26 de junio de 2016

Blue Note #24 - Dexter Gordon


Dexter Gordon
Go!

¿Ha salido ya el nuevo disco? Recibí la carátula del álbum que me enviaste. Es muy elegante. Además, mientras escuchaba un programa de jazz en Londres, me mencionaron al hablar de los artistas que se habían dedicado a la bossa nova, por lo que pensé que ya había salido a la venta.
**Carta de Dexter Gordon a Alfred Lion, 17 de diciembre de 1962**

Era Mayo de 1961 cuando un Dexter Gordon de veintiocho años visitaba Nueva York por primera vez desde hacía más de una década. Durante su estancia en la ciudad grabó dos discos con Blue Note. El saxofonista con influencias de Lester Young regresó al año siguiente para grabar Go!, su tercer LP con Blue Note, que, según comentó, era su favorito. Para Dexter, esta sección rítmica era “lo más cerca que se puede estar de la perfección”, y lo cierto es que no existen argumentos para discutírselo. Siempre en su lugar, los músicos encargados del ritmo proporcionaban al saxo el terreno perfecto sobre el que improvisar, y solía hacerlo ligeramente a contratiempo, como era habitual. Para el saxofonista, Smilin’ Billy era el baterista con más swing del mundo.

Dexter pasó un tiempo en una especie de desierto musical en California, en parte a causa de estar involucrado en delitos de drogas. Las sesiones para Blue Note marcaron un hito y ayudaron a que se restableciera su reputación como viustuoso, ya que era un saxofonista con una excepcional capacidad para ir de unos enormes tonos graves hasta las notas altas sin ningún esfuerzo aparente. La forma de tocar de Dexter, sobre todo en “Three O’Clock In The Morning” y en “I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry”, es muy interesante; además, de la segunda pieza se puede decir que es de aquellas que uno puede poner a la gente para que desaparezca el miedo al jazz. “Second Balcony Jump”, cuyo lúgubre título puede traducirse por “Salto Desde El Segundo Piso”, es una tensa pieza de medio tiempo en la que tanto Dexter como el pianista Sonny Clark tienen la oportunidad de explayarse. El fraseo de Gordon es perfecto y, para muchos, este es el responsable de que Go! sea su disco favorito del saxofonista tenor. Antes del lanzamiento del álbum, Dexter se marchó a Europa, donde permaneció la mayor parte de los siguientes quince años, dividido entre París y la ciudad que consideró su hogar: Copenhague. No dejó de grabar con Blue Note Records.

Dexter escribió a Alfred Lion desde Londres en Setiembre de 1962 para sugerirle que el álbum se titulase Very Saxily Yours, un juego de palabras que aprovechaba la similitud fonética de “sex” (sexo) y “sax” (saxo). En la carta de respuesta, Alfred decía lo siguiente: “Aunque es un título muy seductor (very sexy), tendré que dejarlo para otra ocasión, ya que la producción del disco está muy avanzada”.

1 - Cheese Cake
2 - I Guess I'll Hang My Tears Out to Dry
3 - Second Balcony Jump
4 - Love for Sale
5 - Where Are You
6 - Three O'Clock in the Morning

Dexter Gordon (saxo tenor), Sonny Clark (piano), Butch Warren (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Agosto de 1962

18 de junio de 2016

Blue Note #23 - Jackie McLean


Jackie McLean
Let Freedom Ring

Enorgullece decir que mi currículum musical procede de las universidades de Bud Powell, Miles Davis, Charles Mingus, Art Blakey y, por supuesto, Bird. Gran parte de mis inicios en el jazz transcurrieron en la casa de Monk, que ha sido un estimado amigo durante años.
**Jackie McLean, notas de Let Freedom Ring**

Tres de las piezas son composiciones originales de McLean, y “I’ll Keep Loving You” la firma Bud Powell. Las cuatro fabulosas, y la forma de tocar del saxofonista está dominada por la inspiración, motivo por el cual este disco levanta justificadas pasiones. Desde los primeros compases de “Melody For Melonae”, con la batería de Higgins sonando como si la tuviéramos en la misma habitación, uno sabe que está ante algo especial y con una diferencia sustancial respecto a las demás sesiones de Blue Note de aquella época.
La influencia de Ornette Coleman puede percibirse a lo largo de todo Let Freedom Ring. Aunque Higgins se graduó en el grupo de Coleman, este es un excepcional disco post bop que cuenta con elementos de vanguardia y da la sensación de construir un nexo entre lo antiguo y lo nuevo. A pesar de estos elementos vanguardistas, su música se sumerge en las raíces del blues: las dos piezas de la cara 2 del álbum original están basadas en el antiguo modelo de los doce compases.
McLean ya había grabado nueve discos para Prestige antes de debutar con Blue Note en 1959 con New Soleil. Let Freedon Ring era el séptimo álbum que grababa con la discográfica, todo ello con el prodigioso dato de que sólo tenía treinta años por aquel entonces. En su primera sesión para Blue Note, en 1952, había tocado para Miles Davis cuando le quedaba una semana para cumplir los veintiún años.
Como rareza en comparación con los demás discos de Blue Note de la época, este cuenta con las notas del propio McLean, las cuales, por cierto, son muy buenas e instructivas. Aunque era del todo consciente de su situación en el olimpo del jazz, hay algo que deja bien claro: su humildad. McLean ejerció más adelante como profesor y fundó su propio colectivo de músicos.

1 - Melody For Melonae
2 - I'll Keep Loving You
3 - Rene
4 - Omega

Jackie McLean (saxo alto), Walter Davis, Jr. (piano), Herbie Lewis (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Marzo de 1962

10 de junio de 2016

Blue Note #22 - Stanley Turrentine


Stanley Turrentine & The Three Sounds
Blue Hour 

La “Hora Triste” (“Blue Hour”) es el momento por la mañana tremprano en el “te aproximas a la almohada en la que solía apoyar tu pareja”, como dice la letra de la canción de Rubberlegs Williams, y te das cuenta de que no está.
**Ira Gitler, notas del LP original**

Stanley Turentine grabó con The Three Sounds, justo once días antes de su debut, Look Out!, el 18 de junio de 1960, aunque estas piezas aún no se habían lanzado por aquel entonces. Este, su segundo disco con Blue Note como líder, se grabó seis meses después. La primera vez que Blue Note lo invitó fue para tocar en una sesión con Dizzy Reece que se celebró a comienzos de abril de 1960, tras lo cual volvió ese mismo mes para participar en una sesión con Jimmy Smith. A pesar de la cronología de la grabación, la discográfica había publicado varios álbumes con Turrentine antes de este; en realidad, era la nueva sensación del saxofón.
Una vez que comienza el disco, a uno se le puede perdonar que crea estar escuchando una sesión de The Three Sounds: aunque transcurre un minuto y veinticinco segundos antes de que suene la dulzura del tenor de Turrentine, una vez que empieza, capta toda la atención con la suavidad de su tono. Se trata del súmmum del seductor y sexy jazz de la madrugada. Este disco es, en esencia, una auténtica y exitosa colaboración entre Turrentine y el trío. El piano blues de Gene Harris es el ropaje perfecto para el saxofón tenor. “Blue Riff”, de Gene Harris, además de ser la única composición original del disco, también es la única que en realidad se aleja del, estilo de balada de las demás. El hecho de que con ella se cierre la cara 1 demuestra cuán importante era la idea de “programar” un disco ya por aquel entonces. Alfred Lion y todos los músicos de Blue Note se habrían estremecido ante la idea de una disposición aleatoria de las composiciones. El grupo firma una estupenda versión instrumental del clásico “Since I Fell For You”, compuesto en 1945 por Buddy Johnson. “Willow Weep For Me”, la otra pieza de la cara 2, sirve como perfecto complemento a la anterior. Cuesta creer que exista una cara más apasionada en ningún otro disco de Blue Note.
En la fotografía de la portada de Blue Hour, realizada por Francis Wolff, aparece una interesante visión del nuevo estudio de Van Gelder y, con una gran dosis de magia, transmite la sensación de los cuatro músicos perfectamente coordinados en un ambiente preparando sus propias artes alquímicas.  

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Nota 1.
A propósito de la foto utilizada para la portada de Blue Hour, cuenta Havers en la página 166, detalles sobre los estudios de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs:
En Julio de 1959 se produjo un cambio importante en la discográfica: un nuevo estudio con la última tecnología sustituyó al cuarto de estar de Rudy Van Gelder en Prospect Avenue, en Hackensack. A VanGelder se le había quedado pequeño el sitio, y en 1957 había comenzado a pensar en construir otro nuevo. Para ello, se inspiró en la obra del arquitecto Lloyd Wright, cuyos diseños y maquetas a gran escala había vistop con su esposa en el neoyorquino Museum Of Modern Art.
Wright y un grupo de arquitectos habían elaborado el concepto de “casas usonianas”: unas bellas y asequibles viviendas erigidas con materiales que no eran caros y que tenían un estilo orgánico. Uno de los integrantes de dicho grupo, David Henken, había construido algunas casas cerca de Mount Pleasant. Tras conocer a Van Gelder, no tardaron en comenzar a hablar de la edificación de una casa y un estudio a un precio que el técnico pudiera asumir.
A finales de 1958 y con los planos proyectados, Van Gelder, gracias a Henken, halló un constructor que se encargó de gran parte de la carpintería de obra, incluida la de la cubierta de vigas del estudio, de casi doce metros de altura. Esta estructura de estilo catedralicio se fabricó en Portland, Oregón, y después se trasladó a Nueva Jersey donde, para construirla, se necesitó una grúa de unos veintisiete metros.
Ira Gitler describió así, el nuevo estudio: “En el estudio de Rudy Van Gelder, con su elevado techo, sus vigas de madera, sus azulejos y su austero vanguardismo, uno tiene la sensación casi de religión; un templo de la música religioso sin sectarismos ni organizaciones en la que el sonido y el espíritu parecen poder elevarse sin obstáculos”. De hecho no había azulejos, sino bloques de cemento con un pigmento amarronado.

Nota 2. 
Se presenta aquí la totalidad de los registros que formaron parte de las dos sesiones que insumieron esta grabación, liberadas por Blue Note en 2000 en formato de doble CD. 
Sólo el CD1 contiene los registros aparecidos en el LP original. Según el crítico Ken Dryden, la decisión de Alfred Lion, el productor del disco, en cuanto a retener de la mayor parte, fue correcta. Si bien todo lo registrado es de altísima calidad, los ocho temas extras que reúne esta colección no reflejaban el clima que se quería captar en Blue Hour. Para Dryden en realidad, se trató de un merecido homenaje a Stanley Turrentine y a Gene Harris, ambos fallecidos en el año de edición del doble CD y ambos partícipes de esta excelente pieza de la historia en el mundo del jazz.


Stanley Turrentine & The Three Sounds
Blue Hour · The Complete Sessions

CD 1
1 - I Want A Little Girl
2 - Gee Baby, Ain't I Good To You
3 - Blue Riff
4 - Since I Fell For You
5 - Willow Weep For Me

CD 2
1 - Blues In The Closet
2 - Just In Time
3 - Gee Baby, Ain't I Good To You (alternate take)
4 - Where Or When
5 - Blue Hour
6 - There Is No Greater Love
7 - Alone Together
8 - Strike Up The Band

Stanley Turrentine (saxo tenor), Gene Harris (piano), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey 29 de Junio y 16 de Diciembre de 1960

7 de junio de 2016

Blue Note #21 - Tina Brooks


Tina Brooks
True Blue

Era un sensible y excepcional improvisador que podía tejer hermosos y complejos tapices con la corneta. Su lirismo, unidad de ideas y lógica interna eran asombrosos.
**Michael Cuscuna, notas originales de “Back To The Tracks”**

Este álbum tomó forma en medio de un par de agitadas semanas de grabación con Rudy Van Gelder, un período en el que vieron la luz algunos discos estelares, entre ellos Open Sesame de Freddie Hubbard y Blue Hour de Stanley Turrentine con The Three Sounds. El segundo disco de Brooks como líder se grabó poco después del vigesimoctavo cumpleaños del saxofonista, y cuenta con unos excelentes vientos por parte de este y de Hubbard. Además, fue el único disco de Brooks que vio publicado en vida; el segundo, Minor Move, salió bastante después de la temprana muerte del saxofonista, acaecida en 1974. Puede que su grave adicción a la heroína fuera también responsable de que Blue Note postergase tanto el lanzamiento de sus otros dos álbumes: el primero y el otro, publicado más adelante con el título Back To The Tracks, que se grabó en octubre de 1960.

Con excepción de la última canción de la cara 2, todas las demás están compuestas por Brooks. El poderío y la suavidad de su saxofón tenor demuestran que es un intérprete y compositor de considerable mérito, que es mayor del que puede inferirse de su escasa fama (al margen de aquellos que conocen su obra). Se trata de un magnífico grupo cuya interpretación de “Up Tight’s Creek”, firmada por Duke Jordan e inspirada en Horace Silver, destaca en todos los sentidos.

Veterano de varios grupos de rhythm and blues, Brooks aprendió el oficio se saxofonista en una escuela latina de Nueva York y perfeccionó sus habilidades como compositor con Herbert Bourne, violinista y músico clásico. Tras una temporada con la big band de Lionel Hampton, Lion le ofreció a Brooks su gran oportunidad en 1958 al invitarlo a tocar en The Sermon, el álbum de Jimmy Smith.

Brooks no volvió a grabar más hasta su último álbum, The Waiting Game, en Marzo de 1961; las drogas, inevitablemente, le llevaron a prisión y, después, a recibir tratamiento hospitalario. Al final, sólo podía dar conciertos de forma esporádica. Con todo, este álbum destaca de forma ejemplar y proporciona pistas de lo que podría haber sido. Lo más irónico es que Brooks era el suplente de Jackie McLean en la obra de teatro The Connection, que trata de los peligros de la adicción. Brooks tenía sólo cuarenta y dos años cuando murió por una insuficiencia hepática.

1 - Good Old Soul
2 - Up Tight's Creek
3 - Theme For Doris
4 - True Blue
5 - Miss Hazel
6 - Nothing Ever Changes My Love
7 - True Blue (alternate take)
8 - Good Old Soul (alternate take)

Tina Brooks (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Duke Jordan (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Junio de 1960

3 de junio de 2016

Blue Note #20 - Freddie Hubbard


Freddie Hubbard
Open Sesame

Este álbum es un “ábrete, sésamo” que abre dos puertas. Una es la que abre Blue Note a un joven trompetista de increíble talento llamado Freddie Hubbard al ofrecerle su primera grabación como líder; la otra es la que abre el propio Hubbard con su interpretación en esta actuación.
**Ira Gitler, notas del álbum original**

Freddie Hubbard había cumplido veintidós años hacía sólo un par de meses cuando grabó su debut con Blue Note; de hecho, era su segunda sesión de grabación, aunque esto es algo que jamás podría inferirse de su actuación. Formaba también parte del quinteto el subestimado saxofonista Tina Brooks, quien ya había grabado con la discográfica y se encargó de la composición de dos de las piezas del álbum, incluida la que toma su nombre. Al piano también había un músico en los albores de su carrera: McCoy Tyner tenía veintiún años y estaba a punto de unirse al grupo de John Coltrane. Es imposible no darse cuenta de por qué motivo se le tenía en tal alta estima.
Aunque a Hubbard le influyeron tanto Clifford Brown como Lee Morgan, donde realmente brilla la característica pulcritud de su estilo en el estándar “But Beautiful”, que realza con elegancia el bajo de Sam Jones.
El otro estándar del disco es la animada versión de “All Or Nothing At All”, en la que, aunque Hubbard resulta el menos convincente de la pieza, puede verse a Brooks y a Tyner haciendo un buen trabajo.
También es una versión el penúltimo tema: “One Mint Julep”, el éxito jump blues que habían lanzado The Clovers en 1951. De este disco se ha dicho que es un modelo para el funk jazz, estilo que sin duda se encuentra en el disco, aunque sin comprometerlo. Para la última pieza, Hubbard sitúa su nombre en los créditos con “Hub’s Nub”. A medida que se va desarrollando el tema, su trompeta y el saxo tenor de Brooks producen unos sonidos que resultan muy atractivos.
Este es un debut más impresionante que el de casi cualquier otro músico de jazz. En su variedad estilística está la clave de por qué Freddie Hubbard obtuvo tanto éxito. Versatilidad, destreza musical y madurez contribuirían en conjunto a su popularidad, y las décadas que duró su carrera, en la que tocó prácticamente con todo el mundo, incluido Elton John, son testimonio de su talento.

1 - Open Sesame
2 - But Beautiful
3 - Gypsy Blue
4 - All Or Nothing At All
5 - One Mint Julep
6 - Hub's Nub
7 - Open Sesame (alternate tke)
8 - Gypsy Blue (alternate take)

Freddie Hubbard (trompeta), Tina Brooks (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Sam Jones (contrabajo), Clifford Jarvis (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Junio de 1960

27 de mayo de 2016

Blue Note #19 - Hank Mobley


Hank Mobley
Soul Station

Uno de los mejores programas musicales del Blue Note y cualquier otra discográfica.
**Bob Blumenthal, notas de la reedición en CD**

Cuando Hank Mobley y los demás miembros del cuarteto se reunieron en el estudio de Rudy Van Gelder en febrero de 1960, dio comienzo la sexta sesión de Blue Note en lo que iba de la década. He aquí lo que escribió Joe Goldberg para las notas de la edición original: De un tiempo a esta parte, cada vez es menos correcto hacer pasar un disco de jazz por una “cita a ráfagas”, término que se ha convertido en semidespectivo. Este hecho resume a la perfección este fantástico disco. La interpretación es más que ajustada, y si hay algunas de esas “ráfagas” se encuentra en el contexto de unos meticulosos arreglos. Pero no vayan a creer que se trata de una grabación rígida y sin alma; rezuma alegría con gran convicción; basta escuchar “Dig Dis”.
Billboard, en su reseña del álbum, publicada en Octubre de 1960, comentó que toda esa música estaba interpretada con una “alegre veneración”.
Hank Mobley y el resto del cuarteto sólo necesitaron tres tomas para concluir la primera pieza, “Remember”, de Irvin Berlin. La interpretación de los músicos es muy fresca y viva, sobre todo la del seductor tenor de Hank. Con excepción del primero y último tema, todos están compuestos por Mobley; una de las mejores es “This I Dig Of You”, pieza en la que destaca Art Blakey: es el baterista perfecto para esta pequeña y elegante canción, que es más elegante aún gracias al pizzicato pianístico de Wynton Kelly.
La primera vez que Mobley tocó en una sesión de grabación con Blue Note fue para Horace Silver a finales de 1954. Su primera sesión como líder tuvo lugar antes de que transcurrietan seis meses de esta.  En ella grabó su debut, Hank Mobley Quartet, álbum al que le seguirían otros ocho antes que este, que es su obra maestra. Para algunos, Mobley grabó demasiados discos con Blue Note que, según señaló un crítico, tenían “duraciones irracionales”. Aunque puede que de haber tenido un poco menos se hubiera conseguido más, si esto hubiera llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una imposturara llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una impostura.

1 - Remember
2 - This I Dig of You
3 - Dig Dis
4 - Split Feelin's
5 - Soul Station
6 - If I Should Lose You

Hank Mobley (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Art Blakey (batería)

Rudy Van Gelder Studio,  Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 7 de Febrero de 1960

21 de mayo de 2016

Blue Note #18 - Horace Silver


Horace Silver
Blowin’ The Blues Away

El auténtico funky jazz de tipo progresivo se encuentra en el nuevo LP de Horace Silver, que compuso los siete temas que lo conforman. Como suele ser habitual, Silver abunda en su interpretación pianística de estilo llano, mientras que Blue Mitchell Y Junior Cook se van moviendo con swing detrás de él. Algunas de las piezas son realmente demoledoras. Las mejores son “Blowin’ The Blues Away”, la de estilo predicador “Sister Sadie” y “Break City”.
**Billboard, 23 de Noviembre de 1959**

La primera vez que se escuchó el piano de Horace Silver en un disco de Blue Note era el año 1952, cuando lo tocaban en una sesión de Lou Donaldson, a lo que siguió una grabación con un grupo que él mismo acabaría por liderar ese mismo año. Entre aquellos años y la fecha de grabación, agosto de 1959, Silver participó en varios discos de Blue Note (actividad que siguió realizando durante muchos años después). Y no es ninguna sorpresa: la forma de tocar de Horace Silver es sencillamente brillante, y sobre todo en este disco.
Billboard publicó lo siguiente en su reseña del lanzamiento del single que da título al disco: El combo de Horace Silver toca un alegre y brillante riff en esta pieza. Silver toca el piano y Blue Mitchell ejecuta buenos  solos a la trompeta. Se trata de un buen material para los tocadiscos. Aunque hoy en día resulta difícil concebir un disco de jazz que suene en una jukebox, no ocurría lo mismo en aquellos días felices. Silver pasa por el swing con tranquilidad, y si se busca un disco que demuestre que el piano puede ser funky, aquí lo encontrará.
Señalado por muchos como el mejor disco de Silver para Blue Note, un crítico resumió del siguiente modo su atractivo: Ejemplifica todas sus virtudes como pianista, compositor y líder. El pianista compuso las siete piezas del disco, y todas, no sólo la que le da título, son estupendas. “Peace” y “Melancholy Mood” son temas más lentos. El primero cuenta con una adorable y delicada interpretación de Mitchell.
Si el que escribe esto tuviera que escoger sólo una pieza, sería la muy versionada “Sister Sadie”: funky a la enésima potencia. Este tema es la fuente del soul jazz y todos, desde Herbie Hancock a Gregory Porter, rinden pleitesía a Horace por ella.

1 - Blowin' the Blues Away
2 - The St. Vitus Dance
3 - Break City
4 - Peace
5 - Sister Sadie
6 - The Baghdad Blues
7 - Melancholy Mood 
8 - How Did It Happen

Horace Silver (piano), Blue Mitchell (trompeta), Junior Cook (saxo tenor), Gene Taylor (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 29 y 30 de Agosto y 13 de Setiembre de 1959.