escena jazzística danesa de mediados de 1960. Para el repertorio elegido, todas las canciones fueron escritas por Shihab y se caracterizan por melodías en intrigantes claves menores que permitieron a los restantes solistas brillar extraordinariamente.
En este caso junto a Shihab estuvieron Palle Mikkelborg en trompeta; Poul Hindberg en saxo alto y clarinete; Bent Jædig y Niels Husum en saxos tenores; Torolf Mølgaard en trombón; Kenny Drew y Bent Axen al piano; Fritz von Bülow en guitarra; Niels-Henning Ørsted Pedersen en contrabajo; Bent Axel en el klaxon y Alex Riel o Jimmy Hopps en baterías. 

Sahib se casó con una señora danesa y, aunque formó una familia en Europa, nunca dejó de ser un consciente afroamericano sensible a las cuestiones raciales. En 1973 regresó a los Estados Unidos por un paréntesis de tres años, trabajando como músico de sesión para artistas de rock y pop y también componer para músicos locales. Pasó sus últimos años entre Nueva York y Europa. Murió en Tennessee el 24 de Octubre de 1989. 
Su sonido cálido e individual, su ingeniosa improvisación y sus composiciones inusuales hacen que al reescucharlo, parezca haberse encontrado un tesoro escondido en los rincones polvorientos del jazz.


Sahib Shihab - Companionship (Jazz Joint Vol. 2)

LP 1 

Lado 1
1 - Om Mani Padme Hum
2 - Bohemia After Dark
3 - Companionship
4 - Stoned Ghosts
5 - Jay - Jay

Lado 2
1 - Dijdar
2 - Con Alma
3 - CT + CB
4 - The Turk's Bolero
5 - Talk Some Yak-Ee-Dak

LP 2

Lado 1
1 - Calypso Blues
2 - Balafon
3 - I'm A Fool To Want You
4 - Insensatez
5 - Invitation

Lado 2
1 - Yah-Yah Blues
2 - Serenata
3 - Just Give Me Time
4 - Born To Be Blue
5 - Sconsolato


Sahib Shihab & The Danish Radio Jazz Group

Lado 1
1 - Di-Da
2 - Dance Of The Fakowees
3 - Not Yet
4 - Tenth Lament

Lado 2
1 - Mai Ding
2 - Harvey's Tune
3 - No Time For Cries
4 - The Crosseyed Cat


9 de septiembre de 2014

Gigi Gryce - Parte de un destello


Gigi Gryce - Orchestra & Quartet

Gigi Gryce, nació como George Grice en Pensacola el 28 de Noviembre de 1925 y murió en la misma ciudad, el 14 de Marzo de 1983.
Aunque su carrera artística fue relativamente corta, gran parte de su trabajo como saxofonista, flautista, compositor y arreglador, fue harto influyente y reconocido en su época. Sin embargo, Gryce terminó abruptamente su carrera de jazz en la década de 1960. Su naturaleza como una persona muy privada determinó que se haya escrito muy poco sobre él, aunque los conocedores saben que varias de sus composiciones se han convertido en pequeños clásicos del género. Al respecto, es recomendable el trabajo realizado en 2002 por los autores Noal Cohen y Michael Fitzgerald titulado "Rat Race Blues: The Musical Life of Gigi Gryce",  un libro que incluye, además de una recomendada biografía, su detallada discografía.
El talento compositivo poseía características armónicas similares a los de los contemporáneos Benny Golson ,Tadd Dameron y Horace Silver y tanto sus arreglos como  sus composiciones -influenciadas sensiblemente por Charlie Parker y Thelonius Monk-, están fuertemente ligados a los clásicos de la era hard bop. 

Uno de sus mayores logros fue la creación del célebre Jazz Lab junto al trompetista Donald Byrd, por el que pasaron, entre otros, Hank Jones, Wendell Marshall, Art Taylor y Paul Chambers. Con él Gryce llevó a la práctica una poética basada en el rigor y la honestidad, a transmutar la experiencia musical, y todo lo que en ella hay de búsqueda, en puro sentimiento jazzístico. En convertir la modernidad en una nueva espiritualidad que, siguiendo el ejemplo de Parker, debía gestarse y desarrollarse dentro mismo de los músicos. A semejante credo no debió de ser ajena la evolución ética de Gryce. 

Perfeccionista, sobrio hasta la austeridad (jamás bebió, fumó o tomó drogas), enemigo acérrimo de la autopromoción y cualquier forma de comercialización del arte, implacable con quienes ignoran la tradición, hacia mediados de 1950 se convierte al Islam, cambia su nombre legal por el de Basheer Qusim y crea, en sociedad con Benny Golson, su propia editorial musical, Melotone, mediante la que aspira a defender los derechos de autor de los músicos negros. En este punto, su vida entra en un cono de sombra. Hay quien habla de presiones psicológicas debidas a las coerciones a que lo someten las grandes compañías discográficas, que se niegan a perder el mínimo control sobre sus artistas. Hay quien habla de conductas paranoides, de negarse a atender el teléfono, de negar toda información sobre la marcha de la editorial a su propio socio, Golson.  
Las enciclopedias hablan de "desaparición", pero el que una escuela del Bronx lleve por nombre Basheer Qusim School debe entenderse como el triunfo de alguien que pretendía hacer de la música una experiencia capaz de convertirnos en seres mejores, de llevar el jazz "al corazón de todos". "No quiero ser un mero destello en la superficie del lenguaje, sino parte de éste" declaró en una ocasión. Gigi Gryce no era un retórico, creía profundamente en lo que decía, en el poder de su arte y sus convicciones. La suya era una batalla perdida de antemano, pero acabó por ganarla.

Un repaso rápido de su carrera hasta el momento de las grabaciones de esta entrada sería el siguiente: estudió composición en Boston, dando conciertos en los grupos locales a partir de 1946... montó un concierto en Hartford con una orquesta de 23 elementos entre los que se encontraba el pianista Horace Silver...  Se fue a París en 1952... volvió a su país para trabajar con Max Roach y Tadd Dameron... en 1953 realizó una gira por Europa con Lionel Hampton y grabó cinco de sus conciertos en París que fueron editados para los sellos Vogue, Blue Note y Prestige... compuso y tocó para Oscar Pettiford y codirigió el Jazz Lab Quintet con Donald Byrd... en 1955 el sello Savoy lo registró junto a Phil Woods, Duke Jordan, Oscar Pettiford y Kenny Clarke y aparecieron algunos álbumes como el que se presenta aquí, una valorada pieza para el sello Signal, realizada en tres tomas supervisadas por el maestro Rudy Van Gelder.
Todo un lado (datados  el 22 y 30 de Octubre de 1955) fue realizado en formato de orquesta con un clima que rememora el alcanzado por Miles Davis y su noneto de 1949... Gryce lo ideó considerando que ese tipo de instrumentación no debería haberse descuidado debido a las enormes posibilidades que ofrecía.
Acompañando el saxo alto de Gigi, allí estuvieron: Art Farmer en trompeta; Eddie Bert y James van Dyke en trombones; Danny Bank y Cecil Payne en saxos barítonos; Gunther Schuller y Julius Watkins en cornos franceses; Bill Barber en tuba; Horace Silver en el piano; Art Blakey y Kenny Clarke en batería y dos incursiones vocales de Ernestine Anderson.
El lado restante son grabaciones del 15 de Octubre de 1955, en forma de un cuarteto que completaron Thelonious Monk en el piano, Percy Heath al contrabajo y Art Blakey en la batería.

Hubo un propósito definido: lograr el contraste y el ritmo propuesto por dos grupos diferentes en tamaño y el espíritu pero ambos con un gran cuidado en la flexibilidad y la libertad.
En definitiva, dos sesiones sabiamente ideadas por Don Schlitten y Harold Goldberg -productores del efímero sello Signal fundado por Jules Colomby-, exquisitamente comentadas por Ira Gitler y estrictamente controladas por Van Gelder... ¿qué más se puede pedir?

Lado 1
1 - Speculation
2 - In A Meditation Mood
3 - Social Call
4 - Smoke Signal
5 - (You'll Always Be) The One I Love
6 - Kerry Dance

Lado 2
1 - Shuffle Boil
2 - Brake's Sake
3 - Gallop's Gallop
4 - Nica's Tempo

7 de septiembre de 2014

Max Roach - Para la libertad...

Max Roach - We Iinsist!
Freedom Now Suite

Max Roach ha sido uno de los bateristas más importantes e influyentes de la historia del jazz, no sólo por haber tocado con los mejores músicos de todos los estilos, sino por su aportación tanto musical como extramusical al mundo del jazz, y en concreto en la lucha por los derechos civiles de la población afro-americana en Estados Unidos. A lo largo de la historia del jazz, algunos trabajos se han desarrollado en paralelo a las condiciones sociales y culturales preexistentes en ese momento, uno de estos trabajos es el presente disco que comentamos.

A finales de 1950 y principios de 1960, Max Roach se alineó de una forma clara y contundente por la lucha de los derechos civiles y consecuencia de este posicionamiento, fue la publicación de dos trabajos en la carrera del baterista norte-americano, Deeds Not Words en 1958, y We Insist!· Freedom Now Suite de 1960. De estos trabajos, el último de ellos y que ahora glosamos, fue el que mayor influencia y proyección conllevó en el momento de su publicación.

Es difícil poder percibir en la actualidad lo que en su momento tuvo que acontecer con la aparición de este disco y que constituyó una autentica revolución en el mundo de jazz. En el trabajo We Insist!-Freedom Now Suite, todo es importante, desde la cubierta del disco donde un grupo de jóvenes negros se encuentran sentados de semi de espaldas en un bar reservado para blancos; los títulos de las letras ("Driva' Man", "Freedom Day", "Triptych: Prayer, Protest, Peace", "All Africa" y "Tears For Johannesburg"); la música y las canciones interpretadas, hasta la participación de algunos de los músicos más importantes de todos los tiempos, como Broker Litlte, Coleman Hawkins, Olatunji y Abbey Lincoln (por entonces esposa de Max Roach). Todo es importante, lo que lleva a poder afirmar que más que delante de una grabación de música nos encontramos frente a un documento histórico, al tratarse de una de las primeras grabaciones en el jazz que sirvió para dar carta de naturaleza al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.

Por lo que respecta a la música destacar que la presencia de la voz de Abbey Lincoln es un elemento vital en el desarrollo de toda la grabación, circunstancia esta que sirvió de vehículo de expresión para dar a conocer el estado del pueblo afroamericano. Los gritos manifestados en el tema "Triptych: Prayer, Protest, Peace" (a dúo con Max Roach), son gritos de protesta, son gritos de liberación, son gritos que expresaban una tensión y un poder de tal magnitud hasta la fecha desconocidos. Todo ello se apoyaba en una batería igualmente reivindicativa, con claras influencias de ritmos y percusiones africanos, lo que confiere a este instrumento y a la música desarrollada una concepción mucho más amplia que la simple categorización de jazz (lo que en su momento el Art Ensemble de Chicago planteó como la Gran Música Negra -Great Black Music-, por que como afirmaban, es grande, es música y es negra).

Max Roach para la grabación incluyó tanto a músicos latinos como afroamericanos, componiendo a su vez música con claras referencias al régimen opresor de apartheid de África del Sur (ello se puede apreciar en el tema "Tears For Johannesburg"). Esta manifestación contra el apartheid se relacionó de una forma directa con el resto de temas y con la segregación que en aquellos momentos se estaba produciendo en los Estados Unidos.
El resto del trabajo mantiene un ritmo musical, interpretativo y expresivo que permiten calificarlo de espectacular y poderoso, gracias a la participación de músicos de la calidad de Broker Litlte, Coleman Hawkins y Olatunji (lástima que su participación sea escasa en determinados pasajes de la grabación), constituyendo la grabación una pieza de música esencial en cualquier buena discoteca de jazz que se precie.

Un auténtico cinco estrellas imprescindible.

1 - Driva' Man
2 - Freedom Day
3 - Triptych: Prayer, Protest, Peace
4 - All Africa
5 - Tears For Johannesburg



6 de septiembre de 2014

History Of Jazz #104 - Eric Dolphy (II)

D - Dolphy, Eric
Out To Lunch
(25 de febrero, 1964)


Eric Dolphy - Out To Lunch!

En muy pocas ocasiones se ha visto en el jazz una carrera musical tan breve y al mismo tiempo tan fructífera y tan revolucionaria como en el caso de Eric Dolphy. Multiinstrumentista, virtuoso del clarinete bajo, un instrumento en desuso en su época y que actualmente está recuperado para el jazz; flautista de excepcional calidad, Dolphy, en apenas seis años se situó a la vanguardia  de la renovación del jazz de los años sesenta y es una pieza clave e indiscutible del jazz moderno. 

Inició su carrera musical en la orquesta de Roy Porter, en Los Ángeles, donde estuvo un par de años entre 1948 y 1950. Una vez hecho el servicio militar, participó en el quinteto de Chico Hamilton en 1958. Ya el año siguiente conoció a su amigo inseparable, el genial bajista Charles Mingus, y formando parte de su cuarteto colaboró en algunos de los momentos más brillantes de la producción jazzística del genial compositor. Dolphy fue también contemporáneo del gran Ornette Coleman, compartiendo con él, el doble cuarteto de Free Jazz, un álbum que más que un disco cualquiera, es un manifiesto de las nuevas tendencias musicales de la época. Su paso por el grupo de John Coltrane en 1961, produjo igualmente un disco excepcional titulado: "África Brass".

Eric Dolphy, tuvo en el breve tiempo que estuvo en activo diversas formaciones que labraron un camino propio en la música improvisada y en el jazz moderno. Junto a él tocaron prácticamente todos los grandes de la época, desde el pianista, Herbie Hancock, al trompetista Booker Little, desde el vibrafonista Bobby Hutcherson, al trompetista, Freddie Hubbard. En pleno éxito y en el momento de mayor madurez de su carrera, murió en Berlín la noche del 29 de junio de 1964, dos días después de llegar a Alemania y como consecuencia de un ataque de diabetes, algo a lo que Mingus se negó a reconocer nunca. Para él, la muerte de su amigo Eric, estaba provocada por la CIA dado los antecedentes políticos de Dolphy.     

 "....Dolphy era uno de los músicos más grandes que he conocido" dijo John Coltrane cuando conoció la muerte de Eric Dolphy, deja las cosas en sus sitio y confirma lo que en los círculos jazzisticos era una constatación: Eric Dolphy fue uno de los grandes instrumentistas del jazz, un maestro en la composición, un librepensador de la música y un artista absolutamente impredecible. Con Coltrane, Dolphy fue compañero de aventuras artísticas y prestó sus voces instrumentales a momentos inolvidables en la búsqueda de la creatividad. Tal era la relación de Dolphy con Coltrane, que su madre, cuando Eric murió, le regaló su flauta, ese instrumento que tocaba como nadie lo había hecho en el jazz hasta entonces, ni tampoco después de su muerte.

Fue precisamente cuando se compró su primera flauta en 1950 cuando Dolphy, amplió su panorama estilístico, reducido hasta entonces al clarinete y al saxo alto tras la senda de la influencia dejada por Charlie Parker. Su debut como líder fue diez años más tarde, en 1960, cuando grabó un original disco titulado Outward Bound en quinteto con Freddie Hubbard y Jaki Byard. Ese mismo año participó en la impresionante experiencia de improvisación que bajo la dirección de Ornette Coleman, se llamó "freejazz". En ese marco, su actividad artística fue intensa y prolífica en cuanto a grabaciones se refiere, destacando la colaboración con George Russell en la grabación de un disco magistral titulado Ezz-Thetics y más tarde compartió proyectos musicales con Max Roach.

Su paso por el quinteto de su camarada y amigo, Charles Mingus, dejó una huella imborrable en el jazz en forma de material grabado, y este disco que recomendamos para el mes de Noviembre, es su última grabación en estudio y constituye probablemente su trabajo más representativo. Cuando Eric Dolphy grabó Out to Lunch! tenía tan sólo 35 años y aunque ya estaba enfermo, la vitalidad, la fuerza que emanaba de su música, no evidenciaba que su final estaba cerca. Grabado para el sello Blue Note en una típica producción de jazz de vanguardia de la época, Dolphy acierta también en la elección de los músicos -Freddie Hubbard en trompeta, Bobby Hutcherson en vibráfono, Richard Davis en contrabajo y Anthony Williams en batería-, y alcanza su más alta cota de inspiración, y dado que estaba sobrado de técnica y talento, el resultado final fue explosivo.

Paradójicamente, Dolphy manifestaba al final de las notas originales de la contraportada su intención de vivir en Europa con la idea de buscar más espacio para su música, pero la muerte le sorprendió en Berlín el 29 de junio de 1964 cuando su arte estaba en plena madurez.

1 - Hat And Beard
2 - Something Sweet, Something Tender
3 - Gazzelloni
* 4 - Out To Lunch *
5 - Straight Up And Down


31 de agosto de 2014

History Of Jazz #103 - Woody Shaw

S - Shaw, Woody 
Rosewood
(15 de diciembre, 1977)


Aunque nacido el 24 de Diciembre de 1944, en Laurinburg, Carolina del Norte, la infancia de Woody Shaw transcurrió en Newark, Nueva Jersey, donde comenzó a tocar la corneta sin pistones a la edad de 9 años. Dos años más tarde, por pura casualidad, adopta su instrumento definitivo, tomando clases de trompeta con Jerome Ziering, un profesor a quien el propio Shaw atribuyó una gran influencia en su desarrollo temprano como músico. Shaw demostró una gran capacidad, con oído absoluto y memoria fotográfica, y como resultado de ello sus profesores lo inscribieron dos cursos por delante del que le correspondía por edad en el Arts High School, una institución por donde habían pasado nombres tan notables como los de Wayne Shorter, Sarah Vaughan o Larry Young.

Las primeras influencias de Shaw fueron Louis Armstrong, Fats Navarro, Miles Davis, Kenny Dorhman, Freddie Hubbard, Lee Morgan y, especialmente, Dizzy Gillispie, con quien el padre de Shaw -un cantante de gospel- había acudido a la High School. En 1963 da comienzo su carrera profesional grabando con Willie Bobo y Eric Dolphy, quien, al año siguiente, invita a Shaw a acompañarle a París. A pesar de la repentina muerte de Dolphy, justo antes del proyectado viaje, Shaw decide ir de todas formas a la capital francesa, donde se establece con su amigo Nathan Davis al lado de figuras como Bud Powell, Kenny Clarke o Art Taylor. En tal compañía, el trompetista frecuenta Londres y Berlín, pero en 1964 decide regresar a Estados Unidos, para unirse al quinteto del pianista Horace Silver, con quien permanece durante el bienio 1965-1966. Durante el resto de la década trabaja con Chick Corea (1966), Jackie McLean (1967), Booker Ervin (1968), McCoy Tyner (1968), Max Roach (1968) y Andrew Hill (1969).

La década de 1970 se inicia con colaboraciones con Pharoah Sanders, Hank Mobley, Gary Bartz, Archie Sheep y Joe Henderson, quien lo contrata para su quinteto en 1970. Desde 1971 hasta 1973 forma parte de los famosos Jazz Messengers de Art Blakey, y tras ese período se establece en San Francisco para co-liderar un proyecto junto a Bobby Hutcherson. En 1975 vuelve a Nueva York junto al baterista Louis Hayes, con quien forma un quinteto a nombre de ambos. En 1977 Shaw, influenciado por la música modal de Coltrane y el hard bop de corte más clásico, lidera varios grupos bajo su nombre. En 1978 firma con Columbia Records para editar una serie de álbumes hoy ya clásicos. 

De esta época nos cuenta Gioia:
El trompetista no recibió un reconocimiento amplio en los círculos del jazz hasta finales de 1960, en las que hizo una serie de grabaciones célebres para el sello CBS en las cuales sus líneas melódicas vigorosas mezclaban a menudo fragmentos recortados y frases modales de "parada y marcha", condimentadas con una fuerte dosis de cuartas, por encima de las estructuras de acordes convencionales. Este era cada vez más el sonido de moda en la época -si los intervalos fueran modas, la cuarta justa sería el equivalente jazzístico de la moda sport  de finales de 1960-, sin embargo ningún trompetista empleaba esta técnica con más brío y pura energía que Shaw. Y ningún trompetista de jazz de esos días parecía tener un futuro más brillante.

Desde entonces y hasta 1983, Shaw mantiene un quinteto relativamente estable, que incluía, entre otros, al trombonista Steve Turre y al pianista Mulgrew Miller, pero a partir de esa fecha se suceden numerosas formaciones en las distintas agrupaciones bajo su nombre.
A principios de 1980 la prominencia de Shaw quedó bruscamente eclipsada por la llegada de Wynton Marsalis, quien no sólo fue prontamente etiquetado como el "young lion" de la trompeta, sino que también sucedió a Shaw como principal objetivo en las tareas de promoción de la casa CBS.
Otros acontecimientos contribuyeron también a hacer descarrilar la carrera de Shaw: el diagnóstico de una enfermedad incurable en los ojos que le estaba haciendo perder progresivamente la visión, una relación sentimental rota, una depresión y el consumo de estupefacientes. En el otoño de 1988, Shaw perdió un brazo en una misteriosa caída delante de un tren del metro de Nueva York, un accidente que le llevó a la muerte meses más tarde.


Woody Shaw
Complete CBS Studio Recordings

CD 1
1 - The Legend Of Cheops
* 2 - Rosewood *
3 - Everytime I See You
4 - Sunshowers
5 - Rahsaan's Run
6 - Theme for Maxine
7 - Woody I
8 - Woody II
9 - Woody III

CD 2
1 - To Kill A Brick
2 - Organ Grinder
3 - We'll Be Together Again
4 - Time Is Right
5 - Why?
6 - Joshua C.
7 - Teotihuacan
8 - Isabel The Liberator
9 - Ginseng People
10 - OPEC

CD 3
1 - United
2 - Pressing The Issue
3 - Katrina Ballerina
4 - The Greene Street Caper
5 - What Is This Thing Called Love?
6 - Blues For Wood


Gracias al colega Dharmendra por esta contribución