7 de diciembre de 2016

Blue Note #43 - Wayne Shorter

Wayne Shorter
Speak No Evil

Pensé en brumosos paisajes con flores silvestres y extrañas formas medio iluminadas: ese tipo de lugares en los que se gestan el folclore y las leyendas. Después, en la quema de brujas.
**Wayne Shorter a propósito de sus composiciones para Speak No Evil, 1965**

Aunque Shorter comenzó a grabar este disco a principios de noviembre, las tres piezas  que registró el grupo fueron rechazadas por distintos motivos, y cuando volvió a entrar en el estudio, en Nochebuena, Elvin Jones sustituyó a Bily Higgins en la batería. Jones había tocado en unas cuantas sesiones de Blue Note en la década de 1950, aunque en 1964 lo hizo con una mayor regularidad; el toque swing que aportó gracias a su experiencia con el grupo de Coltrane es esencial para este disco.

“Witch Hunt” abre el frenesí y la algarabía de Hubbard y Shorter, tras lo cual no tarda en abordar el tema de la pieza. La empatía entre los que fueran miembros de The Jazz Messengers es evidente, y la sensación que transmite es de una luminosidad mucho mayor que la del material que le sigue. “Fee-Fi-Fo-Fum” tiene un tono más oscuro y evoca el mundo sombrío y mítico en el que se inspiró Shorter al componer tanto esta pieza como las demás del disco.

El tema que da título al álbum es puro hard bop y se basa en la intensidad de Shorter en tono a los solos de Hubbard; al mismo tiempo, el piano de Hancock se tambalea al borde del vanguardismo. Se trata de una embriagadora mezcla que funciona muy bien y que sirve para justificar la enorme reputación que se ha ganado el disco con el paso del tiempo. A pesar de su originalidad, no llamó mucho la atención en el momento en que se lanzó: Shorter no gozó en su tiempo de la consideración que tendría en el futuro.

En una perfecta yuxtaposición con el tema que da título al disco, “Infant Eyes” es una composición que elaboró el saxofonista para su hija pequeña; la madre de esta y esposa Shorter es la mujer que figura en la imagen de la portada. A esta hermosa y tierna balada le sigue la fantástica “Wild Flower”, que constituye un lento pero intenso broche para el disco. Este parece contar con una estructura muy precisa y secciones definidas con claridad, y es evidente la elaboración de conjunto que Shorter llevó a cabo. Quizá esto explicara el abandono de la anterior sesión: puede que sencillamente no se lograsen satisfacer los estándares que Shorter quería para sí mismo y para su grupo.

1 - Witch Hunt
2 - Fee-Fi-Fo-Fum
3 - Dance Cadaverous
4 - Speak No Evil
5 - Infant Eyes
6 - Wild Flower
7 - Dance Cadaverous (alternate take)
8 - Witch Hunt (alternate take)
9 - Fee-Fi-Fo-Fum (alternate take)

Wayne Shorter (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studios, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Diciembre de 1964

1 de diciembre de 2016

Blue Note #42 - Duke Pearson

Duke Pearson
Wahoo!

Se trata de un pianista lírico con un estilo atractivo que podría encajar tanto en el pop como en el jazz.
**Billboard, Marzo de 1960; reseña de Profile**

Duke Pearson se trasladó de Atlanta a Nueva York en 1959. Poco después de entablar amistad con Donald Byrd, debutó con Blue Note en el álbum del trompetista denominado Fuego. Menos de tres semanas después, el 25 de octubre, grabó Profile, su primer disco como líder; después, transcurrieron un par de meses hasta la sesión que sirvió de base para el que sería su siguiente disco, Tender Feelin’s. En los años siguientes grabó para la discográfica Jazztime antes de volver a Blue Note en 1964 con Wahoo!

Y menudo disco. Con cinco temas de Pearson y “Fly Little Bird Fly”, de Byrd, rezuma sofisticación hard bop por los cuatro costados. El disco se abre paso desde los primeros compases de “Amanda”, pieza que Pearson admitió haber compuesto para “una joven apasionada y ardiente”. Aunque la música es muy ceñida, respaldada en todo momento por el excelente piano de Pearson, aún existe el suficiente espacio como para que los vientos dejen ver el contenido de sus corazones con los solos.

Los sutiles, cambiantes y bien medidos arreglos de todos los temas resultan particularmente convincentes y hacen que este álbum sea tan especial. Y eso donde mejor se percibe es en la seductora pieza que da título al disco, donde la alineación estelar de vientos da lugar a un dulce y puro sonido, sobre todo por parte del trompetista Byrd, con quien Pearson había tocado como acompañante la primera vez que grabó para Blue Note.

Aunque Pearson no es un solista estrella como puede serlo Horace Silver, su punto fuerte radica en la capacidad de aunar músicos y material de distinta naturaleza para dar lugar a una música cohesionada y de un atractivo inagotable. Hay melodías intensas repartidas por todo el disco, y aun cuando Pearson no sea un artista de primera, toca de una forma soberbia en la breve y dulcísima “Farewell Machelle”. Con sólo un piano, un bajo y una batería, esta grabación es tan romántica como cualquiera de las que conforman el catálogo que publicó Blue Note en las décadas de 1950 y 1960.

1 - Amanda
2 - Bedouin
3 - Farewell Machelle
4 - Wahoo
5 - ESP (Extrasensory Perception)
6 - Fly Little Bird Fly

Duke Pearson (piano), Donald Byrd (trompeta), James Spaulding  (saxo alto y flauta), Joe Henderson (saxo tenor), Bob Cranshaw (contrabajo), Mickey Roker (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Noviembre de 1964

27 de noviembre de 2016

Blue Note #41 - Horace Silver

Horace Silver
Song For My Father

Papá tocaba el violín, la guitarra y la mandolina sólo de oído. Le encantaba la música tradicional de Cabo Verde… De vez en cuando organizaban fiestas de baile en la cocina los sábados por la noche. Ponían la mesa de la cocina en un rincón para que se pudiera bailar mejor, y papá y sus amigos se encargaban de la música con las antiguas canciones caboverdianas que tocaban y cantaban.
**Horace Silver**

Ya con la pieza funky que da título al disco uno puede hacerse una idea de cuánto se divertía todo el mundo en aquellas fiestas nocturnas que se celebraban en la casa de Silver en Connecticut. A miles de kilómetros del pequeño archipiélago portugués situado frente a la costa oriental de África, se reunían para rendir homenaje a la música de su tierra natal. Con todo, este tema no es sólo jazz fusionado con ritmos portugueses: Silver había visitado Brasil a comienzos de 1964, hecho que se hace patente en los ritmos bossa nova, que también se pueden encontrar en “Qué Pasa?”, la cual parece emular a la primera pieza.

He aquí lo que dijo Silver muchos años después: “Siempre me he propuesto hacer música que resistiese el paso del tiempo. En los rincones más íntimos de mi mente siempre me pregunto si aguantará veinte o treinta años. He intentado componer música que resultase sencilla de escuchar y de tocar. Y es una ardua tarea. Es fácil componer algo sencillo pero tonto, así como algo que tenga profundidad pero que sea demasiado complejo. Aunar sencillez y profundidad para mí es lo más difícil”.

Silver alcanzó su propósito con éste disco, desde el hard bop the “The Natives Are Restless Tonight” a la alegre melodía de Joe Henderson titulada “The Kicker”. En la única pieza que no compuso Silver hay un furibundo solo de batería de Roger Humphries, quien sólo tenía veinte años cuando se grabó. El título del último tema, “Lonely Woman” (“Mujer Solitaria”), resulta perfecto: Silver materializa con delicadeza esta idea con una hermosa melodía mientras refrena las notas para maximizar el efecto.

1 - Song For My Father
2 - The Natives Are Restless Tonight
3 - Calcutta Cutie
4 - Que Pasa?
5 - The Kicker
6 - Lonely Woman
7 - Sanctimonious Sam
8 - Que Pasa? (trio version)
9 - Sighin' And Cryin'
10 - Silver Treads Among My Soul

Horace Silver (piano); Carmel Jones, Blue Mitchell (trompetas); Joe Henderson, Junior Cook (saxos tenores); Teddy Smith, Gene Taylor (contrabajos); Roger Humphries, Roy Brooks (baterías)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 31 de Octubre de 1963, 28 de Enero de 1964 y 26 de Octubre de 1964

23 de noviembre de 2016

Blue Note #40 - Wayne Shorter

Wayne Shorter
Juju

En este disco busqué en mi interior con la idea de hallar formas de entretenerme. A la vez, intenté ahondar en el modo de expresar mi personalidad mediante la música.
**Wayne Shorter, 1964**

Wayne Shorter debutó con Blue Note en la grabación de Africaine, un disco de 1959, de Blue Note, de Art Blakey y The Jazz Messengers que se lanzó en 1960. A este le siguió toda una serie de discos del mismo grupo, así como colaboraciones con otros artistas, hasta que en abril de 1964 consiguió liderar su propia sesión, de la que saldría el disco Night Dreamer. Cuatro meses después, Shorter volvía a entrar en el estudio de Rudy Van Gelder para grabar una sesión en la que lideraría a los mismos músicos, excepto a Lee Morgan.

Mientras que Night Dreamer, con su estilo a lo Coltrane, prometía mucho, Juju ofreció a Shorter la posibilidad de lograr una mayor realización personal; hasta aquel momento, había trabajado, si bien de una forma sublime, a la sombra de otros. En las seis piezas, compuestas por Shorter, el músico va más allá de los límites establecidos; además, cuenta con el mejor swing de McCoy Tyner, sobre todo en “Deluge”, con lo que el disco es una absoluta delicia. Para Shorter, las líneas melódicas del bajo de Reggie Workman eran fundamentales para dar forma a lo que pretendía lograr en este disco, cosa que dejó clara con estas palabras: “Sin sus estructuras melódicas, mis piezas habrían parecido oscuras”.

Aunque en suma es un disco con un sonido mucho más ligero que el de Night Dreamer, no se puede decir de ningún modo que sea liviano. La introspección de Shorter da lugar a una música emotiva y reflexiva, sobre todo en la hermosa “House Of Jade”. La compleja “Mahjong” contiene algunas de las mejores interpretaciones de Shorter en el álbum, mientras que “Yes Or No” representa un debate interior: a la alegre sección que boga por el “yes” le sigue una más escéptica que encarna en “no” antes de volver al tono positivo del tema de apertura. En aquella época, Shorter atribuyó el tono más alegre y ligero del álbum al hecho de haber tocado con Miles Davis: “Desde que estuve con Miles, creo que mi forma de tocar se ha ido dirigiendo sin cesar hacia la expresión del lado más alegre de la vida”. Este disco trata, en definitiva, de la búsqueda musical de Shorter, de la que tenemos la suerte de poder participar.

1 - Juju
2 - Deluge
3 - House Of Jade
4 - Mahjong
5 - Yes Or No
6 - Twelve More Bars To Go
7 - Juju (alternate take)
8 - House Of Jade (alternate take)

Wayne Shorter (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Reggie Workman (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Agosto de 1964

12 de noviembre de 2016

Blue Note #39 - Anthony Williams

Anthony Williams
Life Time

Desde el viento al grito, todo aquello a lo que el universo ha dado vida tiene derecho a la misma y a insuflarle a esa vida todos los valores que pueda. Que estos cuenten con la aprobación de la mente humana o pueda verlos el ojo humano son cuestiones que quedan al margen de ese derecho.
**Lawrence Rutter, notas del LP original**

Tony Williams, aún llamado Anthony, no había cumplido veinte años cuando le propusieron que grabara Life Time, su primera colaboración como líder del grupo para Blue Note. Su primera sesión con la discográfica tuvo lugar unos dieciocho meses antes para la grabación de My Point Of View, de Herbie Hancock, y en el período entre ambas tocó en algunos de los más importantes de Blue Note.

Williams, vanguardista, es la antítesis de Art Blakey en cuanto a la forma de liderar un grupo, y este disco, compuesto en su totalidad por el primero, no se parece a nada de lo que había publicado Blue Note hasta aquel momento.

“Memory”, en la que Williams toca casi todo el espectro de la percusión –batería, timbales, bloques de madera, maracas y triángulo–, con algunas modestas incursiones por parte de Hancock y Hutcherson, es una jam libre, y tal vez lo que se podría esperar de la composición de un batería. El resto del disco es del todo distinto. A la inversa, “Barb’s Song To The Wizard”, que no cuenta con Williams, es sencillamente un dueto entre Hancock y Ron Carter, quienes por aquel entonces tocaban en la banda de Miles Davis con Williams.

En la suite que ocupa la primera cara entera tocan sobre todo Sam Rivers, con quien había trabajado Williams desde los trece años, y el batería. Pero no nos engañemos: se trata de música sin concesiones, y muchos no lo escucharán más que una vez, lo que no significa que exista ningún problema ni con la música ni con el oyente, pues se trata de arte.

1 - Two Pieces Of One: Red 
2 - Two Pieces Of One: Green
3 - Tomorrow Afternoon
4 - Memory
5 - Barb's Song To The Wizard

Anthony "Tony" Williams (batería, timbales, bloques de madera, maracas, triángulo); Sam Rivers (saxo tenor), Richard Davis, Gary Peacock, Ron Carter (contrabajos); Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Herbie Hancock (piano)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 y 24 de Agosto de 1964

28 de octubre de 2016

Blue Note #38 - Herbie Hancock

Herbie Hancock
Empyrean Isles

Islas Empíreas, cuatro brillantes joyas más allá de los sueños del hombre (…). El mito y la leyenda cubren estas islas de misterio, pues son esquivas, y de ellas se dice que desaparecen ante la proximidad de los mortales ordinarios.
**Nora Kelly, notas del álbum original**

Grabado dos años antes del debut de Herbie en Blue Note, Takin’ Off –con un título muy apropiado, pues puede traducirse por “despegar” o “quitarse algo de encima”– representa un cambio radical en todos los sentidos. Junto con el que sería su sucesor, Maiden Voyage, este disco en realidad debe formar parte de la colección de cualquier aficionado al jazz. Tras haber grabado para la discográfica con Donald Byrd en 1961 cuando tenía veintiún años, y después de coquetear con las influencias latinas y una alineación tipo big band, Empyrean Isles supone el regreso de Herbie Hancock al hard bop en cierto sentido más serio. Como sucede en toda su obra, aquí hay un elemento que se escapa a las convenciones y que permite que el pianista vaya a contracorriente de las expectativas musicales.

En el momento en que se grabó este disco, Herbie tenía veinticuatro años, edad similar a la de los demás miembros del grupo: Hubbard tenía veintiséis; Carter, veintisiete, y Tony Williams sólo dieciocho. Es su espíritu aventurero el que hace que este disco sea tan alegre, pero no se trata únicamente de exuberancia juvenil: a pesar de la inexperiencia general de los músicos, dan una muestra de talento sin igual. Hancock, Carter y Williams ya habían tocado juntos en el grupo de Miles Davis, con lo que la empatía que había entre ellos puede advertirse en cada compás.

Las cuatro composiciones son obra de Herbie, y tanto “One Finger Snap” como “ Cantaloupe Island” se han convertido en clásicos. El grupo de Jazz Rap US3 sampleó esta última para una de sus composiciones. Con la primera pieza, Hubbard deja claro quién está al timón, y con su desorbitada corneta hace abundantes cabriolas sin dejar nunca de sonar melódico. Desde el paraíso del hard bop que es “One Finger Snap” a la adictiva “Cantaloupe Island”, el rango estilístico del grupo es notable: estamos ante material funky que se ha convertido en un estándar del jazz.

En “Oliloqui Valley”, Hubbard se adentra en los territorios de Miles Davis con una bella interpretación. La última pieza del disco, “The Egg”, es un experimento de catorce minutos en el que se unen el hard bop y el free jazz con el vibrante bajo de Carter y los redobles tipo música de desfile de Williams. Aunque para entrar en este tema hace falta un poco más de esfuerzo que en los demás, en realidad sirve para poner de relieve la aventura que debió de ser esta sesión realizada en pleno verano.

1 - One Finger Snap
2 - Oliloqui Valley
3 - Cantaloupe Island
4 - The Egg
5 - One Finger Snap (alternate take)
6 - Oliloqui Valley (alternate take)

Herbie Hancock (piano), Freddie Hubbard (corneta), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 de Junio de 1964

15 de octubre de 2016

Blue Note #37 - Art Blakey

Art Blakey & The Jazz Messengers
Free For All

The Messengers firman cuatro originales con la desenvoltura habitual del impulse de la batería y el liderazgo de Blakey… Se trata de un jazz muy representativo de la época.
**Billboard, Agosto de 1965**

Irresistible, apasionado, enérgico e intenso son adjetivos con los que bien pueden describirse este disco, que se grabó el día antes que The Beatles debutaran en el programa de televisión estadounidense de Ed Sullivan y alterasen su panorama musical para siempre. Aunque era el tercer año de la alineación de The Jazz Messengers, fue el último disco para Blue Note en el que formaría parte del grupo Freddie Hubbard, que ya había grabado varios discos en solitario con tanto para dicha discográfica como para Impulse!

La pieza que da título al disco, con una duración de once minutos y compuesta por Shorter, tiene un título perfecto, ya que hace referencia a la libertad de la que hace gala con un hard bop más intenso y arriesgado del que nunca antes hubieran grabado The Jazz Messengers. La primera sección de “Free For All” comienza con el piano de Cedar Walton antes de que la sección de metales entre con algunos de los riffs más elocuentes y elegantes del corpus del grupo. Tal y como sugiere el título, la composición es en realidad libre, aunque nunca deja de lado la estructura.

Grabado a comienzos de 1964, el álbum se publicó en agosto de 1965, y sus cuatro temas ayudaron a que se convirtiera en uno de los puntos álgidos de la historia discográfica de The Jazz Messengers. “The Core”, compuesto por Hubbard, es un tema destacable en el que cada músico ejecuta un solo guiado por la intensa batería de Blakey. Inspirado en el trabajo del Congreso para la Igualdad Racial (CORE: Congress of  Racial Equality), “The Core” se grabó justo tres meses antes del asesinato de John Fitzgerald Kennedy y durante el mismo mes en el que la Ley de Derechos Civiles entraba en el Senado estadounidense.

La bossa nova estaba muy de moda en aquella época, lo cual puede advertirse en “Pensativa”, pieza del pianista Clare Fischer, única delicada en un disco en el que todas las demás tenían fuerza. Citada por Herbie Hancock como una de sus primeras influencias, la composición de Fischer llegó a la sesión gracias a Hubbard, quien había escuchado cómo la interpretaba el pianista. “Pensativa” fue una de las piezas favoritas de Blakey durante años y se tocó con frecuencia en los directos; de hecho, en la grabación puede escucharse a Art gritando para infundir ánimo a los solistas. Free For All se grabó en una única sesión en la que el grupo también tuvo tiempo para grabar un par de canciones con el cantante de rhythm and blues Wellington Blakey –sobrino de Art–, aunque no se consideraron meritorias como para incluirse en el disco.

1 - Free For All
2 - Hammer Head
3 - The Core
4 - Pensativa
5 - Free For All (alternate take)

Art Blakey (batería), Freddie Hubbard (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Wayne Shorter (saxo tenor), Cedar Walton (piano), Reggie Workman (contrabajo)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Febrero de 1964