Gigi Gryce - Una joya del '55

Gigi Gryce fue uno de los grandes héroes anónimos de la era post-bebop de la década de 1950. Nacido como George General Grice Jr. en Pensacola, Florida el 28 noviembre 1925, inició sus estudios musicales como clarinetista antes de cambiarse al saxo alto. Interesado en la teoría musical, comenzó a especializarse en composición en la Universidad de Boston en 1948 y luego en París donde se graduó como discípulo de Arthur Honegger y Nadia Boulanger, en 1952.

Al volver a Nueva York, integró la sección de saxos de la banda de Lionel Hampton, en la cual conoció a varios colegas claves de su carrera como Clifford Brown, Art Farmer, Quincy Jones y Jimmy Cleveland. En 1955 fundó su propia editorial, Melotone Music, convirtiéndose en un firme defensor y activista de los derechos de los compositores y músicos, colaborando con muchos de sus colegas, ayudándolos a mantener el control sobre sus obras en lugar de ser aprovechados por las compañías discográficas.

Aunque notable, su carrera musical no fue extensa. Después de trabajar independientemente —entre 1954 y 1955—, Gryce formó parte de los grupos de Oscar Pettiford —entre 1955 y 1957—, dirigió el célebre Jazz Lab Quintet —entre 1955 y 1958—, y formó un quinteto con Richard Williams desde 1959 hasta 1961, año en el cual se convirtió al Islam, cambiando su nombre por el de Basheer Qusimy.

A partir de entonces, misteriosamente —quizá debido a dificultades financieras—, dejó de tocar y centró toda su atención en la docencia. Recibió una maestría en educación musical de la Universidad de Fordham y pasó el resto de su vida trabajando en escuelas públicas enseñando a estudiantes mayoritariamente negros e hispanos. En honor a dicha dedicación, una escuela del Bronx lleva su nombre: P.S. 53X, Basheer Qusim School.

Una de sus joyas grabadas es una extraña pieza discográfica realizada para el efímero sello Signal Records, fundado en 1955 por Jules Colomby y asociado a productores como Don Schlitten, Harold Goldberg y el periodista Ira Gitler. 

El disco presenta, en uno de sus lados, a Gryce al frente de dos grupos cuyos exuberantes arreglos y particular instrumentación remite casi automáticamente al "Birth of the Cool" de Miles Davis, e incluye "Social Call", una de sus más famosas composiciones.

En el otro lado del álbum, Gryce lidera un cuarteto que confundió a muchos aficionados que se preguntaban si se trataba de una sesión liderada por Gryce o por Thelonious Monk, responsable de los arreglos y dirección. Causó también cierta molestia en la casa Riverside Records, para la que Monk acababa de firmar contrato. Como tres de los cuatro temas eran composiciones originales, los productores Bill Grauer y Orrin Keepnews consideraron que el pianista debería haberlos reservados para alguna de sus próximas producciones del sello que dirigían. Legalmente, no pudieron lograr más que una aclaración en los créditos, indicando que la presencia de Thelonious se debía a una cortesía de Riverside Records.

El cuarto tema, "Nica's Tempo", es otra de las famosas creaciones de Gryce, una composición que se convirtió en un estándar para el canon del bop, dedicada a Nica de Koenigswarter —Kathleen Annie Pannonica Rothschild—, mecenas de Thelonious y Charlie Parker, mejor conocida como "La baronesa del Bop" o simplemente como "La baronesa del Jazz".

En 1958, tras el cierre y liquidación de Signal Records, sus cintas maestras fueron vendidas al sello Savoy Records, que tomó el nombre "Nica's Tempo" para titular la reedición de estas grabaciones.

Gigi Gryce

Orchestra & Quartet

Lado 1

-The Gigi Gryce Orchestra-

1 - Speculation

2 - In A Meditating Mood

3 - Social Call

4 - Smoke Signal

5 - (You'll Always Be) The One I Love

6 - Kerry Dance

Lado 2

-The Gigi Gryce Quartet-

7 - Shuffle Boil

8 - Brake's Sake

9 - Gallop's Gallop

10 - Nica's Tempo

Gigi Gryce (saxo alto), acompañado por:

#1, #2, #4 y #6:

Art Farmer (trompeta), Jimmy Cleveland (trombón), Gunther Schuller (corno francés), Bill Barber (tuba), Danny Bank (saxo barítono), Horace Silver (piano), Oscar Pettiford (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabados en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 22 de octubre de 1955.

#3 y #5: 

Art Farmer (trompeta), Eddie Bert (trombón), Julius Watkins (corno francés), Bill Barber (tuba), Cecil Payne (saxo barítono), Horace Silver (piano), Oscar Pettiford (contrabajo), Art Blakey (batería), Ernestine Anderson (vocalista).

Grabados en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 22 de octubre de 1955.

#7 a #10: 

Thelonious Monk (piano), Percy Heath (contrabajo), Art Blakey (batería).

Grabados en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 15 de octubre de 1955. 

Frank Foster - El hombre del Conde

No es novedad que Quintaesencia recomienda, lee a diario y toma como referencia muchas sugerencias del sitio JazzWax.

Hace unos días, el blog de Marc Myers centró su atención en el saxofonista Frank Foster y su relación con Count Basie. No sólo desde su relevante participación en las orquestas del mítico pianista, sino también como un aplicado heredero del testamento musical del "conde". Más que detenerse en la historia de la relación Foster-Basie, que se inició no bien el saxofonista se liberó de sus obligaciones con el ejército en 1953, JazzWax propone apropiadamente repasar la veneración demostrada por el saxofonista a lo largo de su carrera, ejemplificándola con tres discos en particular, dos como líder en épocas tan diferentes como 1956 y 1963, y uno como único arreglador y compositor, al frente de la orquesta de Basie de principios de la década de 1960.

Replicando dicha publicación, y respetando el mismo orden que eligió Myers, el primer álbum al que hace referencia es No 'Count, una grabación con un dream team en formato septeto que no incluyó a ningún pianista en la sección rítmica "por respeto" y por considerar a Count como un "insustituible". A cambio, para "suplantar" la presencia de ese piano, fue invitado el guitarrista Kenny Burrell.

Frank Foster

No 'Count

1 - Stop Gap

2 - Excursion

3 - Casa de Marcel

4 - Apron Strings

5 - Alternative

6 - Serenata

Frank Foster (saxo tenor); Frank Wess (saxo tenor y flauta); Bennie Powell, Henry Coker (trombones); Kenny Burrell (guitarra); Eddie Jones (contrabajo); Kenny Clarke (batería).

Grabados en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 5 de marzo (#1, #5 y #6), y el 6 de marzo (#2 y #4) de 1956.

⁂

A continuación, Myers sugiere detenerse y "saborear" como es debido un extraordinario disco grabado para el sello Roulette, con un contenido que oscila entre el jazz y el blues, totalmente compuesto, arreglado y dirigido por Frank Foster. Todo en él suena perfecto y tiene el sólido swing que siempre se espera de una orquesta como ésta, conocida como la Second Testament Band de Basie, considerada como la mejor big band de la historia del jazz para no pocos conocedores. El tema que da nombre al álbum alcanzó un éxito tal que obligaba a ser incluido en todos los conciertos de la orquesta en los años de 1960, quedando en la historia del género como uno de los mejores ejemplos de cómo abordar un blues.

Count Basie

Easin' It

Lado 1

1 - Easin' It

2 - Brotherly Shove

3 - Blues for Daddy-O

Lado 2

4 - Four, Five, Six

5 - Misunderstood Blues

6 - Mama Dev Blues

7 - It's About That Time

Count Basie (piano), al frente de:

Snooky Young [#1 a #3], Thad Jones, Sonny Cohn, Joe Newman [#1 a #3], Clark Terry [#1 a #3], Flip Ricard [#4 a #7], Al Aarons [#4 a #7] (trompetas); Marshal Royal (saxo alto y clarinete); Frank Wess (saxo alto, saxo tenor y flauta), Eric Dixon (saxo tenor y flauta [#4 a #7], Frank Foster (saxo tenor), Billy Mitchell (saxo tenor #1 a #3); Al Grey [#1 a #3], Henry Coker, Benny Powell, Quentin Jackson [#4 a #7] (trombones); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Freddie Green (guitarra); Eddie Jones [#1 a #3], Art Davis [#4], Ike Isaacs [#5 a #7] (contrabajos); Sonny Payne [#1 a #3], Gus Johnson [#4], Louis Bellson [#5 a #7] (baterías).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 14 y 15 de diciembre de 1960 (#1 a #3), el 1 de julio de 1962 (#4) y el 25 y 26 de julio de de 1962 (#5 a #7).

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Y para finalizar, uno de los mejores trabajos de Foster como líder. Durante una de las muchas estadías prolongadas de Basie en clubes en Chicago, el "conde" no tuvo ninguna objeción en que sus músicos grabaran por su cuenta. Sabía que darles a sus hombres libertad económica y creativa era una política inteligente. Este disco es especial porque muestra la evolución de Foster, al pasar de músico de big band a líder de un pequeño combo. Si bien los arreglos no están construidos en la lengua vernácula de Basie, conservan las formalidades que se utilizan para una big band, pero organizando "la fuerza" de tal manera para que siete elementos "suenen" como mucho más de lo que son.

Como resalta Ira Gitler en las liner notes: "Estos son los hombres del Conde —Basie era su jefe—. Al ritmo de Frank Foster, se representan a sí mismos y al estilo de su líder habitual. En respuesta a "Basie es nuestro jefe", Count afirmaría orgulloso: Ahí están mis hombres".

Frank Foster

Basie Is Our Boss

1 - Vested Interest

2 - Why Try To Change Me Now

3 - May We

4 - Samba Blues

5 - Kelly Blue

6 - I've Got A Lot Of Living To Do

Frank Foster (saxo tenor), Eric Dixon (saxo tenor y flauta), Al Aarons (trompeta), John Young (piano), Buddy Catlett (contrabajo), Phil Thomas (batería).

Grabados en RCA Studios, Chicago, entre el 18 y el 19 de febrero de 1963. 

George Wallington - El arte del trío (II)

Si las grabaciones en trío de Goerge Wallington para los sellos Savoy y Progressive revelaron cómo el pianista podía combinar la elegancia con la complejidad, las siguientes sesiones producidas para el sello Prestige de 1952 y 1953, volvieron a confirmar su gran talento para tocar y componer. 

Seguramente no fue casual que el legendario sello fundado por Bob Weinstock, característico por su acertado "olfato" al reparar en futuros gigantes del jazz moderno, se fijara en Wallington como líder.

Originalmente, fueron publicados como dos álbumes de 10 pulgadas. "Hay creadores en el jazz que no se contentan con tocar únicamente música de otros, sino que necesitan expresarse con composiciones originales. George Wallington es uno de esos artistas, un joven cuyo semblante plácido es reemplazado por uno de mayor intensidad cuando se sienta frente al piano para demostrar su devoción por su música", escribió Ira Gitler en las liner notes del primero de ellos.

En el segundo, fue el crítico Bill Coss, habitual colaborador de las revistas Down Beat y Metronome, el encargado de profundizar más en la importancia de Wallington: "El jazz, como cualquier otra forma de arte, a menudo está afectado y enredado en lo banal y artificial, provocando un exceso de indulgencia por parte del oyente y una sobreproducción por parte del músico que intenta frenéticamente imponer una novedad. Surge así un culto que ama el efecto más que la causa (...) Han aparecido gigantes que superaron el estancamiento musical, llevando el jazz a nuevas y mejores posiciones. Art Tatum es uno, otro es Charlie Parker. George Wallington, el sujeto y predicado de este álbum, es uno más (...) Aquí asistimos al nacimiento de nuevas ideas, nuevas estructuras y, lo que es más importante, al inicio de una marca indeleble de belleza y honestidad. Con estas grabaciones, George Wallington ha dado un paso de gigante para y en el jazz".

No fue una tarea sencilla restaurar el audio de estas formidables grabaciones. Quizá muchos puedan reprocharle cierta "baja calidad" al sonido logrado en la remasterización del sello Original Jazz Classics que se presenta aquí. En realidad, lo que debe agradecerse es el rescate de estos históricos 15 originales y "únicos" ya que Prestige, por entonces, no acostumbraba a realizar tomas alternativas. Los músicos entraban a estudio y grababan una sola vez el repertorio elegido. En uno de ellos —"Love Beat"— hay, si se quiere, una "novedad" añadida: Wallington hace del trío un cuarteto, invitando a otro hijo de inmigrantes (checos, en este caso), al que había conocido en sus inicios profesionales, cuando ambos tocaban en el grupo de diexeland de Joe Marsala. Se trata del guitarrista Chuck Wayne —cuyo verdadero nombre era Charles Jagelka— que se unió al grupo con la mandola, un instrumento un poco más grande que la mandolina con la misma afinación que el banjo tenor, totalmente inusual en el jazz en general y en el bop en particular.

George Wallington

The George Wallington Trios

1 - Love Beat

2 - Summer Rain

3 - Escalating

4 - Laura

5 - Tenderly

6 - When Your Old Wedding Ring Was New

7 - Red, White And Blue

8 - Arrivederci

9 - Squeezer's Breezer

10 - Among Friends

11 - Variations

12 - My Nephew And I

13 - Ours

14 - I Married An Angel

15 - Cuckoo Around The Clock

George Wallington (piano); Charles Mingus [como Baron Fingus #1 a #4], Oscar Pettiford [#5 a #8], Curly Russell [#9 a #15] (contrabajos); Max Roach (batería), Chuck Wayne (mandola en #1)

Grabados en Nueva York, el 4 de setiembre de 1952 (#1 a #8) y el 25 de mayo de 1953 (#9 a #15). 

George Wallington - El arte del trío (I)

George Wallington, cuyo verdadero nombre era Giacinto Figlia, nació en Palermo, Sicilia, el 27 de octubre de 1924.

Llegó con su familia a los Estados Unidos recién nacido, comenzó a estudiar mandolina y violín a los seis años y piano a los nueve. Con tan solo 20 años conoce a Max Roach y se incorpora al primer grupo de bop —el quinteto de Dizzy Gillespie— con el que se presenta en el Onyx Club de la neoyorkina Calle 52. 

A continuación, después de pasar un año con la banda de Joe Marsala, continuó su carrera integrando grupos como los de Georgie Auld, Allen Eager, Red Rodney, Charlie Parker, Kai Winding y Gerry Mulligan. En 1949 comenzó a dirigir sus propios combos, aunque sin dejar de colaborar con músicos como Lionel Hampton y realizar grabaciones con Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Phil Woods, Tony Scott, entre otros. Sus contribuciones reflejaron su innata capacidad creativa y un talento que lo consagró como uno de los mejores compositores del bop, solo comparado con Bud Powell, Al Haig y Dodo Marmarosa.

Pese al paso del tiempo, los tríos de Wallington siguen sonando increíblemente hermosos gracias a su personal forma de tocar: dinámica, firme y elegante. La asombrosa y veloz elocuencia de Wallington como pianista, que contrastaba extrañamente con su forma introvertida y lacónica como persona, muestran por qué fue uno de los pianistas más incisivos y creativos en el panorama del bop.

Sus dos primeras grabaciones en formato trío fueron realizadas para el sello Savoy. Una de sus presentaciones en disco apareció en un EP que también incluye dos registros en formato septeto, con su piano adecuadamente "modesto" para dejar en un primer plano los "alientos" de Jerry Lloyd, Kai Winding, Brew Moore y Gerry Mulligan. El productor Ozzie Cadena se encargó de las liner notes, expresando que se sentía "muy feliz de haber sido quien impulsara la realización". Si te gusta el buen jazz como a mí —dice Cadena—, seguro que disfrutarás y reconocerás el gran talento de George Wallington como pianista, arreglador y compositor.

George Wallington

George Wallington's All Stars

Lado 1

1 - Knockout

2 - Igloo

Lado 2

3 - Failyland

4 - Racing

George Wallington (piano), acompañado por:

#1 y #2:

Jerry Lloyd (trompeta); Kai Winding, Jerry Horowitz (trombones); Brew Moore (saxo tenor); Gerry Mulligan (saxo barítono); Curly Russell (contrabajo); Charlie "Chas" Perry (batería); Buddy Stewart (vocalista en #1).

#3 y #4:

Curly Russell (contrabajo), Charlie "Chas" Perry (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 9 de mayo de 1949.

⁂

Las siguientes grabaciones de Wallington en trío aparecieron dos años más tarde conformando un disco realizado para el sello Progressive. Fue también del álbum debut de la casa discográfica fundada por el productor Gus Statiras, también conocido como Gus Grant cuando se desempeñaba como disc jockey en las radios de Nueva York. 

El propio Statiras se encargó de resaltar las cualidades de Wallington en sus liner notes: "Hasta el lanzamiento de este álbum, nunca se habían escuchado las ricas cualidades estéticas de la música y la forma de tocar de Wallington. Encontrará su trabajo fresco, humorístico y emocionante. Cada composición difiere de la otra en sentimiento y en la estructura de los acordes y ninguna se basa en alguna melodía estándar o popular, algo utilizado tan recurrentemente por otros compositores modernos. Seguramente estarás de acuerdo con nosotros en que los temas de este álbum son maravillosos y que muestran a un George Wallington en su mejor momento". 

Como lo anunció la revista Billboard en su edición del 26 de julio de 1952: "el swing y el desempeño del trío en este set debería interesar a todos los coleccionistas de jazz".

George Wallington

George Wallington Trio

Lado 1

1 - Twins

2 - Polka Dot

3 - I'll Remember April

4 - High Score

Lado 2

5 - Hyacinth

6 - Joy Bell

7 - I Didn't Know What Time It Was

8 - Fine and Dandy

George Wallington (piano), Curley Russell (contrabajo),  Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 21 de noviembre de 1951. 

Próximamente…

Obscure #26 - Bill Marx

Bill nació en Los Ángeles, California, el 8 de enero de 1937. Su madre se ganaba la vida tocando el piano en salas de cine mudo y acompañando a su esposo, un hombre que quería ser cantante de ópera.

Circunstancias seguramente apremiantes hicieron que sus padres biológicos lo ingresaran el orfanato Children's Home Society de Los Ángeles cuando tenía ocho meses. Pero cuatro meses después fue adoptado por el matrimonio del famoso comediante Arthur "Harpo" Marx y su esposa, Susan Fleming. Fue el primero de las cuatro adopciones de la pareja y, en honor de un amigo íntimo de Harpo, el crítico teatral y comentarista de la revista The New Yorker, Alexander Humphreys Woollcott, fue "rebautizado" como William Woollcott Marx.

Comenzó a trabajar en la industria del entretenimiento a los 12 años, cuando fue puesto a cargo de la utilería para los espectáculos de su padre adoptivo. En 1955 se inscribió en la Juilliard School de Nueva York, donde estudió piano con Bernard Wagener. De vuelta a Los Angeles se formó en composición con el maestro Mario Castelnuovo-Tedesco. 

Con tan solo 16 años ya se había convertido en el arreglador y director musical de su padre, aunque Harpo no supiera leer música.

A propósito, cuenta Bill: "Mi papá no tenía educación musical formal. No sabía leer música. Le encantaba escuchar lo que solíamos llamar música de vanguardia y experimental... era todo un adelantado. Amaba a los impresionistas franceses. Gracias a él descubrí a Ravel, Debussy, Fauré y. más tarde a Honegger. Realmente me abrió los ojos a mucha música en un marco de tiempo muy limitado, donde tenías que buscar mucho para encontrar cosas, porque no estaba tan disponible como lo está ahora. Y para que él comprendiera la música que le escribía creé un sistema de notación musical en letras en vez de notas". De tal manera, las colaboraciones de padre e hijo entrelazaron sus carreras hasta la muerte de Harpo en 1964.

Como compositor, las creaciones de Marx incluyen conciertos para saxo alto, flauta, arpa, piano y violín, además de sinfonías y partituras para películas de terror de bajo presupuesto.

Muy activo en la era de oro de Hollywood con su propio trío, escribió arreglos para muchos artistas como el pianista Wynton Kelly, la cantante Lorez Alexandria, y el trío Peter, Paul And Mary, uno de los grupos musicales estadounidenses de música folk más exitosos de la década de 1960.

En 1961 Marx firmó con el sello Vee Jay Records y uno de los discos registrados en la primavera de 1962 para dicha compañía es Jazz Kaleidoscope, para el que reunió a un grupo de excelentes figuras del jazz de la costa oeste. El ejecutivo encargado de las liner notes asegura que, "aunque suene exagerado y 'pegajoso', Vee Jay Records tiene el orgullo, el honor y el privilegio de lanzar este primer y magnífico álbum de Bill Marx.  Cuando coloque este álbum en su tocadiscos, recuerde que se trata de una gran, gran grabación".

A principios de 1990, la revista Los Ángeles distinguió a Bill Marx como el pianista de salón más popular de esa ciudad y, en 2002, se le adjudicó una estrella en el Paseo de las Estrellas del Village Green Heritage Center. En febrero de 2022 fue homenajeado por la Steinway Society of Riverside County durante el concierto Bravo 2022 — Children, el principal evento de la fundación destinado a la recaudación de fondos.

Aún se mantiene activo actuando en clubes de jazz, salones y teatros de Palm Springs y Rancho Mirage.

Bill Marx And The Jazz Octet

Jazz Kaleidoscope

Lado 1

1 - It Ain't Necessarily So (Porgy & Bess)

2 - Somewhere (West Side Story)

3 - I Believe You

4 - Brother Jack

Lado 2

5 - Blue Hue

6 - Angel Eyes

7 - No Smaltz Waltz

8 - More I Cannot Wish You

Bill Marx (piano); Jack Sheldon [como Jack Shelton], Ray Linn (trompetas); Paul Horn (flauta, saxo alto y saxo tenor); Roger Benioff (clarinete, clarinete bajo, flauta y saxo alto); Dick Nash (trombón); Larry Bunker (vibráfono); James "Jimmy" Bond (contrabajo); Lawrence Marable (batería).

Grabado en Los Angeles, California, en 1962.  

Obscure #25 - Chauncey Westbrook

Chauncey Leon Westbrook nació en Jacksonville, Florida, el 21 de octubre de 1921. No sabemos cuándo llegó a Nueva York —donde tomó clases privadas de piano y violín—, ni cómo fue que se decidió por la guitarra. Se inició en el mundo de la música a principios de 1950 acompañando al grupo vocal de rhythm and blues The Orioles, pasando después a formar parte de una variedad de conjuntos dirigidos por Buddy Johnson, Hot Lips Page, Mercer Ellington y Rose Murphy. En 1951 acompañó al cantante Babs Gonzales en una gira por Europa y aparentemente fueron los franceses quienes comenzaron a llamarle "Lord". De vez en cuando formaba sus propios grupos hasta que, en 1957, se unió a la banda de ex alumnos de Fletcher Henderson bajo el liderazgo de Rex Stewart. También apareció en el Great South Bay Jazz festival en 1958. A partir de entonces fue músico de sesión acompañando a famosas personalidades como Charlie Rouse, Sammy Davis, Jr., Little Willie John, Ernestine Allen, Little Jimmy Scott e integrando el combo de RayBryant que acompañó a Aretha Franklin en el disco debut de la reina del soul.

Como líder, aparte de un par de lados para un "simple" de 45 r.p.m. con dos canciones orientadas al blues registradas en 1963 para el sello Bigtop, grabó un solo LP para la marca Melba Records, cuya presentación estuvo a cargo de Jack Walker, crítico de jazz y disc jockey de la emisora de radio WOV de Nueva York.

Dice Walker: En el idioma del jazz, la guitarra se ganó un lugar de grandeza. La historia escrita y grabada del género respalda irrefutablemente este estado con nombres como el de Django Reinhardt, Charlie Christian, Freddie Green, Johnny Smith y Laurindo Almeida, entre tantos, de tal manera que, ya sea por un banjo tocado por los expertos trovadores de los barcos, la calistenia electrónica de una producción de Les Paul o un insistente beat del rhythm and blues, la emoción que crea el instrumento en el oyente hace del jazz una experiencia única.

Los que nos ocupamos con celo por la historia del jazz, le damos tanta importancia a consagrados como los Reinhardt y los Christian (los Segovia del jazz) hasta convertir sus nombres en palabras familiares. Esto debe ser así. Pero con demasiada frecuencia descuidamos (o encontramos muy poco tiempo para) esos nombres relativamente nuevos que sirvieron como acompañantes para el éxito de los grandes nombres. Por esta razón, estamos encantados de dar la bienvenida a un nuevo "líder", porque el jazz depende de la vitalidad y la vitalidad requiere ideas nuevas y constantes.

Este álbum corregirá la situación anterior. Es su primera grabación y, al comentar la sesión de grabación después de completar los lados de este Get Out Of Town, Westbrook dijo: "Creo que reflejamos el estado de ánimo que queríamos. Algo fácil de escuchar, creo que lo conseguimos..."

Estoy de acuerdo. Creo que obtuvieron ese modo amable imprescindible para dar forma al panorama completo del jazz.

Chauncey "Lord" Westbrook murió en Filadelfia, Pennsylvania, el 2 de noviembre de 2006.

Chauncey "Lord" Westbrook

Get Out Of Town

Lado 1

1 - Our Love Is Here To Stay

2 - When Your Lover Is Gone

3 - Lullaby Of The Leaves

4 - It Is Good With Us

5 - Street Of Dreams

Lado 2

6 - Get Out Of Town

7 - Stella By Starlight

8 - Boulevard De Magenta

9 - Arlean

10 - Gone With The Wind

Chauncey "Lord" Westbrook (guitarra), Chris Towns (piano), Steve Cooper (contrabajo), Khalil Madi (batería).

Grabado en 1956. 

Obscure #23 ~ #24 - Dick Cary / John Plonsky (II) ~ Don Stratton

Al igual que Johnny Glasel, cuya discografía fue extensamente expuesta en Quintaesencia, la figura de John Plonsky es otra de las más "escondidas" del universo de trompetistas de la década de 1950. Por eso, si el "(re)descubrimiento" de su único disco como líder por parte del sello Fresh Sound presentado en la publicación anterior es interesante, también lo es otra edición de la empresa barcelonesa, que reúne, en un solo disco compacto, dos álbumes obscure por igual, en los que puede apreciarse el "desafío" de tres trompetistas de la época que propusieron combinar dos concepciones tan antagónicas como el jazz tradicional y el jazz moderno. 

A Plonsky lo volvemos a encontrar en uno de los lados del disco Dixieland Goes Progressive, cuyo título deja al descubierto la búsqueda experimental que se propuso al intentar, desde un repertorio y un formato instrumental tradicional, la aparente contradictoria tarea de inyectar "progresismo" al remoto —y para muchos "arcaico"— dixieland. La sesión fue la segunda y última incursión de Plonsky como líder, ocurrida apenas tres meses después de su Cool Man Cool. En el otro "lado" del LP original, Dick Cary hizo lo propio, al frente de un octeto en el que volvemos a encontrar "rastros" de los Wildcats, representados por Johnny Glasel y Bob Wilber. Reuniendo dos críticas separadas —la del productor Jordi Pujol en las liner notes y la de Marc Myers en su sitio JazzWax—, lo logrado por Cary y Plonsky "al combinar la locura rígida de los instrumentos de dixieland que van y vienen con la genialidad cohesiva del jazz moderno" fue suficiente como para "ser considerados como dos de los arregladores más brillantes de la historia del jazz".

La posibilidad de la coexistencia de viejos conceptos con nuevos sonidos fuera de sus propios contextos también está presente en el segundo disco que la recopilación propone, recuperando otro "raro", Modern Jazz With Dixieland Roots, un álbum del trompetista Don Stratton liderando dos quintetos diferentes con el mismo objetivo de "restaurar" estándares del dixieland desde una concepción moderna.

Dick Cary & John Plonsky

Dixieland Goes Progressive

1 - Mahogany Hall Stomp

2 - Muskrat Ramble

3 - That's A Plenty

4 - St. James Infirmary

5 - Darktown Strutters' Ball

6 - Milenberg Joys

7 - Royal Garden Blues

8 - High Society

9 - Way Down Yonder In New Orleans

10 - Basin Street Blues

11 - When The Saints Go Marching In

12 - South Rampart Street Parade

#1 a #6:

The Dick Cary Group

Dick Cary (trompeta, bombardino en mi bemol), Johnny Glasel (trompeta), Urbie Green (trombón), Will Stanley (tuba), Bob Wilber (clarinete y saxo tenor), Hall Overton (piano), Sal Salvador (guitarra), Bill Stanley (contrabajo y tuba), Jerry Segal (batería).

Grabado en Nueva York, el 11 de junio de 1957.

#7 a #12:

The John Plonsky Group

John Plonsky (trompeta), Urbie Green (trombón), Bill Barber (tuba), Carl Janelly (clarinete), Tony Aless (piano), Don Arnone (guitarra), Jack Zimmerman (contrabajo), Mel Zelnick (batería).

Grabado en Nueva York, el 7 de junio de 1957.

The Don Stratton Group

Modern Jazz With Dixieland Roots

13 - Black Bottom

14 - Wigglin' An' Gigglin'

15 - What Is This Thing Called Love?

16 - Sunday

17 - Moxahala

18 - Royal Garden Blues

19 - Sow Goo Mang

20 - Charleston

21 - Yesterdays

22 - R.H.S.

#13 a #17:

Don Stratton (trompeta), John Williams (piano), Dick Hafer (saxo tenor), Chuck Andrus (contrabajo), Karl Kiffe (batería).

Grabado en Nueva York, el 9 de febrero de 1956.

#18 a #22:

Don Stratton, Phil Sunkel (trompetas); Dave McKenna (piano); Chuck Andrus (contrabajo); Karl Kiffe (batería).

Grabado en Nueva York, el 12 de febrero de 1956.

Obscure #21 ~ #22 - John Plonsky (I) ~ Herb Pilhofer

 De la extensa lista de artistas de jazz olvidados por la crítica y los historiadores, Quintaesencia propone hacer foco en John Plonsky y Herb Pilhofer, dos músicos que el sello barcelonés Fresh Sound ha rescatado en su serie "Rare And Obscure Jazz Albums", para presentar sus primeros discos como líderes.

El pianista alemán Herb Pilhofer nació en Núremberg el 18 de abril de 1931. Comenzó a estudiar piano a los diecisiete años y, expresado por él mismo, se interesó en el jazz al escuchar grabaciones estadounidenses. "Trataba de tocar como Teddy Wilson —expresó Pilhofer—, pero enseguida me di cuenta de que lo que estaba haciendo no era honestamente lo mío, por lo que, gradualmente, fui desarrollando mi propio estilo", aspirando a no ser identificado con alguna escuela pianística particular.

Al terminar la Segunda Guerra Mundial, soldados estadounidenses que se habían quedado en Alemania le propusieron que se involucrase profesionalmente con el jazz y decidió formar sus propios grupos con los que se presentó en el área de Núremberg y en los campamentos europeos de la USO (United Service Organisations Inc.), una corporación benéfica sin fines de lucro que ofrecía, a miembros de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos y sus familias, espectáculos en vivo de comediantes, actores y músicos.

En 1945, se casó con una chica oriunda Albert Lea, Minnesota, que estaba estudiando en Viena y cuando un capitán del ejército de Baltimore patrocinó un viaje de Pilhofer a los Estados Unidos, el pianista se instaló con su esposa en Twin Cities, área minesotana identificada así por Minneapolis y Saint Paul, dos ciudades consideradas "gemelas". En 1956, organizó un octeto con algunos de los mejores músicos que la escena de jazz de Twin City con el cual grabó su obscure álbum debut, Jazz From The North Coast, Volume 2, segundo opus de la serie "Jazz de la Costa Este" del sello Zephyr Records.

John Plonsky, otro músico proveniente de Minessota, nació en St. Paul el 15 de octubre de 1926. De adolescente tomó clases privadas de acordeón, pero, una vez establecido en Los Angeles se decidió por la trompeta. Como dice Marc Myers, de cuya página JazzWax tomamos la "investigación histórica", Plonsky es una pieza más de la "mina de oro de sólidos trompetistas" que surgieron en la década de 1950.

Según Myers, Plonsky parece haber comenzado su carrera en la Costa Oeste. En 1945, a los 19 años, tocó en la orquesta de Naappy Lamare y escribió arreglos para la de Ray Bauduc —ex baterista de la orquesta de Bob Crosby— cuando Ray y el saxofonista Gil Rodin formaron una big band ni bien terminada la Segunda Guerra Mundial. En 1946, apareció en grabaciones lideradas por Charles Mingus y formó su propio grupo disuelto al poco tiempo para unirse a la banda de Alvy West, con quien se mantuvo desde 1947 hasta 1952. Desde entonces, probablemente, se haya dedicado a componer y arreglar música de programas de radio y televisión, volviendo a aparecer en un álbum del trombonista Lou McGarity de 1964, identificado con el seudónimo Johnny Parker. 

En 1957, realizó sus únicas dos sesiones como líder para el sello Golden Crest. Una de ellas, curiosa por la combinación de trompeta, saxo barítono y acordeón amplificado, originó el LP Cool Man Cool, compuesto por seis estándares y cinco composiciones propias. 

Los registros de la otra aparecieron en el álbum Dixieland Goes Progressive, un disco compartido con su colega Dick Cary, del cual nos ocuparemos en la próxima entrada de Quintaesencia.

John Plonsky & Herb Pilhofer

Rare And Obscure Jazz Albums

The John Plonsky Quintet

Cool Man Cool

1 - Laurel And Hardy

2 - The Lady Is A Tramp

3 - But Not For Me

4 - Putting On The Ritz

5 - Just In Time

6 - Calico Shoes

7 - Angel Hair

8 - How About You?

9 - Funkier Than You

10 - I'll Take Romance

11 - Blonde Caboose

John Plonsky (trompeta), Carl Janelli (saxo barítono), Dominic Cortese (acordeón), Chet Amsterdam (contrabajo), Mel Zelnick (batería), Betty Ann Blake (vocalista en #3 y #8)

Grabado en Nueva York, el 5 de marzo de 1957.

The Herb Pilhofer Octet

Jazz From The North Coast, Vol. 2

12 - Elora

13 - Django

14 - Nicollet Avenue Breakdown

15 - Give Me The Simple Life

16 - Solo Scenes

17 - Bach's Lunch

18 - Spring Is Here

19 - Topsy

20 - Stop And Go

21 - Ill Wind

Herb Pilhofer (piano), Jack Coan (trompeta), Paul Binstock (corno francés), Stan Haugesag (trombón), Bob Crea (saxo alto y clarinete), Dave Karr (flauta, saxo tenor y saxo barítono), Ted Hughart (contrabajo), Russ Moore (batería).

Grabado en Minneapolis, en 1956.

Obscure #19 ~ #20 - Ted Nash ~ Tony Rizzi

En una época como la actual, donde los avances tecnológicos son tan vertiginosos, donde el streaming y las producciones independientes parecen tener más peso que las grandes marcas discográficas, cuesta hacerse una idea de los "mecanismos" empleados en la década de 1950 para promocionar e imponer un disco.

Como ejemplo, se pueden mencionar los tres (¿o dos?) discos en los que nos enfocaremos esta vez, sobre los cuales, a falta de información precisa de cómo fueron apareciendo cronológicamente en el mercado, solo nos queda la antipática tarea de conjeturar.

En julio de 1954, los ejecutivos de Starlite Records convocaron a un grupo de músicos para recrear la música de Frank Comstock, un prolífico compositor, arreglista y director de orquesta —además de destacado trombonista—, cuya carrera abarcó un extenso período que va de 1943 —con las bandas de baile de Sonny Dunham, Benny Carter, y Les Brown—, hasta su trabajo para el cine y la televisión de la década de 1970.

Los músicos invitados fueron el guitarrista Tony Rizzi, los hermanos Ted y Dick Nash, los contrabajistas Morty Corb y Rolly Bundock y el baterista Alvin Stoller, por entonces todos muy activos como músicos de sesión para bandas de sonido cinematográficas y en programas de radio y televisión de la Costa Oeste.

Sin embargo, según explican las liner notes, el disco pareció estar más interesado en promocionar las bondades de "un nuevo equipamiento de grabación". El álbum poco abunda sobre el compositor y menos aún sobre los músicos intervinientes. Y así, la "idea central" ganó al momento de ser titulado. Simplemente fue: "Frank Comstock (en el) Laboratorio de Jazz", explicando en su contratapa que, dirigidas por el muy capaz maestro de modernos arreglos como Frank Comstock, más que en el descubrimiento de nuevos y emocionantes sonidos, Jazz Lab produjo —con un moderno estudio totalmente equipado para ello— una excitante exploración de lo que sucede en el mundo del "nuevo jazz".

Frank  Comstock

Jazz Lab

Jazz Lab reunió sólo una docena de los 16 temas grabados en Los Angeles en aquel julio de 1954 y, continuando con la conjetura, es posible que alguien se diera cuenta de que el material contaba con algo muy interesante como para dividir en partes iguales los registros y presentar a dos nuevos talentos como Tony Rizzi y Ted Nash desde dos álbumes de 10 pulgadas diferentes que los destacara como los consumados líderes en que se estaban convirtiendo. Ambos eran treintañeros y, hasta ese entonces, con un respetable currículo.

Ted Nash, oriundo de Massasuchetts, ya había estado de gira a los 17 años con la orquesta de Ralph Webster, como también con Joe Hart y Enoch Light en 1940. Había pasado por varias bandas como las de Dick Rogers, Johnny Long, Clyde Lucas en 1941, con Horace Heidt en 1942, con Phil Harris en 1943 y con Shep Fields en 1944. Fue solista destacado en la banda de Les Brown entre 1944 y 1946 y en la de Jerry Gray entre 1947 y 1952. Cuando se estableció en Los Ángeles, formó parte de muchas orquestas de renombre como las de Bob Crosby, Dave Barbour, Pete Rugolo y Ray Anthony. 

Por su parte, Tony Rizzi, nacido y criado en de Los Ángeles, originalmente estudiante de violín, se decidió por la guitarra a los 19 años, instrumento con el cual se posicionó como uno de los pocos guitarristas que podían leer música, por ese entonces bastante escasos.

En 1943, Rizzi fue reclutado por el ejército y llegó a formar parte de la Air Transport Command, compuesta principalmente por músicos profesionales. Entre 1947 y 1948 fue contratado por Les Brown, cuando este disolviera su banda neoyorkina y se estableciera en Los Ángeles. 

Tan "entrelazados" están históricamente que, buscando alguna referencia sobre las publicaciones de estas dos piezas —hoy "de colección"—, puede leerse una noticia de la revista Billboard fechada el 11 de setiembre de 1954: "Presentado como Ted Nash -The Music Of Frank Comstock, el sello independiente Starlite, está preparando un nuevo LP de Tony Rizzy. Las ventas en todo el país estarán a cargo de Coda Inc. National Music".

Excepto dos fechas más (1 de diciembre de 1955 y 6 de abril de 1956), estos fueron los únicos registros de los hermanos Nash grabando juntos.

Ted Nash

The Music Of Frank Comstock

Lado 1

1 - Whim Wham

2 - Frantica

3 - Nightfall

4 - Nash-Inalize

Lado 2

5 - Taylor Talks

6 - Passion Girl

7 - South Of Brazil

8 - Teddy Bear

Ted Nash (saxo alto, saxo tenor, flauta y fautín), Dick Nash (trombón), Tony Rizzi (guitarra), Morty Corb (contrabajo), Alvin Stoller (batería).

Grabado en Capitol Studios, Los Angeles, California, en julio de 1954.

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Tony Rizzi

Plays The Music Of Frank Comstock

Lado 1

1 - The Grabber

2 - Laurel

3 - I've Got Eyes For You

4 - Footloose

Lado 2

5 - Here's Tony!

6 - Starlight

7 - The Languid Latin

8 - Less Sand And More Cement

Tony Rizzi (guitarra), Ted Nash ((saxo alto, saxo tenor, flauta y fautín), Dick Nash (trombón),  Rolly Bundock (contrabajo), Alvin Stoller (batería).

Grabado en Capitol Studios, Los Angeles, California, en julio de 1954.