23 de julio de 2016

Blue Note #28 - Donald Byrd


Donald Byrd
A New Perspective

Debido a mis propias experiencias, siempre he querido componer un álbum entero de piezas de tipo espiritual. Lo más acertado que se puede decir respecto a lo que intentamos hacer es que es un himnario moderno
**Donald Byrd, 1963**

Este disco parte de la nada y, a decir verdad, el coro de góspel da pocas indicaciones de hacia dónde nos conduce la música. No obstante, en cuanto entra la banda, uno desea ir allí donde lo lleve.
Como elegía a los padres de Byrd, se trata de un álbum espiritual. Cuando el trompetista Clifford Brown murió en Junio de 1956, con sólo veinticinco años de edad, Byrd asistió a su funeral, tras lo cual escribió lo siguiente: “El respeto, el honor y la admiración no se reducen ni mueren con el funeral. En todo caso, aumentan. Nada se pierde en cuanto al amor y la devoción; de hecho, se intensifica, ya que apenas logra verse la totalidad”. Byrd no pudo asistir a los funerales de sus padres, y en este disco, a pesar de sus palabras, existe una fuerte sensación de pérdida y lamento en la música, hecho que funciona a todos los niveles.

El disco comienza con la pieza que abre el álbum, “Elijah”, que cuenta con unas maravillosas guitarras swing de Kenny Burrell; además, el himno que supone “The Black Disciple” –compuesta, al igual que la anterior, por Byrd- ayuda a dar forma a esa “totalidad” de la que hablaba. La otra pieza acreditada de Byrd es “Beast Of Burden”, un conmovedor tema de diez minutos en el que todos los músicos tienen su espacio para lucirse con un solo, sobre todo un Herbie Hancock de veintidós años, que poco después se uniría al cuarteto de Miles Davis.

Duke Pearson, quien se encargó de los arreglos de toda la sesión, es el responsable de otros dos temas. “Cristo Redentor” es, de hecho, muy especial: es la pieza que llevó a muchos jóvenes de la década de 1960 amantes del rock a explorar el jazz. Tras dos minutos de música, entra la trompeta de Byrd en el que es uno de los momentos más arrebatadores de jazz.

Este fue el décimo disco que grabó Donaldson Toussaint L’Ouverture Byrd con Blue Note y, de hecho, su más lograda grabación hasta el momento. A New Perspective, un trabajo más coherente que los anteriores, es sencillamente memorable y se sitúa en un nivel superior. Por aquel entonces, Byrd tenía sensación de que el jazz estaba perdiendo el contacto con la cultura negra contemporánea, y este disco fue su intento de solucionarlo. Funcionó

1 - Elijah
2 - Beast Of Burden
3 - Cristo Redentor
4 - The Black Disciple
5 - Chant

Donald Byrd (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Donald Best (vibráfono), Kenny Burrell (guitarra), Herbie Hancock (piano), Butch Warren (contrabajo), Lex Humphriex (batería), Coro dirigido por Coleridge 

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 12 de Enero de 1963

16 de julio de 2016

Blue Note #27 - Kenny Burrell

Kenny Burrell
Midnight Blue

Siempre he adorado el blues. En mis comienzos en Detroit toqué con grupos que daban mucha importancia al blues. Para esta sesión, quise reunir un grupo que sintiese esta música del mismo modo que yo.
**Kenny Burrell, notas originales, 1963**

Este es el disco perfecto para demostrar que el jazz y el blues son mucho más que “primos hermanos”. De hecho, resulta tentador pensar que B. B. King tenía este disco en mente cuando afirmó lo siguiente: “ El jazz es el hermano mayor del blues. Cuando alguien se dedica a tocar blues como nosotros es como si estuviese en secundaria. Cuando empieza a tocar jazz, es como si entrase en la universidad”. Ya desde la primera canción queda clara la popularidad de este disco cuando se publicó, la cual no ha menguado desde entonces. Rebosa la sofisticación de principios de la década de 1960, como si fuera la banda sonora de un filme de amores truncados ambientada en el Upper West Side de Manhattan. ¡Sencillamente precioso!

Se ha disco de este disco que es el más elegante que lanzó la discográfica, afirmación de la que no se puede disentir. Desde el inicio de “Chittlins Con Carne”, con el énfasis centrado en los lejanos vientos de Turrentine y en las respuestas de la guitarra de Burrell, queda claro que es la melancolía personificada. A excepción de “Mule”, compuesta por Major Holley (cuyo apodo era Mule, “la Mula”), y de “Gee Baby Ain’t I Good To You”, que es un estándar firmado por Andy Razaf y Don Redman, todas las piezas son composiciones originales de Burrell. El momento más íntimo  y personal del disco es su solo de guitarra en “Soul Lament”. Nunca se impone la dulzura con la que toca Turrentine en todo momento, sino que siempre se trata de un elemento que complementa a los demás. Esta fue la primera, y casi única, sesión de Bill English y Major Holley para Blue Note.

De una forma poco habitual, la primera aparición de Burrell como líder en Blue Note tuvo lugar en 1956, con el disco que llevaba el apropiado título de Introducing Kenny Burrell: lo inusual de este hecho es que la mayoría de los músicos solían ejercer como acompañantes antes de dirigir sus propias sesiones. Por aquel entonces sólo contaba veinticuatro años, aunque llevaba tocando desde que era adolescente, período en el que debutó con el grupo de Dizzie Gillespie. Antes de debutar con Blue Note estuvo de gira con el trío de Oscar Peterson –lo que da fe de su talento-, y entre aquella y esta sesión, grabó quince discos, de los cuales seis fueron para Blue Note.

1 - Chitlins Con Carne
2 - Mule
3 - Soul Lament
4 - Midnight Blue
5 - Wavy Gravy
6 - Gee Baby, Ain't I Good To You
7 - Saturday Night Blues
8 - Kenny's Sound
9 - K Twist

Kenny Burrell (guitarra), Stanley Turrentine (saxo tenor), Major Holley, Jr. (contrabajo), Bill English (batería), Ray Barretto (conga)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 8 de Enero de 1963.

9 de julio de 2016

Blue Note #26 - Jimmy Smith

Jimmy Smith
Back At The Chicken Shack

Después de conducir un rato, hallamos la granja de uno de los amigos de Jimmy. Era un típico día de pleno verano, con calor y muchas moscas. La granja era muy colorida; había una gran variedad de gallos y gallinas y el perro moteado de rigor. Jimmy se sentó y la cámara de Francis Wolff  hizo el resto.
**Ira Gitler, notas originales, 1963**

Lo más sorprendente de este álbum es que tardase tanto en aparecer. Cuando vio la luz, en 1963, Billboard se refirió a él como “un enérgico álbum”, pero para aquel entonces Jimmy Smith ya había firmado con Verve Records. Dos meses después el álbum alcanzaba el n.º 1 de la lista Disco de Jazz Más Vendido y se encontraba entre los 20 álbumes más vendidos sin distinción de género.
Grabado después de que dos años antes Jimmy Smith hubiera ganado su primera votación de Down Beat en la categoría de “instrumentos variados” por parte de los lectores, este disco es un excelente ejemplo de maestría al Hammond B3. Aunque Stanley Turrentine aporta un excelente “color” al sonido en su conjunto y Kenny Burrell está en plena forma, Smith es quien en realidad destaca con su demostración de todos los puntos fuertes del órgano desde el registro más sutil al agresivo. Back At The Chicken Shack lo tiene todo.
Aunque contiene material que se grabó en la misma sesión que dio lugar al anterior Midnight Special (BN 4078), este disco es el mejor de los dos. Este álbum estableció las normas del funky jazz y sirvió de inspiración para muchos. LA interpretación de “Messy Bessie” rebosa emoción, sobre todo por parte de un Turrentine de veintiséis años, que aún no había debutado como líder de grupo con Blue Note, lo que sucedería dos meses después con la grabación de Look Out!
Tras el lanzamiento a modo de single del tema que da título al disco en dos caras de un 45 rpm, este sonó mucho en la radio, lo que se convirtió en uno de los factores del éxito de ventas que fue. Se trata de un excelente y conmovedor blues cuya segunda mitad cuenta con la bendición de la fabulosa guitarra de Burrell, la cual mejora el estilo de una forma considerable.

1 - Back At The Chicken Shack
2 - When I Grow Too Old To Dream
3 - Minor Chant
4 - Messy Bessie
5 - On The Sunny Side Of The Street

Jimmy Smith (órgano), Stanley Turrentine (saxo tenor), Kenny Burrell (guitarra), Donald Bailey (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Abril de 1960

2 de julio de 2016

Blue Note #25 - Freddie Hubbard


Freddie Hubbard
Hub-Tones

El trompetista Freddy Hubbard nos brinda el que es su LP más intenso hasta la fecha. Su formidable técnica resulta única, aunque no deja de tener relación con la de otros grandes trompetistas de jazz.
**Billboard, diciembre de 1963**

En la portada original del disco figura una línea de las notas libreto, que proporciona una idea muy clara del trompetista, sus compañeros músicos y este excelente disco: “El estilo de Hubbard constituye una inusual combinación de elementos mezclados con una coherencia extraordinaria”. El hecho de que este fuera su sexto álbum, grabado poco más de dos años después con su debut con Blue Note (e incluida una grabación con Impulse!), da una idea tanto de su ritmo de trabajo como de su popularidad. Por razones evidentes, Hub-Tones figura en muchas listas de los discos imprescindibles del jazz. Si no lo ha escuchado, concédase un tiempo y póngase a ello.

La participación de Hubbard era muy solicitada: había grabaciones también con Tina Brooks, Hank Mobley, Kenny Drew, Jackie McLean, Dexter Gordon, Art Blakey and The Jazz Messengers -grupo con el que tocó a tiempo completo-, y Herbie Hancock durante los dos años transcurridos entre su debut y este disco. Freddie también figuró en el álbum de debut de Hancock, que se había grabado escasos meses antes para Blue Note, cuando el pianista sólo contaba veintidós años de edad.

Es un disco realmente impresionante cuyo protagonismo recae en el jazz modal, interpretado por una alineación estelar que incluyó al joven James Spaulding al saxofón alto y a la flauta. Tras unas primeras grabaciones con Sun Ra’s Arkestra, Spaulding participó como músico de acompañamiento en varias grabaciones para Blue Note.

Una de las piezas más destacadas es “Lament For Booker”, dedicada al trompetista Booker Little, que había fallecido a causa de un fallo renal casi un año justo ante de la sesión para Hub-Tones. Tras la conmovedora flauta de Spaulding con la que se abre la pieza, Hubbard hace uso de un suave y abierto fraseo con un poco de frenesí y con el que evoca una hermosa y agridulce atmósfera.

“For Spee’s Sake” comienza con una floritura del siempre ajetreado bajo de Workman antes de que Hubbard y el siempre impresionante Clifford Jarvis entablen un diálogo con sus instrumentos. Además, cuenta con un excelente solo de piano de Herbie Hancock.

1 - You're My Everything
2 - Prophet Jennings
3 - Hub Tones
4 - Lament For Booker
5 - For Spee's Sake
6 - You're My Everything (alternate take)
7 - Hub Tones (alternate take)
8 - For Spee's Sake (alternate take)

Freddie Hubbard (trompeta), James Spaulding (saxo alto, flauta), Herbie Hancock (piano), Reggie Workman (contrabajo), Clifford Jarvis (batería)

RudyVan Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Octubre de 1962

26 de junio de 2016

Blue Note #24 - Dexter Gordon


Dexter Gordon
Go!

¿Ha salido ya el nuevo disco? Recibí la carátula del álbum que me enviaste. Es muy elegante. Además, mientras escuchaba un programa de jazz en Londres, me mencionaron al hablar de los artistas que se habían dedicado a la bossa nova, por lo que pensé que ya había salido a la venta.
**Carta de Dexter Gordon a Alfred Lion, 17 de diciembre de 1962**

Era Mayo de 1961 cuando un Dexter Gordon de veintiocho años visitaba Nueva York por primera vez desde hacía más de una década. Durante su estancia en la ciudad grabó dos discos con Blue Note. El saxofonista con influencias de Lester Young regresó al año siguiente para grabar Go!, su tercer LP con Blue Note, que, según comentó, era su favorito. Para Dexter, esta sección rítmica era “lo más cerca que se puede estar de la perfección”, y lo cierto es que no existen argumentos para discutírselo. Siempre en su lugar, los músicos encargados del ritmo proporcionaban al saxo el terreno perfecto sobre el que improvisar, y solía hacerlo ligeramente a contratiempo, como era habitual. Para el saxofonista, Smilin’ Billy era el baterista con más swing del mundo.

Dexter pasó un tiempo en una especie de desierto musical en California, en parte a causa de estar involucrado en delitos de drogas. Las sesiones para Blue Note marcaron un hito y ayudaron a que se restableciera su reputación como viustuoso, ya que era un saxofonista con una excepcional capacidad para ir de unos enormes tonos graves hasta las notas altas sin ningún esfuerzo aparente. La forma de tocar de Dexter, sobre todo en “Three O’Clock In The Morning” y en “I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry”, es muy interesante; además, de la segunda pieza se puede decir que es de aquellas que uno puede poner a la gente para que desaparezca el miedo al jazz. “Second Balcony Jump”, cuyo lúgubre título puede traducirse por “Salto Desde El Segundo Piso”, es una tensa pieza de medio tiempo en la que tanto Dexter como el pianista Sonny Clark tienen la oportunidad de explayarse. El fraseo de Gordon es perfecto y, para muchos, este es el responsable de que Go! sea su disco favorito del saxofonista tenor. Antes del lanzamiento del álbum, Dexter se marchó a Europa, donde permaneció la mayor parte de los siguientes quince años, dividido entre París y la ciudad que consideró su hogar: Copenhague. No dejó de grabar con Blue Note Records.

Dexter escribió a Alfred Lion desde Londres en Setiembre de 1962 para sugerirle que el álbum se titulase Very Saxily Yours, un juego de palabras que aprovechaba la similitud fonética de “sex” (sexo) y “sax” (saxo). En la carta de respuesta, Alfred decía lo siguiente: “Aunque es un título muy seductor (very sexy), tendré que dejarlo para otra ocasión, ya que la producción del disco está muy avanzada”.

1 - Cheese Cake
2 - I Guess I'll Hang My Tears Out to Dry
3 - Second Balcony Jump
4 - Love for Sale
5 - Where Are You
6 - Three O'Clock in the Morning

Dexter Gordon (saxo tenor), Sonny Clark (piano), Butch Warren (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Agosto de 1962

18 de junio de 2016

Blue Note #23 - Jackie McLean


Jackie McLean
Let Freedom Ring

Enorgullece decir que mi currículum musical procede de las universidades de Bud Powell, Miles Davis, Charles Mingus, Art Blakey y, por supuesto, Bird. Gran parte de mis inicios en el jazz transcurrieron en la casa de Monk, que ha sido un estimado amigo durante años.
**Jackie McLean, notas de Let Freedom Ring**

Tres de las piezas son composiciones originales de McLean, y “I’ll Keep Loving You” la firma Bud Powell. Las cuatro fabulosas, y la forma de tocar del saxofonista está dominada por la inspiración, motivo por el cual este disco levanta justificadas pasiones. Desde los primeros compases de “Melody For Melonae”, con la batería de Higgins sonando como si la tuviéramos en la misma habitación, uno sabe que está ante algo especial y con una diferencia sustancial respecto a las demás sesiones de Blue Note de aquella época.
La influencia de Ornette Coleman puede percibirse a lo largo de todo Let Freedom Ring. Aunque Higgins se graduó en el grupo de Coleman, este es un excepcional disco post bop que cuenta con elementos de vanguardia y da la sensación de construir un nexo entre lo antiguo y lo nuevo. A pesar de estos elementos vanguardistas, su música se sumerge en las raíces del blues: las dos piezas de la cara 2 del álbum original están basadas en el antiguo modelo de los doce compases.
McLean ya había grabado nueve discos para Prestige antes de debutar con Blue Note en 1959 con New Soleil. Let Freedon Ring era el séptimo álbum que grababa con la discográfica, todo ello con el prodigioso dato de que sólo tenía treinta años por aquel entonces. En su primera sesión para Blue Note, en 1952, había tocado para Miles Davis cuando le quedaba una semana para cumplir los veintiún años.
Como rareza en comparación con los demás discos de Blue Note de la época, este cuenta con las notas del propio McLean, las cuales, por cierto, son muy buenas e instructivas. Aunque era del todo consciente de su situación en el olimpo del jazz, hay algo que deja bien claro: su humildad. McLean ejerció más adelante como profesor y fundó su propio colectivo de músicos.

1 - Melody For Melonae
2 - I'll Keep Loving You
3 - Rene
4 - Omega

Jackie McLean (saxo alto), Walter Davis, Jr. (piano), Herbie Lewis (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Marzo de 1962

10 de junio de 2016

Blue Note #22 - Stanley Turrentine


Stanley Turrentine & The Three Sounds
Blue Hour 

La “Hora Triste” (“Blue Hour”) es el momento por la mañana tremprano en el “te aproximas a la almohada en la que solía apoyar tu pareja”, como dice la letra de la canción de Rubberlegs Williams, y te das cuenta de que no está.
**Ira Gitler, notas del LP original**

Stanley Turentine grabó con The Three Sounds, justo once días antes de su debut, Look Out!, el 18 de junio de 1960, aunque estas piezas aún no se habían lanzado por aquel entonces. Este, su segundo disco con Blue Note como líder, se grabó seis meses después. La primera vez que Blue Note lo invitó fue para tocar en una sesión con Dizzy Reece que se celebró a comienzos de abril de 1960, tras lo cual volvió ese mismo mes para participar en una sesión con Jimmy Smith. A pesar de la cronología de la grabación, la discográfica había publicado varios álbumes con Turrentine antes de este; en realidad, era la nueva sensación del saxofón.
Una vez que comienza el disco, a uno se le puede perdonar que crea estar escuchando una sesión de The Three Sounds: aunque transcurre un minuto y veinticinco segundos antes de que suene la dulzura del tenor de Turrentine, una vez que empieza, capta toda la atención con la suavidad de su tono. Se trata del súmmum del seductor y sexy jazz de la madrugada. Este disco es, en esencia, una auténtica y exitosa colaboración entre Turrentine y el trío. El piano blues de Gene Harris es el ropaje perfecto para el saxofón tenor. “Blue Riff”, de Gene Harris, además de ser la única composición original del disco, también es la única que en realidad se aleja del, estilo de balada de las demás. El hecho de que con ella se cierre la cara 1 demuestra cuán importante era la idea de “programar” un disco ya por aquel entonces. Alfred Lion y todos los músicos de Blue Note se habrían estremecido ante la idea de una disposición aleatoria de las composiciones. El grupo firma una estupenda versión instrumental del clásico “Since I Fell For You”, compuesto en 1945 por Buddy Johnson. “Willow Weep For Me”, la otra pieza de la cara 2, sirve como perfecto complemento a la anterior. Cuesta creer que exista una cara más apasionada en ningún otro disco de Blue Note.
En la fotografía de la portada de Blue Hour, realizada por Francis Wolff, aparece una interesante visión del nuevo estudio de Van Gelder y, con una gran dosis de magia, transmite la sensación de los cuatro músicos perfectamente coordinados en un ambiente preparando sus propias artes alquímicas.  

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Nota 1.
A propósito de la foto utilizada para la portada de Blue Hour, cuenta Havers en la página 166, detalles sobre los estudios de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs:
En Julio de 1959 se produjo un cambio importante en la discográfica: un nuevo estudio con la última tecnología sustituyó al cuarto de estar de Rudy Van Gelder en Prospect Avenue, en Hackensack. A VanGelder se le había quedado pequeño el sitio, y en 1957 había comenzado a pensar en construir otro nuevo. Para ello, se inspiró en la obra del arquitecto Lloyd Wright, cuyos diseños y maquetas a gran escala había vistop con su esposa en el neoyorquino Museum Of Modern Art.
Wright y un grupo de arquitectos habían elaborado el concepto de “casas usonianas”: unas bellas y asequibles viviendas erigidas con materiales que no eran caros y que tenían un estilo orgánico. Uno de los integrantes de dicho grupo, David Henken, había construido algunas casas cerca de Mount Pleasant. Tras conocer a Van Gelder, no tardaron en comenzar a hablar de la edificación de una casa y un estudio a un precio que el técnico pudiera asumir.
A finales de 1958 y con los planos proyectados, Van Gelder, gracias a Henken, halló un constructor que se encargó de gran parte de la carpintería de obra, incluida la de la cubierta de vigas del estudio, de casi doce metros de altura. Esta estructura de estilo catedralicio se fabricó en Portland, Oregón, y después se trasladó a Nueva Jersey donde, para construirla, se necesitó una grúa de unos veintisiete metros.
Ira Gitler describió así, el nuevo estudio: “En el estudio de Rudy Van Gelder, con su elevado techo, sus vigas de madera, sus azulejos y su austero vanguardismo, uno tiene la sensación casi de religión; un templo de la música religioso sin sectarismos ni organizaciones en la que el sonido y el espíritu parecen poder elevarse sin obstáculos”. De hecho no había azulejos, sino bloques de cemento con un pigmento amarronado.

Nota 2. 
Se presenta aquí la totalidad de los registros que formaron parte de las dos sesiones que insumieron esta grabación, liberadas por Blue Note en 2000 en formato de doble CD. 
Sólo el CD1 contiene los registros aparecidos en el LP original. Según el crítico Ken Dryden, la decisión de Alfred Lion, el productor del disco, en cuanto a retener de la mayor parte, fue correcta. Si bien todo lo registrado es de altísima calidad, los ocho temas extras que reúne esta colección no reflejaban el clima que se quería captar en Blue Hour. Para Dryden en realidad, se trató de un merecido homenaje a Stanley Turrentine y a Gene Harris, ambos fallecidos en el año de edición del doble CD y ambos partícipes de esta excelente pieza de la historia en el mundo del jazz.


Stanley Turrentine & The Three Sounds
Blue Hour · The Complete Sessions

CD 1
1 - I Want A Little Girl
2 - Gee Baby, Ain't I Good To You
3 - Blue Riff
4 - Since I Fell For You
5 - Willow Weep For Me

CD 2
1 - Blues In The Closet
2 - Just In Time
3 - Gee Baby, Ain't I Good To You (alternate take)
4 - Where Or When
5 - Blue Hour
6 - There Is No Greater Love
7 - Alone Together
8 - Strike Up The Band

Stanley Turrentine (saxo tenor), Gene Harris (piano), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey 29 de Junio y 16 de Diciembre de 1960