18 de enero de 2017

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson
Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.
**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos descartables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade
2 - Mode for Joe
3 - Black
4 - Caribbean Fire Dance
5 - Granted
6 - Free Wheelin'
7 - Black (alternate take)


Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966

13 de enero de 2017

Blue Note #50 - Don Cherry

Don Cherry
Complete Communion

A mediados de la década, la asociación de Cherry con Gato Barbieri dio lugar a una comunión total para la discográfica Blue Note. Es uno de los mejores ejemplos de jazz de confluencia, una atrevida y persuasiva mezcla de expresionismo y ortodoxia.
**De la necrológica de Don Cherry, Billboard, 
4 de Noviembre de 1995**

La fecha de grabación, Nochebuena de 1965, hace que este disco resulte en cierto sentido inusual y supuso el debut del cornetista Don Cherry con Blue Note, discográfica con la que grabaría un total de tres discos en menos de doce meses. Aunque el músico de veintinueve años había realizado numerosas grabaciones con el grupo de Ornette Coleman y había liderado un par de sesiones para otras discográficas, este supuso su revolución personal y, en cierto modo, la de todo el movimiento del free jazz.

Cada una de las caras del LP supone una suite compuesta por Cherry, y cada una de ellas se grabó en una sola toma, aunque no fue la primera en ninguno de los casos: la cara 1 fue la segunda toma, y la cara 2, la tercera. Volátil, intenso y chispeante son algunas de las palabras que han utilizado los críticos para describir este disco, y lo cierto es que son totalmente apropiadas. Se trata de jazz para valientes, música que muchos no músicos encontrarán difícil, pero aquellos que acepten el desafío se verán recompensados al final con creces… Incluso puede que muy pronto silben las melodías.

Cuando todo el grupo o los solistas individuales exploran los distintos temas, estos se asemejan a menudo a conversaciones entre diferentes actores; el diálogo entre Cherry y Barbieri, a quien había conocido mientras el segundo residía en Roma, resulta especialmente llamativo.

El estilo del saxofonista tenor argentino de aquel período se ha relacionado con el del anterior líder de Cherry, Ornette Coleman, y no hay duda de que formaba parte de su atractivo. Sin embargo, Cherry era sobre todo un hombre con sus propias ideas, lo cual se pone de manifiesto en las grabaciones posteriores como líder de grupo.

Grimes y Blackwell –la sección rítmica– eran, al igual que los otros dos músicos, nuevos en la discográfica, lo cual hace que esta sea una grabación excepcional en Blue Note. Este disco refleja la metamorfosis que experimentó el jazz a mediados de la década de 1960: es un estilo free jazz que se convertiría en la norma una vez entrada la década.

1 - Complete Communion
a) Complete Communion
b) And Now
c) Golden Heart
d) Remembrance

2 - Elephantasy
a) Elephantasy
b) Our Feelings
c) Bishmallah
d) Wind, Sand and Stars

Don Cherry (corneta), Leandro "Gato" Barbieri (saxo tenor), Henry Grimes (contrabajo), Edward Blackwell (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Diciembre de 1965

10 de enero de 2017

Blue Note #49 - Ornette Coleman

Ornette Coleman
At The Golden Circle 

No creo que exista ninguna diferencia entre una idea y una emoción. La música es un lenguaje que se compone de notas y claves; el lenguaje escrito lo constituyen las letras , que son símbolos de los sonidos, y cambian en función de estos del mismo modo que pueden hacerlo las letras de los sonidos.
**Ornette Coleman, 1983**

Este disco, uno de los más inusuales de cuantos publicó Blue Note durante la década de 1960, no sólo se grabó en Suecia, sino que también fue el debut de Ornette Coleman en la discográfica; la primera sesión del músico como líder tuvo lugar en 1958 y se grabó para Contemporary. Las piezas de estos dos volúmenes se grabaron el viernes 3 de Diciembre y durante las actuaciones por la tarde y por la noche del día siguiente. Una vez grabadas las tres actuaciones, se seleccionaron las mejores tomas para los discos originales, aunque algunas de las desechadas figuraron en ediciones posteriores en CD de este concierto de tan excelente grupo.

Es música procedente de lugares salvajes. Si dejamos a un lado su antigüedad, bien podría ser la música que concibiera Coleman para una banda sonora de una serie de detectives de la televisión escandinava del siglo XX. “Faces And Places” encajaría a la perfección en una secuencia de persecución, mientras que “Dawn” refleja la desolación de un amanecer monocromático tras la acción. No es una música sencilla, pero tampoco tiene por qué serlo. “Snowflakes And Sunshine”, con Coleman al violín y a la trompeta, puede dejar fríos a algunos; es sumamente desafiante y no apta para los poco aventureros.

Cada uno de los temas de este disco rezuma innovación, y aquellos que estén dispuestos a escucharlo más de una vez se verán gratamente recompensados. Para ello hay que alejar cualquier idea preconcebida, reformular las que se tengan acerca de lo que debe ser el jazz y dejarse llevar por el flow de Coleman. Además, si se quiere comprender en qué punto se hallaba el jazz a mediados de la década de 1960, este álbum es obligado. Con todo, no es un disco que haya ganado adeptos con el paso del tiempo como sucede con otros álbumes de su época. En Agosto de 1966, la revista Down Beat lo consideró Disco del Año.

El trío llevaba formado más de un año, lo cual se pone de manifiesto en la empatía y la unión de las que hacen gala ambos volúmenes. Para ser una grabación realizada en un club, tiene una calidad extraordinaria: el sonido es cristalino y dinámico y posee una fuerte sensación ambiental. Además, cuenta con una de las portadas de Reid Miles más pertinentes: el tono de la imagen concuerda con el de la música. 


At The Golden Circle, Stockholm
Volume One

1 - Announcement
2 - Faces And Places
3 - European Echoes
4 - Dee Dee
5 - Dawn



At The Golden Circle, Stockholm
Volume Two

1 - Snowflakes And Sunshine
2 - Morning Song
3 - The Riddle
4 - Antiques


Ornette Coleman (saxo alto, violín y trompeta), David Izenzon (contrabajo), Charles Moffett (batería)

Gyllene Cirkeln Restaurant, Estocolmo, 3 y 4 de Diciembre de 1965



29 de diciembre de 2016

Blue Note #48 - Larry Young

Larry Young
Unity

La combinación del organista Larry Young, el trompetista  Woody Shaw, el saxofonista tenor Joe Henderson y el baterista Elvin Jones harán de este disco una apuesta segura para los aficionados al jazz. Blue Note ha conseguido un sólido superventas.
**Billboard, 27 de Agosto de 1966** 

Lo que me atrapó la primera vez que escuché este disco fue la empatía –o la unidad– que se percibe entre Larry Young y Elvin Jones en particular. Se trata de la sección rítmica, pero la batería de Jones y el órgano tan elegante crean una unión perfecta, como un producto que saliera directamente de la mente. Young comentó lo siguiente en las notas: “A pesar de que todos los que se reunieron en la sesión eran bastante individualistas, tenían el mismo espíritu. Quedó claro desde el principio que todo encajaba”. Todo ello influyó para que Young decidiese titular el álbum Unity (“Unidad”).

Young no es el compositor, a pesar de lo que afirman los créditos del disco. Shaw aportó la mitad de los temas, mientras que Henderson compuso “If”, así como “Monk’s Dream” y “Softly As In A Morning Sunrise”, la melodía compuesta por Hammerstein y Romberg para la opereta de la década de 1920 denominada The New Moon. Para muchos la pieza más destacada es “Moontrane”, de Shaw, compuesta por el trompetista cuando sólo tenía dieciocho años, y dedicada, como su nombre lo indica, a John Coltrane. Los excelentes ciclos armónicos de la composición recuerdan a los trabajos más logrados de este.

Aunque todos los músicos rezuman talento, destaca ante todo el de Young, cuya aportación es inmensa; de hecho, no cabe duda de que Unity es su disco. “Monk’s Dream”, un diálogo que mantienen sólo la batería y el órgano, es una de las versiones más interesantes que se hayan hecho e una melodía de Monk; la original data de comienzos de la década de 1950, cuando el pianista estaba grabando con Prestige. El Hammond parece dar forma a la imaginación de Monk y girar envolviéndose alrededor de los oídos del oyente de una manera que aporta ideas frescas a una pieza muy conocida, algo que no debe subestimarse cuando se trata de una melodía de Monk.

Destaca el diseño de la portada de Reid Miles. Su talento se pone de manifiesto en esta sencilla pero perfectamente concebida portada, creada sin la ayuda de una fotografía de Wolff por una vez. Los cuatro puntos de color naranja que se encuentran dentro de la letra u son lo único que hace falta para transmitir la descripción que hizo Young de la sesión cuando dijo que “todo encajaba”.

1 - Zoltan
2 - Monk's Dream
3 - If
4 - The Moontrane
5 - Softly As In A Morning Sunrise
6 - Beyond All Limits
7 - If (alternate take1)
8 - If (alternate take 2)
9 - The Moontrane (alternate take)
10 - Beyond All Limits (alternate take)

Larry Young (óragano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Noviembre de 1965

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A todos los que llegaron por aquí, nuevos o viejos amigos.
A todos los que agradecieron o no las publicaciones.
A todos lo que contribuyeron o no para el blog.

*** Feliz 2017! ***


21 de diciembre de 2016

Blue Note #47 - Horace Silver

Horace Silver
The Cape Verdean Blues

Lo que de verdad hizo que me centrase en mis raíces fueron unas vacaciones que pasé en Río hace tres años junto al pianista brasileño Sergio Mendes. En la actualidad, la música folclórica africana me sirve en gran medida de inspiración.
**Horace Silver, Mayo de 1966**

Por toda una serie de razones, este disco de Silver es mucho más vanguardista que el anterior y tiene una consideración un poco inferior. Lo que no debería de ser así. Dada la incorporación del trompetista de veinte años Woody Shaw –que tocaba por primera vez con Blue Note– y de J. J. Johnson en la cara 2, existe en este trabajo una clara intención de explorar. En las notas originales, Silver revela que llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Johnson, cuya mención en el disco es una muestra de respeto que el pianista profesaba al trombonista.

Mientras que la canción que da título al disco podría haberse incluido sin problemas en Song For My Father, todas las demás tienen un tono muy distinto. El hermoso riff descendente que interpretan los vientos al comienzo de “The African Queen”, inspirada en una melodía popular de Costa de Marfil, es sencillamente hermoso: apasionado, sensual y caliente. Aunque puede que no sea tan conocida como “Song For My Father”, es exactamente igual de buena, sobre todo en el momento en el que el insistente Humphries produce un sonido que recuerda a los tambores parlantes de África Occidental. Una vez que Joe Henderson entra en materia y se abre camino para hacerse oír y que lo oigan todos, el tono se interrumpe antes de volver al calor del sol africano por cortesía de la lánguida trompeta de Woody Shaw.

La cara 2, que cuenta con Johnson como invitado, es más compleja en el aspecto musical y, por ello resulta marginalmente más agradable.

“Nutville” se abre con unos excelentes vientos que marcan el ritmo del tema y cuenta con excelentes solos por parte de los cuatro músicos principales. “Bonita” va adquiriendo intensidad y se beneficia de la sublime batería de Humphries, aunque es Johnson el que se lleva el gato al agua. A excepción de “Mo’ Joe”, de Henderson, todas las composiciones son de Silver, quien demuestra sus sublimes cualidades compositivas.

1 - The Cape Verdean Blues
2 - The African Queen
3 - Pretty Eyes
4 - Nutville
5 - Bonita
6 - Mo' Joe


Horace Silver (piano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), J. J. Johnson (trombón), Bob Cranshaw (contrabajo), Roger Humphries (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 1 y 22 de Octubre de 1965

17 de diciembre de 2016

Blue Note #46 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Dialogue

A veces toco de ese modo y otras no; todo depende de con quien trabaje.
**Bobby Hutcherson a propósito de la vanguardia**

De las cinco piezas de este álbum, que constituyó el debut de un Hutcherson de veinticuatro años como líder de grupo, el pianista Andrew Hill compuso tres –“Catta”, “Les Noirs Marchant” y “Ghetto Lights” –, mientras que las otras dos las firmó Joe Chambers. Aunque estos son hechos indiscutibles, también lo es que estamos ante un disco colosal en el que se desarrollan ideas que ya se habían explorado en Out To Lunch, álbum de Eric Dolphy en el que habían participado Hutcherson, Hubbard y Davis el año anterior. Este es un disco en el que se fusionan con estilo la música de las marching bands, la latina, el bop y el blues.

Dialogue es un disco arriesgado en todos los sentidos, un auténtico puente entre el hard bop y la vanguardia. “Catta” es el perfecto inicio de disco y sirve para señalar desde el comienzo cuál es el rumbo que seguirá. Trompeta, vibráfono y flauta compiten por llamar la atención a la vez que llevan la emoción y la tensión auténticas a la interpretación. “Idle While” es una composición bastante impresionante del batería Joe Chambers, quien tenía veintidós años cuando la firmó. El título es un juego de palabras (idle while significa “a la espera mientras tanto”) con Idlewild, el aeropuerto principal de Nueva York, que había pasado a llamarse John F. Kennedy International justo un año antes de la grabación. Para muchos la mejor pieza del disco es la última, “Ghetto Lights”, donde se halla uno de los mejores solos blues de Hubbard.

En 1964, Hutcherson había resultado vencedor en una votación de los lectores de Down Beat, según la cual era el músico que merecía el mayor reconocimiento, por lo que este disco se lanzó en el momento justo y, además, no hay duda de que estuvo a la altura de las expectativas. De Dialogue se ha dicho que es “un clásico del post bop vanguardista”, afirmación que se debe casi con toda seguridad a la emocionante interpretación de Hubbard, Rivers y Hill. Aunque Hutcherson produjo después una serie de buenos discos, éste, definitivamente, representa la cima de su carrera.

1 - Catta
2 - Idle While
3 - Les Noirs Marchent
4 - Dialogue
5 - Ghetto Lights
6 - Jasper


Bobby Hutcherson (vibráfono y marimba), Freddie Hubbard (trompeta), Sam Rivers (saxos tenor y soprano, clarinete bajo y flauta), Andrew Hill (piano), Richard Davis (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Abril de 1965

15 de diciembre de 2016

Blue Note #45 - The Three Sounds

The Three Sounds
Out Of This World

Otro álbum que continúa con la serie de efectivas y rentables grabaciones pianísticas. Gene Harris vuelve a asumir las funciones de solista e instrumentista unificador.
**Billboard, Septiembre de 1962**

Éste fue el séptimo álbum que grabaron The Three Sounds para Blue Note desde su debut, en 1958, y el grupo demostró que tenía unas ventas constantes. Aunque a lo largo de un período de más de cuatro años el trío había grabado muchas piezas más, Lion, preocupado por la idea de saturar el mercado, postergó su lanzamiento. Aunque el melifluo sonido del grupo era muy popular entre gran parte de los aficionados que apreciaba la considerable sencillez de su jazz, con esta alineación recibieron una oferta musical más compleja de lo que tal vez consideraran.

Al igual que muchos otros álbumes del trío, este es una mezcla de composiciones de Gene Harris y versiones de estándares cuidadosamente seleccionadas; estas últimas se eligieron con criterio para eliminar la posible crítica que las tachase de refritos de antiguos y agotados clichés. Entre estas versiones destaca la que da título al álbum: una pieza de Harold Arlen y Johnny Mercer grabada originalmente por Jo Stafford. Se trata de un inusual tema con el que abrir un disco, aunque Harris lo transforma en algo muy especial. Aunque The Three Sounds ya habían hecho una versión de “Just In Time” cuando tocaron para Stanley Turrentine en la sesión para su disco Blue Hour, la pieza recibe un tratamiento muy distinto en este caso.

De todos los artistas de Blue Note, The Three Sounds fueron los que figuraron en más ocasiones entre los destacados de Billboard en la sección de jazz, tal vez debido en gran parte a que el trío encarnaba la idea que tenían de un grupo de jazz aquellos que no eran aficionados a esta música. Este “híbrido” se produjo debido a que su música pasaba por ser bastante accesible, aunque esto sólo sirvió para dañar su reputación entre algunos aficionados al jazz. Harris es un excelente pianista cuyas innovadoras ideas llevaron la música de The Three Sounds más allá de los confines del reducto tradicional de los tríos. Era evidente que Lion tenía ambiciones para el grupo: Blue Note editó veinticinco singles entre finales de la década de 1950 y mediados de 1960, aunque ninguno entró en las listas de Billboard.

Lado 1

1 - Girl Of My Dreams
2 - Out Of The Past
3 - Just In Time
4 - I'll Be Around

Lado 2

5 - My Silent Love
6 - Sanctified Sue
7 - Out Of This World
8 - You Make My Feel So Young


Gene Harris (piano), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey; 4 de Febrero, 7 de Marzo y 8 de Marzo de 1962