19 de agosto de 2016

Blue Note #32 - Grant Green

Grant Green
Idle Moments

No suelo escuchar muchos guitarristas, sólo a cornetistas. Creo que me han influido mucho más estos últimos que los guitarristas. Solía pasarme la noche entera copiando solos de Charlie Parker nota por nota.
**Grant Green, 1961**

La primera pieza, “Idle Moments”, es uno de aquellos felices accidentes que tienen lugar en el estudio y, como tal, supone uno de los momentos más destacados de todas las grabaciones que realizó Blue Note a mediados de la década de 1960. Green tocó treinta y dos compases en lugar de dieciséis en el primer segmento del tema, y todos los demás solistas siguieron su ejemplo, por lo que la primera toma acabó por tener una duración de más de quince minutos. Alfred Lion quería que la pieza durase la mitad, por lo que volvieron a grabarla con solos de dieciséis compases. Ninguna de las posteriores tomas podía compararse a la versión larga y, cuando llegaron a la decimocuarta, volvieron al esquema de los treinta compases y se forjó una obra maestra.

Puede que este disco no marcase el nacimiento de lo cool, aunque no cabe duda de que fue su encarnación. Es, a su vez, un álbum de una enorme diversidad, lo que puede apreciarse en la emotiva sensualidad de la primera pieza, en el estilo swing de “Jean De Fleur”, firmada por Green, o la versión de “Dajango”, de John Lewis, que sirve a Green para tocar los licks que hacen que la guitarra jazzística suene tan bien. Por último, con “Nomad”, de Pearson, el disco se adentra en territorios del bop más convencionales con unas formas magistrales por parte de Henderson; con todo, incluso el solo de este se ve superado por Green, que se saca del archivo uno que estaba en la sección de “brillantes”. Aquellos a los que les encante este disco deberían escuchar Street Of Dreams, que se grabó un año después.

Así, cabe preguntarse por qué el talento de Grant Green no es tan conocido como el de muchos de sus coetáneos. Participó en su primera sesión con Blue Note en 1960 cuando tenía veinticinco años. Llegó a grabar veintinueve discos para la discográfica, de los cuales casi la tercera parte se publicó en fechas recientes a las correspondientes grabaciones, mientras que los demás vieron luz tras la muerte del músico, que tuvo lugar en 1979. El propio Lion quedó tan impresionado que le concedió a Green una sesión como líder sin la habitual insistencia en hacer que tocase primero como músico de acompañamiento.

Con el paso del tiempo, la reputación de Green ha aumentado, en parte gracias a la influencia que ha ejercido en el acid jazz: grupos tales como A Tibe Called Quest han sampleado sus temas.

1 - Idle Moments
2 - Jean De Fleur
3 - Django
4 - Nomad
5 - Jean De Fleur (alternate version)
6 - Django (alternate version)

Grant Green (guitarra), Joe Henderson (saxo tenor), Bobby Hutcherson (vibráfono), Duke Pearson (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Al Harewood (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 y 15 de Noviembre de 1963

10 de agosto de 2016

Blue Note #31 - Grachan Moncur III

Grachan Moncur III
Evolution

Esta es una colección provocativa, tanto por la promesa que encierra como por la propia música. Estos músicos se la juegan para abrir nuevos y arriesgados caminos.
**Pete Welding, Down Beat, Septiembre de 1964**

Además del debut del trombonista de veintiséis años como líder, Evolution es uno de los mejores discos de vanguardia lanzados por Blue Note. Moncur participó en una gira con Ray Charles tras abandonar la educación secundaria y antes de unirse al grupo de Art Farmer y Benny Golson para, después, unirse a Sonny Rollins. Comenzó a destacar con su participación con Jackie McLean en los discos del saxofonista One Step Beyond y Destination… Out!, ambos para Blue Note.

Grabado el dìa antes del asesinato de John Fitzgerald Kennedy, y con la colaboración de McLean, Evolution marcó la pauta del jazz atmosférico. La primera pieza, “Air Raid”, determina el tono general del álbum. Al igual que los otros tres temas, su estructura es la propia de un miniconcierto. Con el diestro fondo construido por el vibráfono, el bajo y la batería, cada uno de los vientos toca su propia parte antes de unirse para rematar la pieza. La destreza musical con la que interpretan es precisa y definida; de lo contrario, este disco podría haber degenerado hasta convertirse en esa suerte de caos vanguardista que da al jazz mala fama. El disciplinado enfoque se hace evidente en la pieza que da título al disco y que tiene ciertos tintes orientales: respaldado por la batería y el bajo, el austero vibráfono suena como el tañido de una campana de funeral. La segunda cara se abre con “The Coaster”, que presenta un tema recurrente y un alegre y animado blues que hace que los doce minutos que dura transcurran sin que nos demos cuenta.

“Monk In Wonderland” captó la “agria y epigramática sensación” de la obra de Thelonious, tal como señaló Pete Welding en Down Beat. El título (traducible por “Monk en el País de las Maravillas”) queda perfecto, aunque más perfecta es aún su ejecución. Down Beat también acertó respecto a la promesa del disco en su totalidad como colección, y no deja de ser lamentable que Moncur no tuviera otra oportunidad de volver a grabar como líder.

1 - Air Raid
2 - Evolution
3 - The Coaster
4 - Monk In Wonderland


Grachan Moncur III (trombón), Lee Morgan (trompeta), Jackie McLean (saxo alto), Bobby Hutcherson (vibráfono), Bob Cranshaw (contrabajo, Tony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Noviembre de 1963

5 de agosto de 2016

Blue Note #30 - Dexter Gordon

Dexter Gordon
Our Man In Paris

Me gusta “nuestro hombre” (Our Man) y, sobre todo, el título: ¡¡muy moderno!! Me han dicho que Willis Conover lo emitió entero en Voice Of America el pasado lunes.
**Carta de Dexter Gordon a Francis Wolff, 17 de Enero de 1964**

La primera grabación de Dexter Gordon tras llegar a Europa a finales del verano de 1962 tuvo lugar en los CBS Studios de la capital francesa. Con el fin de supervisar la grabación, Francis Wolff viajó hasta París en abril de 1963; las sesiones comenzaron en torno a las 15:45 y se dieron por concluidas a las 21:00 horas. Puede que el título sea en cierto sentido deudor de la novela de Graham Greene “Our Man In Havana” (“Nuestro Hombe En La Habana”), que cuenta con una adaptación cinematográfica.

Bud Powell se había trasladado a París en 1959, fecha en la que Kenny Clarke también vivía en dicha ciudad, y ambos se reunieron con el bajista Pierre Michelot. Los tres músicos, que se hacían llamar Les Trois Patrons (“Los Tres Jefes”), solían tocar juntos, lo que en el álbum se hace perceptible gracias a una sensación de unión real.

“A Night In Tunisia” es una de las mejores interpretaciones que jamás haya realizado Dexter, sobre todo si se tiene en cuenta que fue la primera y única toma del estándar con el que Powell estaba tan familiarizado. Concebido originalmente como un disco de composiciones nuevas, Powell insistió en tocar estándares, y su intransigencia hizo que Dexter se sintiera “en cierto sentido arrastrado”, según afirmó Wolff en una carta que escribió al día siguiente a Alfred Lion. “Tocamos estándares –dijo-; las piezas de Dexter no eran muy buenas; además, a Bud le cuesta mucho aprender temas nuevos”. En esta cartra, Wolff también admitió que las sesiones resultaban complicadas, aunque le aseguró a su socio que la forma de tocar de Dexter era magnífica hasta el último momento de cada sesión, en el que “se sentía un poco cansado”, a lo que añadió lo siguiente: “Bud estaba en buena forma y tocaba muy bien”.

En realidad se trata de un LP fabuloso en el que cada pieza ofrece distintas tonalidades del saxofón tenor de Gordon, desde la lírica y apasionada “Stairway To The Stars” a la animada “Scrapple From The Apple”. La interpretación de Bud Powell en “Willow Weep For Me” dio en el clavo al añadir la sensación de novedad a un tema que ya entonces se había grabado muchas veces. El disco, que obtuvo una calificación de cuatro estrellas en Billboard en la época en la que se publicó, se ha ganado el reconocimiento de ser una de las joyas tanto de la obra de Dexter Gordon como del canon del saxofón tenor.

1 - Scrapple From The Apple
2 - Willow Weep For Me
3 - Broadway
4 - Stairway To The Stars
5 - A Night In Tunisia
6 - Our Love Is Here To Stay
7 - Like Someone In Love

Dexter Gordon (saxo tenor), Bud Powell (piano), Pierre Michelot (contrabajo), Kenny Clarke (batería)

 CBS Studios, París, 23 de Mayo de 1963

29 de julio de 2016

Blue Note #29 - Joe Henderson

Joe Henderson
Page One

Un muy impresionante primer LP de este joven saxofonista tenor de Lima, Ohio. Aunque es evidente que este músico ha escuchado a John Coltrane, sus concepciones son más resueltas y tiene un sentido estructural y compositivo más cohesionado. Algunas de las mejores piezas son “Blue Bossa”, “Homestretch” y “Recorda-Me”
**Billboard, 26 de Octubre de 1963**

El debut de Joe Henderson como líder de grupo se grabó dos meses después de su primera sesión con Blue Note, que se celebró en Abril de 1963 para el disco Una Mas, de Kenny Dorham, y no mucho después el saxofonista tenor tuvo que abandonar la música para servir al ejército estadounidense. El trompetista, que por aquel entonces se movía en el centro de la escena del jazz neoyorquino, le devolvió el favor al tocar en el espectacular disco de Henderson, uno de los mejores que lanzó Blue Note a comienzos de la década de 1960 y, para muchos, un clásico del hard bop.

Desde los primeros compases de “Blue Bossa”, de Dorham, se pone de manifiesto que nos encontramos ante un disco especial, y la seguridad con la que Tyner lleva el piano tiene la fuerza de arrastrar. Sin embargo, son los solos de Henderson lo que más destaca: resulta difícil creer que este sea su debut, ya que toca con gran fluidez y confianza. Antes de esta fecha, Tyner había tocado en tres de los discos de Freddie Hubbard para Blue Records y, como lo señala Dorham en las notas del disco original, era “probablemente uno de los mejores jóvenes pianistas del jazz”. Aunque Tyner tenía veintitrés años cuando tocó en este disco, ya había realizado dos sesiones para Impulse!, y un día después de grabar Page One ya estaba de vuelta en el estudio de Van Gelder para comenzar a trabajar en el que sería su tercer álbum. Toda esta actividad discográfica repercutió en la omisión del nombre de McCoy Tyner en la portada, ya que al saxofonista le preocupaba que se incumpliera su contrato con una discográfica rival.

Además del tema de apertura, Dorham también compuso “La Mesha”, mientras que Henderson firmó las otras cuatro piezas, que son excelentes, aunque en especial “Recorda-Me”, la cual se ha convertido en una especie de estándar con el paso de los años. El último tema del disco, “Out Of The Night”, que también es sublime, sirve para coronar un convincente debut que legitima la pregunta acerca de si es el mejor disco que grabó Henderson para Blue Note.

1 - Blue Bossa
2 - Le Mesha
3 - Homestretch
4 - Recorda Me
5 - Jinrikisha
6 - Out Of The Night

Joe Henderson (saxo tenor), Kenny Dorham (trompeta), McCoy Tyner (piano), Butch Warren (contrabajo), Pete La Roca (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Junio de 1963

23 de julio de 2016

Blue Note #28 - Donald Byrd


Donald Byrd
A New Perspective

Debido a mis propias experiencias, siempre he querido componer un álbum entero de piezas de tipo espiritual. Lo más acertado que se puede decir respecto a lo que intentamos hacer es que es un himnario moderno
**Donald Byrd, 1963**

Este disco parte de la nada y, a decir verdad, el coro de góspel da pocas indicaciones de hacia dónde nos conduce la música. No obstante, en cuanto entra la banda, uno desea ir allí donde lo lleve.
Como elegía a los padres de Byrd, se trata de un álbum espiritual. Cuando el trompetista Clifford Brown murió en Junio de 1956, con sólo veinticinco años de edad, Byrd asistió a su funeral, tras lo cual escribió lo siguiente: “El respeto, el honor y la admiración no se reducen ni mueren con el funeral. En todo caso, aumentan. Nada se pierde en cuanto al amor y la devoción; de hecho, se intensifica, ya que apenas logra verse la totalidad”. Byrd no pudo asistir a los funerales de sus padres, y en este disco, a pesar de sus palabras, existe una fuerte sensación de pérdida y lamento en la música, hecho que funciona a todos los niveles.

El disco comienza con la pieza que abre el álbum, “Elijah”, que cuenta con unas maravillosas guitarras swing de Kenny Burrell; además, el himno que supone “The Black Disciple” –compuesta, al igual que la anterior, por Byrd- ayuda a dar forma a esa “totalidad” de la que hablaba. La otra pieza acreditada de Byrd es “Beast Of Burden”, un conmovedor tema de diez minutos en el que todos los músicos tienen su espacio para lucirse con un solo, sobre todo un Herbie Hancock de veintidós años, que poco después se uniría al cuarteto de Miles Davis.

Duke Pearson, quien se encargó de los arreglos de toda la sesión, es el responsable de otros dos temas. “Cristo Redentor” es, de hecho, muy especial: es la pieza que llevó a muchos jóvenes de la década de 1960 amantes del rock a explorar el jazz. Tras dos minutos de música, entra la trompeta de Byrd en el que es uno de los momentos más arrebatadores de jazz.

Este fue el décimo disco que grabó Donaldson Toussaint L’Ouverture Byrd con Blue Note y, de hecho, su más lograda grabación hasta el momento. A New Perspective, un trabajo más coherente que los anteriores, es sencillamente memorable y se sitúa en un nivel superior. Por aquel entonces, Byrd tenía sensación de que el jazz estaba perdiendo el contacto con la cultura negra contemporánea, y este disco fue su intento de solucionarlo. Funcionó

1 - Elijah
2 - Beast Of Burden
3 - Cristo Redentor
4 - The Black Disciple
5 - Chant

Donald Byrd (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Donald Best (vibráfono), Kenny Burrell (guitarra), Herbie Hancock (piano), Butch Warren (contrabajo), Lex Humphriex (batería), Coro dirigido por Coleridge 

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 12 de Enero de 1963

16 de julio de 2016

Blue Note #27 - Kenny Burrell

Kenny Burrell
Midnight Blue

Siempre he adorado el blues. En mis comienzos en Detroit toqué con grupos que daban mucha importancia al blues. Para esta sesión, quise reunir un grupo que sintiese esta música del mismo modo que yo.
**Kenny Burrell, notas originales, 1963**

Este es el disco perfecto para demostrar que el jazz y el blues son mucho más que “primos hermanos”. De hecho, resulta tentador pensar que B. B. King tenía este disco en mente cuando afirmó lo siguiente: “ El jazz es el hermano mayor del blues. Cuando alguien se dedica a tocar blues como nosotros es como si estuviese en secundaria. Cuando empieza a tocar jazz, es como si entrase en la universidad”. Ya desde la primera canción queda clara la popularidad de este disco cuando se publicó, la cual no ha menguado desde entonces. Rebosa la sofisticación de principios de la década de 1960, como si fuera la banda sonora de un filme de amores truncados ambientada en el Upper West Side de Manhattan. ¡Sencillamente precioso!

Se ha disco de este disco que es el más elegante que lanzó la discográfica, afirmación de la que no se puede disentir. Desde el inicio de “Chittlins Con Carne”, con el énfasis centrado en los lejanos vientos de Turrentine y en las respuestas de la guitarra de Burrell, queda claro que es la melancolía personificada. A excepción de “Mule”, compuesta por Major Holley (cuyo apodo era Mule, “la Mula”), y de “Gee Baby Ain’t I Good To You”, que es un estándar firmado por Andy Razaf y Don Redman, todas las piezas son composiciones originales de Burrell. El momento más íntimo  y personal del disco es su solo de guitarra en “Soul Lament”. Nunca se impone la dulzura con la que toca Turrentine en todo momento, sino que siempre se trata de un elemento que complementa a los demás. Esta fue la primera, y casi única, sesión de Bill English y Major Holley para Blue Note.

De una forma poco habitual, la primera aparición de Burrell como líder en Blue Note tuvo lugar en 1956, con el disco que llevaba el apropiado título de Introducing Kenny Burrell: lo inusual de este hecho es que la mayoría de los músicos solían ejercer como acompañantes antes de dirigir sus propias sesiones. Por aquel entonces sólo contaba veinticuatro años, aunque llevaba tocando desde que era adolescente, período en el que debutó con el grupo de Dizzie Gillespie. Antes de debutar con Blue Note estuvo de gira con el trío de Oscar Peterson –lo que da fe de su talento-, y entre aquella y esta sesión, grabó quince discos, de los cuales seis fueron para Blue Note.

1 - Chitlins Con Carne
2 - Mule
3 - Soul Lament
4 - Midnight Blue
5 - Wavy Gravy
6 - Gee Baby, Ain't I Good To You
7 - Saturday Night Blues
8 - Kenny's Sound
9 - K Twist

Kenny Burrell (guitarra), Stanley Turrentine (saxo tenor), Major Holley, Jr. (contrabajo), Bill English (batería), Ray Barretto (conga)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 8 de Enero de 1963.

9 de julio de 2016

Blue Note #26 - Jimmy Smith

Jimmy Smith
Back At The Chicken Shack

Después de conducir un rato, hallamos la granja de uno de los amigos de Jimmy. Era un típico día de pleno verano, con calor y muchas moscas. La granja era muy colorida; había una gran variedad de gallos y gallinas y el perro moteado de rigor. Jimmy se sentó y la cámara de Francis Wolff  hizo el resto.
**Ira Gitler, notas originales, 1963**

Lo más sorprendente de este álbum es que tardase tanto en aparecer. Cuando vio la luz, en 1963, Billboard se refirió a él como “un enérgico álbum”, pero para aquel entonces Jimmy Smith ya había firmado con Verve Records. Dos meses después el álbum alcanzaba el n.º 1 de la lista Disco de Jazz Más Vendido y se encontraba entre los 20 álbumes más vendidos sin distinción de género.
Grabado después de que dos años antes Jimmy Smith hubiera ganado su primera votación de Down Beat en la categoría de “instrumentos variados” por parte de los lectores, este disco es un excelente ejemplo de maestría al Hammond B3. Aunque Stanley Turrentine aporta un excelente “color” al sonido en su conjunto y Kenny Burrell está en plena forma, Smith es quien en realidad destaca con su demostración de todos los puntos fuertes del órgano desde el registro más sutil al agresivo. Back At The Chicken Shack lo tiene todo.
Aunque contiene material que se grabó en la misma sesión que dio lugar al anterior Midnight Special (BN 4078), este disco es el mejor de los dos. Este álbum estableció las normas del funky jazz y sirvió de inspiración para muchos. LA interpretación de “Messy Bessie” rebosa emoción, sobre todo por parte de un Turrentine de veintiséis años, que aún no había debutado como líder de grupo con Blue Note, lo que sucedería dos meses después con la grabación de Look Out!
Tras el lanzamiento a modo de single del tema que da título al disco en dos caras de un 45 rpm, este sonó mucho en la radio, lo que se convirtió en uno de los factores del éxito de ventas que fue. Se trata de un excelente y conmovedor blues cuya segunda mitad cuenta con la bendición de la fabulosa guitarra de Burrell, la cual mejora el estilo de una forma considerable.

1 - Back At The Chicken Shack
2 - When I Grow Too Old To Dream
3 - Minor Chant
4 - Messy Bessie
5 - On The Sunny Side Of The Street

Jimmy Smith (órgano), Stanley Turrentine (saxo tenor), Kenny Burrell (guitarra), Donald Bailey (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Abril de 1960