19 de febrero de 2017

Blue Note #57 - Donald Byrd

Donald Byrd
Black Byrd

Entonces, los aficionados al jazz comenzaron a cebarse conmigo. Se dieron un festín de diez años. “Es un vendido”. Todo lo que era malo se le atribuía a Donald Byrd. Al principio me enfrenté, pero luego se convirtió en algo común. Más tarde le dieron un nombre. Comenzaron a llamarle jazz fusión y jazz rock.
**Donald Byrd, 1982**

¿Un álbum de jazz en las listas? ¿Qué sería lo siguiente? Aunque este disco fue un auténtico superventas para Blue Note, ya que alcanzó en n.° 88 de las listas de Billboard, el furor que acompañó a su lanzamiento (muchos acusaron a Byrd de ser un vendido) duró años. Esta maravilla de disco funky clama para que lo escuchen: aquellos que aún no lo hayan hecho, deben hacerlo en cuanto puedan. Pensemos en la banda sonora de Isaac Hayes para Shaft, añadamos matices más intensos de jazz y obtendremos Black Byrd. Y, para más burla de los ya agraviados, incluso cuenta con sintetizadores. Blue Note había entrado en un nuevo y atrevido mundo.

Black Byrd es tan revolucionario como las grabaciones de The Jazz Messengers de mediados de la década de 1950 o de Herbie Hancock a comienzos de la de 1960, lo que plantea un problema para algunos aficionados al jazz que consideran que su música no debe cambiar: un modo de pensar que no es exclusivo de ellos. Byrd casi parece adoptar un papel secundario con relación al sonido global del disco, aunque cuando se pone en primer plano ejecuta unos solos tan hermosos como los que uno esperaría de un trompetista con el talento y la experiencia de llevar grabando desde mediados de la década de 1950. Joe Sample, de The Jazz Crusaders, es un músico esencial para el tono del disco, del mismo modo que lo es la flauta de Roger Glenn, la cual hace patente la época en la que se grabó el disco. La inclusión de voces en el jazz fue otro punto negativo para algunos puristas, aunque estas resultan perfectas, sobre todo en la pieza que da título al disco, en especial cuando se suman al funk y al blues de la guitarra de David T. Walker, quien acababa de salir de la grabación de Let’s Get It On con Marvin Gaye.

1 - Flight Time
2 - Black Byrd
3 - Love's So Far Away
4 - Mr. Thomas
5 - Sky High
6 - Slop Jar Blues
7 - Where Are We Going?

Donald Byrd (trompeta, fliscorno, trompeta eléctrica, voz principal) ; Fonce Mizell (trompeta, voces); Allen Curtis Barnes (flauta, oboe, saxos); Roger Glenn (saxos, flautas); Kevin Toney (piano); Freddie Perren (piano, sintetizador, voces); Joe Sample (piano, piano eléctrico); Dean Parks, David T. Walker, Barney Perry (guitarras); Chuck Rainey, Wilton Felder, Joe Hill (bajos); Harvey Mason, Sr., Keith Killgo (baterías); Bobbye Hall Porter, Perk Jacobs, Stephanie Spruill (percusiones); King Errisson (conga, bongó, pandereta); Larry Mizell (voces, arreglos)

The Sound Factory, Los Ángeles, California, 3 y 4 de Abril; 24 de Noviembre de 1972

16 de febrero de 2017

Blue Note #56 - Elvin Jones

Elvin Jones
The Ultimate

La mayor contribución del jazz a la música ha sido la sustitución de la función del director por la de un miembro del conjunto, el cual, en lugar de mover los brazos para marcar el tempo y el tono, es un elemento activo de la declaración musical. Ese miembro es la batería.
**Elvin Jones**

Elvin Jones había participado por primera vez en un disco de Blue Note hacía más de una década cuando tocó en The Magnificent Thad Jones, el disco de su hermano mayor, que se lanzó en 1956. Como miembro del grupo de John Coltrane, grabó un gran número de sesiones para muchos de los habituales de la discográfica hasta su debut como líder de grupo, que tuvo lugar cinco meses antes que este, su segundo disco. La considerable habilidad de Jones hizo que la revista Life lo describiese como “el mejor batería rítmico del mundo”, y este excelente álbum da muestras de su destreza de tacto, dinámica y sublime fraseo.

Tres de las seis piezas están compuestas por el bajista Jimmy Garrison. Todas son magníficas, en especial “What Is This?”. Dada la formación de trío, es inevitable que Joe Farrell esté en un primer plano en todos los temas, aunque cuando se le suman el saber hacer de Garrison y Jones y las brillantes técnicas de grabación de Rudy Van Gelder, los tres músicos tienen una presencia equiparable.

En mi opinión, los mejores temas son “Yesterdays”, un estándar que tenía treinta y cinco años cuando se grabó y en el que el solo de Garrison es toda una revelación, y la maravillosa “We’ll Be Together Again”, en la que destaca la exquisita flauta de Farrell. Esta pieza de 1945 es otro clásico; fue compuesta por Carl T. Fischer y Frankie Laine le añadió la letra; la grabaron originalmente The Pied Pipers, el grupo vocal con la big band de Tommy Dorsey.

Joe Farrell había debutado el año anterior con Blue Note en el disco de Stanley Turrentine denominado A Bluish Bag. Tras haber tocado con el grupo de Maynard Ferguson durante gran parte de la década de 1960, pasó a grabar con un elenco de músicos de otro tipo, desde los Bee Gees, durante su época disco, a The Band. Para el bajista Garrison, que era miembro del grupo de John Coltrane, esta era su segunda participación en una grabación de Blue Note; la primera había tenido lugar casi una década antes, cuando tocó con Jackie McLean.

1 - In The Truth
2 - What Is This?
3 - Ascendant
4 - Yesterdays
5 - Sometimes Joie
6 - We'll Be Together Again


Joe Farrell (saxo tenor, saxo soprano, flauta), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 6 de Setiembre de 1968

13 de febrero de 2017

Blue Note #55 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Total Eclipse

Experimenté con el cambio de intervalos en mi música, haciendo segundas y terceras en lugar de cuartas y quintas. Creé un sondo distinto de las típicas líneas de jazz. Los intervalos quedaban abiertos… Harold los comenzó a tocar también de modo que pudiéramos hacer que rebotaran entre sí.
**Bobby Hutcherson, 2013**

Este es un curioso disco de Bobby Hutcherson, quien había grabado con Blue Note desde 1963, año en el que debutó con Jackie McLean en su One Step Beyond. El primer álbum del vibrafonista como líder apareció a finales del mismo año en el que grabó Dialogue, de tendencia vanguardista. En este, su quinto disco para Blue Note, Hutcherson experimentó con un estilo de jazz moderno más estructurado.

Cuatro de las cinco piezas están compuestas por Hutcherson; “Matrix” es obra de Chick Corea, lo que supone una de las escasas participaciones que llevó a cabo el músico en Blue Note. Antes de esta sesión, había grabado un disco con Donald Byrd, otros con Blue Mitchell y un par bajo su propio nombre para otras discográficas. Este disco también recoge la primera colaboración entre Hutcherson y Harold Land, flautista que se convertiría en cómplice habitual durante los años siguientes.

Aunque ninguna de las piezas del álbum de debut de Hutcheron es obra suya, durante esta época ya era un diestro compositor, de lo que da fe la ambiciosa “Pompeian”, con la que se cierra el disco. La flauta de Land en este tema resulta en especial sorprendente, mientras que su saxofón tenor en “Same Shame”, donde se alía con la brillante fluidez de Hutcherson, hace que esta pieza destaque.

La sesión de grabación de Total Eclipse, uno de los pocos discos que durante más de una década no se encargó de grabar Rudy Van Gelder, se realizó durante casi un año, cuando Blue Note fue propiedad de Liberty Records. La portada tampoco es obra de Reid Miles, lo cual resulta bastante evidente. En lugar de ser una de las excepcionales obras de Blue note, el diseño bien podría haber pertenecido a cualquier discográfica de primera línea. Está claro que un diseñador puede marcar la diferencia.

1 - Herzog
2 - Total Eclipse
3 - Matrix
4 - Same Shame
5 - Pompeian

Bobby Hutcherson (vibráfono), Harold Land (saxo tenor, flauta), Chick Corea (piano), Reggie Johnson (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Plaza Sound, Nueva York, 12 de Julio de 1968

2 de febrero de 2017

Blue Note #54 - McCoy Tyner

McCoy Tyner
The Real McCoy

La música de McCoy Tyner posee una fuerza interior y una firme sensación de autocontrol que le han permitido tocar registros muy variados, desde los vuelos en espiral de Coltrane hasta el volcán que es Art Blakey, y, con todo, nunca ha perdido un ápice de su identidad.
**Nat Hentoff, notas del LP original**

Ya desde el comienzo, “Passion Dance”, con un sonido de piano y un estilo compositivo característicos, no deja lugar a dudas de que el que toca es McCoy Tyner, quien hizo que el tema recordase a una danza de los indios nativos norteamericanos. Su excepcional forma de pasar por los cambios y los engranajes de la pieza sigue siendo tan emocionante como cuando se grabó, en un momento relativamente temprano de su carrera como líder de grupo.

Tyner ya había grabado con Blue Note en Junio de 1960 como parte del quinteto que participó en el disco Open Sesame, de Freddie Hubbard. En el período entre un disco y otro, tocó como músico de acompañamiento en álbumes de toda una serie de estrellas de Blue Note, así como en The John Coltrane Quartet durante gran parte del tiempo. Aunque este fue el debut de Tyner como líder en Blue Note, los seis álbumes que había grabado con Impulse! le sirvieron para labrarse una reputación como compositor.

Los cinco temas de The Real McCoy son de Tyner, y, cuando se lanzaron, Alfred Lion comentó lo siguiente: “Es lo que uno considera una sesión de jazz puro. No hay la más mínima concesión a cuestiones comerciales”. El pianista, según afirma Coltrane, “tenía gusto”, lo que se pone de manifiesto en sus composiciones. Cada una de las piezas ofrece una perspectiva muy distinta del jazz, y puede decirse que constituyen un disco –mejorado con la interpretación de Joe Henderson al saxofón tenor– que no tiene ningún tema que pueda considerarse malo. Elvin Jones había tocado junto a Tyner durante la época que pasó en el grupo de Coltrane, y tanto él como Carter aportaron cohesión a la música, a la que le dieron una plataforma estable tanto con el saxofón como con el piano de fondo.

“Search For Peace”, según Tyner, trataba de “darse al universo”, mientras que en la última pieza, “Blues On The Corner”, presentaba recuerdos de su infancia en Filadelfia: “A algunos chicos a los que conocía les gustaba andar por las esquinas; es una evocación musical de esa imagen, de jóvenes hablando, haciendo el tonto y bromeando”.

1 - Passion Dance
2 - Contemplation
3 - Four By Five
4 - Search For Peace
5 - Blues On The Corner

McCoy Tyner (piano), Joe Henderson (saxo tenor), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Abril de 1967

28 de enero de 2017

Blue Note #53 - Big John Patton

Big John Patton
Let 'Em Roll

Todo lo que sé lo aprendí del Lloyd. Depositó en mí las labores de segundo a bordo y de líder, lo cual supuso toda una experiencia.
**Big John Patton con relación a su primer líder, la estrella del Rhytm & Blues Lloyd Price**

Como solía hacerse en Blue Note, Big John Patton debutó en el disco de un músico con más experiencia en la discográfica, en este caso en el álbum que lanzó Lou Donaldson en 1962 con el título de The Natural Soul. A este le siguieron varias colaboraciones en otras sesiones antes de debutar como líder, en Abril de 1963, con el disco Along Came John, cuyo título (que se traduciría como “Y entonces llegó John”) resulta muy apropiado para el caso. Para cuando grabó Let ‘Em Roll, en Diciembre de 1965, la actividad del propio organista, de treinta años de edad, era febril, ya que había grabado otros tres discos hasta aquel momento en un período que se conoció como “la edad de oro del Hammond B3”.

Entonces, Jimmy Smith había firmado con Verve, y Patton se había convertido en el organista contratado por Blue Note; con todo, sería un error considerarlo una especie de sucedáneo o sustituto de Smith. Patton tenía su propio estilo: su forma de tocar era más melódica, se basaba más en acordes y tenía menos staccato que la de su predecesor. En este disco se hace patente su característica mezcla de soul y jazz, que, gracias a la interpretación de Hutcherson, da lugar a un vibráfono realmente agradable.

Además de la versión del estándar “Shadow Of Your Smile” y de “The Turnaround”, de Hank Mobley, las otras cuatro piezas del disco están compuestas por Patton. En mi opinión, estos son los temas más destacables, sobre todo la excelente combinación de swing y blues de “Jakey” y la apasionada “One Step Ahead”. Aunque Patton controla las líneas de bajo con los pedales del órgano, es Green, autor de varios discos en los que colaboró Patton, el que incorpora parte de sus innovaciones guitarrísticas y realza las sensaciones de la música.

La conjunción de órgano, vibráfono y guitarra hace que este disco esté repleto de luces y sombras, lo cual es en parte responsable de que resulte tan memorable.

Sólo para que quede claro, Big John Patton no era en realidad tan grande: medía un metro y ochenta centímetros y pesaba unos ochenta kilos. Su apodo procede de la canción “Big Bad John”. Con todo, sí hay algo de cierto: tenía un gran sonido cuando tocaba, redondo y pleno e infinitamente agradable. Mientras que Jimmy Smith admitía que escuchaba a los músicos de viento para dar forma a sus solos, Patton se inclinaba por lo pianístico.

1 - Let 'Em Roll
2 - Latona
3 - The Shadow Of Your Smile
4 - The Turnaround
5 - Jakey
6 - One Step Ahaed

John Patton (órgano), Bobby Hutcherson (vibráfono), Grant Green (guitarra), Otis Finch (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 11 de Diciembre de 1965

26 de enero de 2017

Blue Note #52 - Cecil Taylor

Cecil Taylor
Unit Structures

La energía del sonido rítmico en la amplitud de cada unidad de tiempo. La medida del tiempo como materia abstraída de la mente, símbolos transformados a través del director, del agente que habla en ángulos.
**Cecil Taylor, notas del LP original**

Aquel que crea que el disco con el que debutó Cecil Taylor en Blue Note es difícil, debería intentar leer las notas que redactó el compositor y pianista del disco: le desconcentrarán aún más. Fue Thelonious Monk quien afirmó, no sin razón,  lo siguiente: “Todos los músicos son, de manera inconsciente, matemáticos”. Sobre esta base, a Taylor deberían concederle el ficticio Premio Nobel de Matemáticas Avanzadas.

Su disco, que supuso un salto cuántico para el jazz, es uno de los máximos exponentes de la vanguardia. Sin embargo, bajo lo que para algunas personas puede parecer caótico, hay una urdimbre musical que la inusual mente de Taylor ha calculado con meticulosidad.

Este disco no es sólo complejo: se trata de jazz duro, discordante y anguloso hasta el extremo. Taylor había recorrido un largo camino desde sus iniciales y más convencionales inclinaciones post bop. Taylor y Jimmy Lyons habían tocado juntos desde 1961, y con la incorporación posterior de Andrew Cyrille, dieron forma al núcleo del grupo: The Unit. Eddie Gale Stevens hijo, más conocido como Eddie Gale, había tocado con Sun Ra, por lo que sus credenciales vanguardistas eran muy buenas. El bostoniano Ken McIntyre fue otro prolífico compositor que había dirigido sus propios grupos y grabado varios discos, entre ellos uno con aires de jazz experimental junto a Eric Dolphy para Prestige.

Una de las ideas fundamentales de la filosofía de Taylor es que los músicos debían tener libertad para seguir sus propias emociones con independencia de todas las reglas establecidas. Según sus notas metafísicas, los músicos son, en esencia, los portadores de la expresión musical, y su “arriesgada” música llega o no llega a las personas. Al que escribe nunca se le han dado bien las matemáticas.


1 - Steps
2 - Enter, Evening (Soft Line Structure)
3 - Enter, Evening (alternate take)
4 - Unit Structure / As of a Now / Section
5 - Tales (8 Whisps)


Cecil Taylor (piano, campanas); Eddie Gale Stevens Jr. (trompeta); Jimmy Lyons (saxo alto); Ken McIntyre (saxo alto, oboe, clarinete bajo); 
Henry Grimes, Alan Silva (contrabajos); Andrew Cyrille (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Mayo de 1966

18 de enero de 2017

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson
Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.
**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos destacables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade
2 - Mode for Joe
3 - Black
4 - Caribbean Fire Dance
5 - Granted
6 - Free Wheelin'
7 - Black (alternate take)


Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966