Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

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Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

⁂

En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

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El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

Obscure #11 - John Dennis

John Dennis nació en Filadelfia en 1930. A falta de datos biográficos, lo poco que se puede rastrear sobre su personalidad proviene de recuerdos de otros colegas. 

Por ejemplo: en una entrevista a Jimmy Heath realizada en 1990 por el periodista y divulgador Gene Santoro, el saxofonista recordó que en los círculos filadelfianos a John se le conocía como "Fat Genius" (el "gordo genio"). Por su parte, el pianista Muhal Richard Abrams, lo consideraba un músico con un "enfoque pianístico completo", capaz de "combinar la música clásica con el jazz o bien ser el invitado perfecto para una velada de cóctel".

También en una entrevista, otro nativo de Filadelfia, el vibrafonista Walt Dickerson, dijo: "Con John éramos como hermanos inseparables. Tenía una memoria fotográfica y todos los que pasaban por Filadelfia le tenían un gran respeto. Era simplemente increíble. No estaba nada interesado en lo que sucedía alrededor porque sabía que artísticamente estaba muy por delante de lo que estaba pasando. Pero sus padres eran personas muy fundamentalistas y lo presionaban mucho para que no tocara lo que para ellos era 'música del diablo'. Y eso a un artista como John lo afectó muchísimo. Cuando una persona no puede continuar buscando y desarrollando su arte, algo le pasa, tanto física como mentalmente. Conocí a muchas personas que, aunque no les pasara nada físicamente, morían con el corazón roto. No les pasa nada, pero se les rompe el corazón y simplemente se dan por vencidos. Y eso es lo que le pasó a John".

Lo que mejor se sabe de él es lo que sucedió el 10 de marzo de 1955.

Atentos a nuevos talentos con mente aventurera y creativa, Charles Mingus y Max Roach, en búsqueda de nuevas figuras para el sello discográfico Debut que habían fundado tres años antes, convocaron a John para que los acompañara a grabar una sesión y así completar la sección rítmica que acompañaría al trompetista Thad Jones. Instalados en el famosos living de la casa de los padres de Rudy Van Gelder, registraron lo que formaría parte del disco Collaboration. Con el agregado de otra sesión de Thad como líder, dichas grabaciones aparecieron después bajo el título The Fabulous Thad Jones.

Thad Jones

Thad Jones

(The Fabulous Thad Jones)

1 - Get Out Of Town

2 - One More

3 - Bitty Ditty

4 - More Of The Same

5 - Elusive

6 - Sombre Intrusion

7 - I Can't Get Started

8 - I'll Remember April

9 - You Don't Know What Love Is

10 - Chazzanova

11 - Get Out Of Town (alternate take)

12 - One More (alternate take)

#1, #2, #4, #7, #11, #12:

Thad Jones (trompeta), John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

#3, #5, #6, #8, #9, #10:

Thad Jones (trompeta), Frank Wess (saxo tenor y flauta), Hank Jones (piano), Charles Mingus (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabaciones realizadas en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de agosto de 1954 (#3, #5, #6, #8, #9, #10) y el 10 de marzo de 1955 (#1, #2, #4, #7, #11, #12). 

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Pero volvamos al 10 de marzo de 1955 y al verdadero obscure de esta vez.

Finalizada la grabación de los cuatro temas secundando a Thad Jones, Mingus y Roach, asombrados con el desempeño de John y conscientes de la brillante imaginación y elocuencia del pianista de 25 años que tenían delante, decidieron grabar ese mismo día otro álbum, pero con Dennis como líder. Ellos mismos decidieron acompañarlo y el título que eligieron para el álbum reflejó lo que sintieron al escucharlo: New Piano Expressions. Fue el único disco de Dennis como líder y sus avanzadas ideas dejaron a toda la escena del jazz asombrada e intrigada.

Afortunadamente, la edición en CD de 1994 recoge todo lo que sobrevivió para la posteridad. Los ocho temas del LP original más tomas alternativas y dos versiones de "All The Things You Are" que no formaron parte de aquel raro y obscure vinilo. Estas pistas y las que figuran junto a Thad Jones son los únicos y claros testimonios de lo lejos que podría haber llegado John Dennis si su carrera no se hubiera interrumpido tan repentinamente.

Murió en 1963, ocho años después de estas singulares grabaciones, a la temprana edad de 33 años.

John Dennis

New Piano Expressions

1 - Ensenada

2 - Machajo

3 - Cherokee

4 - Seven Moons

5 - Seven Moons (alternate take)

6 - All The Things You Are (take one)

7 - All The Things You Are (take two)

8 - Cherokee (alternate take)

9 - Odyssey

10 - Chartreuse

11 - Variegations

12 - Someone To Watch Over Me

John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 10 de marzo de 1955. 

Retratos en Jazz #47 - Lionel Hampton

Lionel Hampton (1908-2002)

Nació en Kentucky. Introdujo el vibráfono al jazz como instrumento solista. Tocó en diferentes bandas hasta que, en 1936, fue contratado para integrar el cuarteto de Benny Goodman, con quien se hizo de un nombre. También trabajó con Goodman como baterista. Más tarde, en California, cumplió su deseo de formar su propia big band y en 1942 logró un gran éxito con Flying Home, donde también participó Illinois Jacquet en saxo tenor.

You Better Know It!!! (Impulse A-78)

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Lionel Hampton

You Better Know It!!!

Lado 1

1 - Ring Dem Bells

2 - Vibraphone Blues

3 - Tempo's Birthday

4 - Sweethearts On Parade

Lado 2

5 - Pick A Rib

6 - Trick Or Treat

7 - Cute

8 - Swingle Jingle

9 - A Taste Of Honey

Lionel Hampton (vibráfono, vocalista, piano en #8), Clark Terry (trompeta), Ben Webster (saxo tenor), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 28 y 29 de octubre de 1964.

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~ Extras ~

Uno de los opus de la serie francesa Chronological Classics es la adecuada para presentar el exitoso "Flying Home" que menciona Murakami. No sólo incluye el registro original de 1942 con la intervención de Illinois Jacquet en saxo tenor, sino que también agrega la versión aparecida en los célebres V-Discs, destinados al entretenimiento de las tropas norteamericanas que participaban en la Segunda Guerra.

Jacquet estuvo con Hampton por un período de tiempo relativamente breve, pero Arnett Cobb demostró ser un reemplazo perfecto para la banda de 1944. 

Lionel Hampton

The Chronological Classics 1942~1944

1 - Royal Family

2 - I Can't Believe That You're In Love With Me

3 - Blues In The News

4 - Exactly Like You

5 - Now I Know

6 - Half A Love Is Better Than None

7 - Flying Home

8 - In The Bag

9 - Loose Wig

10 - Chop-Chop

11 - Flyin' Home N° 2

12 - Hamp's Boogie Woogie

13 - Flyin' Home - Part I

14 - Flyin' Home - Part II

15 - The Major And The Minor

16 - I Wonder Boogie (Hamp's Boogie Woogie)

17 - Million Dollar Smile

18 - The Lamplighter

19 - Overtime

20 - Tempo's Boogie

#1 a #4:

Lionel Hampton (vibráfono), Marshall Royal (clarinete, saxo alto), Ray Perry (Saxo barítono, violín), Milton Buckner (piano), Irving Ashby (guitarra), Vernon Alley (contrabajo), George Jenkins (batería).

Grabado en Nueva York, el 2 de marzo de 1942.

#5 a #8:

Lionel Hampton (vibráfono); Ernie Royal, Karl George, John Newman (trompetas); Fred Becket, Sonny Craven, Harry Sloan (trombones); Marshall Royal (clarinete, saxo alto), Ray Perry (saxo alto); Dexter Gordon, Illinois Jacquet (saxos tenores); Jack McVea (saxo barítono); Milton Buckner (piano); Irving Ashby (guitarra); Vernon Alley, Wendell Marshall (contrabajos); Lee Young (batería).

Grabado en Nueva York, el 26 de mayo de 1942.

#9 a #12:

Lionel Hampton (vibráfono, piano en #12); Cat Anderson, Lamar Wright, Roy McCoy, Joe Morris (trompetas); Al Hayes, Michael "Booty" Wood, Fred Beckett (trombones); Earl Bostic, Gus Evans (saxos altos); Al Sears, Arnett Cobb (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Eric Miller (guitarra); Vernon King (contrabajo); Fred Radcliff (batería).

Grabado en Nueva York, el 2 de marzo de 1944.

#13 a #16:

Lionel Hampton (vibráfono); Cat Anderson, Lamar Wright, Roy McCoy, Joe Morris (trompetas); Al Hayes, Michael "Booty" Wood, Fred Beckett (trombones); Earl Bostic, Gus Evans (saxos altos); Al Sears, Arnett Cobb (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Eric Miller (guitarra); Vernon King (contrabajo); Fred Radcliffe (batería).

Grabado en Nueva York, el 10 de marzo de 1944.

#17 a #20:

Lionel Hampton (vibráfono); Eugene "Snooky" Young, Wendell Culley, Joe Morris, Dave Page, Lamar Wright (trompetas), Vernon Porter, Fred Beckett, Andrew Penn, Luther "Sonny" Craven, Allen Durham (trombones); George Dorsey, Gus Evans (saxos altos); Arnett Cobb, Fred Simon (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Billy Mackel (guitarra); Charles Harris, Ted Sinclair (contrabajos); Fred Radcliff (batería).

Grabado en Los Angeles, el 16 de octubre de 1944.

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En cuanto a las grabaciones de Hampton "en el contexto de combos reducidos que grabó para los sellos Clef y Norgran", es difícil elegir uno en particular ya que la producción de esa época apareció repartida en quince discos. Por tanto, la solución "salomónica" de esta vez consiste en presentar la colección completa que el sello Verve preparó en 1999. En un momento en que Hampton viajaba por el mundo dirigiendo una gran orquesta, estas grabaciones realizadas entre 1953 y 1954 le sirvieron para reafirmar lo bien que podía sonar en formato de cuartetos y quintetos.

Lionel Hampton

The Complete Quartets And Quintets With Oscar Peterson On Verve

CD 1

1 - Always

2 - 'S Wonderful

3 - Air Mail Special

4 - The Nearness Of You

5 - Soft Winds

6 - Stompin' At The Savoy

7 - Love For Sale

8 - April In Paris

9 - Just One Of Those Things

CD 2

1 - Star Dust

2 - That Old Black Magic (part 1)

3 - That Old Black Magic (part 2)

4 - This Can't Be Love

5 - Willow Weep For Me

6 - How High The Moon

7 - Blues For Norman

8 - I Can't Get Started

9 - Moonglow

CD 3

1 - It's Only A Paper Moon

2 - The Way You Look Tonight

3 - Flying Home

4 - These Foolish Things

5 - Don't Be That Way

6 - Dinah

7 - On The Sunny Side Of The Street

8 - Je Ne Sais Pas

CD 4

1 - It's A Blue World (false start/alternative take)

2 - It's A Blue World (LP master take)

3 - It's A Blue World (78 rpm master take)

4 - The High And The Mighty

5 - When The Saints Go Marching In

6 - Flying Home

7 - Midnight Sun

8 - Tenderly

9 - Hallelujah

10 - Indiana (false start/complete take)

11 - But Beautiful

12 - Indiana

CD 5

1 - Hamp's Boogie Woogie (LP master take)

2 - Hamp's Boogie Woogie (78 rpm master take)

3 - Honeysuckle Rose

4 - Honeysuckle Rose (short version)

5 - China Boy

6 - A Foggy Day (LP master take)

7 - A Foggy Day (78 rpm master take)

8 - Love Is Here To Stay

9 - Body And Soul

10 - It's Only A Paper Moon

11 - Sweethearts On Parade

12 - Date With Oscar

Lionel Hampton (vibráfono y vocalista), Oscar Peterson (piano), Ray Brown (contrabajo), Buddy Rich (batería), Buddy DeFranco (clarinete), Herb Ellis (guitarra).

Grabaciones realizadas en Nueva York, entre setiembre de 1953 y setiembre de 1954.

[Información detallada en el librillo] 

Retratos en Jazz #42 - Lee Morgan

Lee Morgan (1938-1972)

Nació en Filadelfia. A los 15 años organizó su propio grupo haciéndose notar como niño prodigio. En 1956 se unió la banda Dizzy Gillespie y, con 18 años, graba por primera vez como líder: Introducing Lee Morgan. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, recibiendo muchos elogios gracias al sonido funky de su trompeta. En 1961 se retiró de los escenarios durante algún tiempo, pero a finales de 1963 reapareció y a partir de 1967 actuó al frente de su propio quinteto.

The Sidewinder (Blue Note BST-84157)

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Lee Morgan

The Sidewinder

Lado1

1 - The Sidewinder

2 - Totem Pole

Lado 2

3 - Gary's Notebook

4 - Boy, What A Night

5 - Hocus-Pocus

Lee Morgan (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Barry Harris (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Billy Higgins (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 21 de diciembre de 1963.

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~ Extras ~

En la minibiografía de Morgan que construye Murakami, indica el primer álbum como líder al disco Intoducing Lee Morgan, para el sello Savoy. Sin embargo, el verdadero opus uno de Lee fue Indeed!, grabado el día anterior para el sello Blue Note, aunque la locación fuera la misma: la sala de estar de la casa paterna de Rudy Van Gelder, en el 25 Prospect Avenue de Hackensack, Nueva Jersey, el primer y célebre Van Gelder Studio. 

Por entonces, la muerte de Clifford Brown había originado una frenética búsqueda del heredero y el precoz Morgan se erigió para muchos en indiscutible candidato. Por ello Lee se encontró ante una gran demanda para sesiones de grabación con destacadas figuras y bajo su propio nombre.

Está bien. Para no entrar en polémicas, son dos primeros álbumes... para distintos sellos discográficos.

Lee Morgan

Indeed!

1 - Roccus

2 - Reggie Of Chester

3 - Lady, The

4 - Little T (aka The New Message)

5 - Gaza Strip

6 - Stand By

7 - Little T  (alternate take)

Lee Morgan (trompeta), Clarence Sharpe (saxo alto), Horace Silver (piano), Wilbur Ware (contrabajo). Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 4 de noviembre de 1956.

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Lee Morgan

Introducing Lee Morgan

1 - Hank's Shout

2 - Nostalgia

3 - Bet

4 - Softly, As in a Morning Sunrise

5 - P.S. I Love You

6 - Easy Living

7 - That's All

Lee Morgan (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Hank Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey,  el 5 y el 7 de noviembre de 1956.

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A principios de la década de 1970, Lee Morgan, indignado por las condiciones de trabajo de los músicos de jazz en Estados Unidos se implicó en actividades políticas colaborando sobre todo con Roland Kirk, como uno de los líderes del movimiento Jazz and People desarrollando diversas actividades a través de programas y entrevistas para protestar por la ausencia de músicos de jazz en muchas programaciones, contribuyendo así a la organización de un festival alternativo al de Newport.

En septiembre de 1971 grabó la que sería su última sesión, recogida en el álbum The Last Session, para el sello Blue Note, con una inusual formación de octeto e incorporando instrumentos eléctricos al igual que hiciera en un anterior álbum. Es al que refiere Murakami como un disco con "perfume innovador y un eclecticismo maravilloso".

Lee Morgan

Lee Morgan (The Last Session)

1 - Capra Black

2 - In What Direction Are You Headed?

3 - Angela

4 - Croquet Ballet

5 - Inner Passion-Out

Lee Morgan (trompeta y fliscorno), Grachan Moncur III (trombón), Bobbi Humphrey (flauta), Billy Harper (saxo tenor y flauta alta), Harold Mabern (piano acústico y eléctrico), Jymie Merritt (bajo eléctrico), Reggie Workman (contrabajo y percusión), Freddie Waits (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 y el 18 de setiembre de 1971.

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Queda, por último, una recomendación de mi parte, referida a la vida y muerte de Lee Morgan: el excelente documental I Called Him Morgan del director Kasper Collin en la que se recupera la historia de Lee, haciendo foco tanto en su carrera profesional como en la relación con su esposa Helen, quien luego de una discusión amorosa acabaría con la vida del músico en la fría madrugada del 19 febrero de 1972, mientras trabajaba en el club Slug’s de Nueva York. Además de repasar la corta carrera de Morgan, arroja luz sobre la intimidad de una dramática historia amorosa que terminó en tragedia.

La plataforma Netflix la tiene disponible, pero, por si acaso... una copia también queda aquí:

I Called Him Morgan

Kasper Collins, 2016

Michel Legrand - Legrand Jazz

Es fácil desviarse cuando se aborda un libro con la curiosidad "educacional" e informativa. Cuando Murakami mencionó, en la entrada anterior, el Legrand Jazz de Michel Legrand, no pude menos que dedicarle una buena escucha, después de un buen tiempo sin hacerlo.

Un deleite total. A tal punto que decidí esta "intromisión" y compartirlo con ustedes. Sepan disculpar...

Michel Legrand tenía sólo 24 años cuando se realizaron estas grabaciones para el legendario sello “Philips”, y el álbum reúne tres sesiones de grabación distintas realizadas el 25, 27 y 30 de junio de 1958 en Nueva York con algunos de los mejores músicos del momento, entre ellos Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Ben Webster y Donald Byrd. Todas las canciones del álbum fueron elegidas y arregladas por Michel Legrand, quien también asumió la dirección de los tres sets utilizados durante las sesiones. Entre las curiosidades de aquellas grabaciones, cabe decir, que Miles Davis, escéptico con el proyecto y dudando de la capacidad de Michel Legrand, terminó tocando como sideman por última vez en su carrera. Como cuenta Michel Legrand en las notas del disco,  Miles Davis, dirigía por aquel entonces su famoso sexteto, y estaba en la cima del jazz en New York; todos apostaban a que el genial trompetista, ni siquiera sacaría la trompeta de su estuche, pero bastaron cinco minutos de ensayo de Michel Legrand con la orquesta, en el mágico entorno del gran templo del sonido de Nueva York, que era el estudio de la calle 30 del sello Columbia, para que Miles terminara abriendo su estuche y tocara la trompeta para Michel Legrand en aquella histórica sesión. Cuenta al respecto Legrand: "...se sentó, abrió su maletín y empezó a tocar. Después de la primera toma, me preguntó: 'Michel, ¿lo hice adecuadamente?' Así empezó todo".

Michel Legrand y Miles Davis colaboraron nuevamente en 1990, cuando co-produjeron la banda sonora de la película Dingo.

Tras su publicación, Legrand Jazz fue recibido por una crítica entusiasta en la prestigiosa y especializada revista Down Beat. Dom Cerulli, el crítico que le otorgó las cinco estrellas a aquella grabación, la llegó a comparar, en términos de creatividad y originalidad, con los arreglos realizados un año antes por Gil Evans en el extraordinario álbum Miles Ahead. Legrand tomó una oncena de famosas composiciones de jazz y las organizó para tres combos diferentes. La primera, la más importante, se graba el 25 de junio, y tiene como solistas destacados a Miles Davis en la trompeta, John Coltrane, al saxo tenor, Phil Woods, al flautista Herbie Mann, el pianista Bill Evans y Paul Chambers al contrabajo. Interpretaron música de Thelonious Monk, ("'Round Midnight"), John Lewis, ("Django"), Jelly Roll Morton ("Wild Man Blues") y Fats Waller ("Jitterbug Waltz").

En la segunda sesión de grabación del 27 de junio, se juntan, el maestro del saxo tenor Ben Webster, junto con el flautista Herbie Mann, el pianista Hank Jones y el contrabajista George Duvivier y una sección rítmica de cuatro trombonistas, para interpretar piezas de Duke Ellington, ("Don't Get Around Much Anymore"), Earl Hines, ("Rosetta"), Django Reinhardt ("Nuages"), y Count Basie ("Blue And Sentimental"). Y, por último, tres días después, y siempre bajo la dirección y los arreglos de Michel Legrand, una gran formación donde destacan los trompetistas Art Farmer y Donald Byrd, el saxo alto Phil Woods, el pianista Nat Pierce y el saxo barítono Teo Macero, interpretando "Stompin' At The Savoy" de Benny Goodman, "A Night In Tunisia" de Dizzy Gillespie y el "In A Mist" de Bix Beiderbecke.

En resumen, un álbum paradigmático sobre la aportación de Michel Legrand a la historia de la composición jazzística y uno de los grandes álbumes de jazz de la década de 1950. Jazz de primer nivel, músicos en estupenda forma y unos excelentes arreglos que le dan al conjunto ese carácter conceptual de obra seminal del jazz moderno.

1 - The Jitterbug Waltz

2 - Stompin' At The Savoy

3 - 'Round Midnight

4 - Django

5 - Night In Tunisia

6 - In A Mist

7 - Blue And Sentimental

8 - Don't Get Around Much Anymore

9 - Wild Man Blues

10 - Nuages

11 - Rosetta

Grabado en el 30th Street Studios de Columbia Records, Nueva York, el 25, 27 y 30 de junio de 1958

Grupo del 25 de junio de 1958 (#1, #3, #4, #9)

Michel Legrand (dirección y arreglos), Miles Davis (trompeta), Herbie Mann (flauta), Betty Glamann (arpa), Barry Galbraith (guitarra), John Coltrane (saxo tenor), Phil Wood (saxo alto), Jerome Richarson (saxo barítono y clarinete bajo), Eddie Costa (vibráfono), Bill Evans (piano), Paul Chambers (contrabajo), Kenny Dennis (batería)  

Grupo del 27 de junio de 1958 (#7, #8, #10, #11)

Michel Legrand (dirección y arreglos); Herbie Mann (flauta); Ben Webster (saxo tenor); Frank Rehak , Billy Byers, Jimmy Cleveland y Eddie Bert (trombones); Mayor Holley (contrabajo y tuba); Hank Jones (piano); George Duvivier (contrabajo); Don Lamond (batería)  

 

Grupo del 30 de junio de 1958 (#2, #5, #7)

Michel Legrand (dirección y arreglos); Ernie Royal, Art Farmer, Donald Byrd, y Joe Wilder (trompetas); Frank Rehak y Jimmy Cleveland (trombones); Gene Quill, y Phil Woods (saxos altos); Seldon Powell (saxo tenor); Teo Macero (saxo barítono); James Buffington (corno francés); Don Elliot (vibráfono); Nat Pierce (piano); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería)

El Canon del Jazz #2 - Ain't Misbehavin'

 Ain't Misbehavin'

Compuesta por Fats Waller y Harry Brooks, 

con letra de Andy Razaf

Para la mayoría de historiadores del jazz, las grabaciones que llevó a cabo Louis Armstrong en la década de 1920 con los grupos Hot Five y Hot Seven son el hito decisivo en la carrera del trompetista hacia el estrellato. El propio Armstrong, sin embargo, consideraba que el verdadero punto de inflexión de esa trayectoria fue la interpretación de "Ain't Misbehavin'" que ofreció en 1928 en Keep Shufflin', el musical que Fats Waller estrenó en Broadway. "Estoy convencido —afirmaría años después el trompetista—, de que esa canción magnífica y la oportunidad que tuve de tocarla fueron de enorme ayuda para darme a conocer por todo el país". El éxito de Armstrong resulta aún más extraordinario si se tiene en cuenta que no aparecía en el escenario, sino que se limitaba a cantar y tocar la canción desde el foso de la orquesta durante los entreactos.

La revista The New Yorker se quejó de que Keep Shufflin' no ofrecía "ninguna novedad musical de calidad", pero el crítico de The New York Times contrarrestó ese veredicto afirmando lo siguiente: "Destaca una canción titulada 'Ain’t Misbehavin'", una balada de jazz sintética pero agradable en grado sumo, cuya interpretación en el entreacto por parte de un miembro anónimo de la orquesta fue uno de los momentos más destacados del estreno.

El anonimato de Armstrong no duró mucho: enseguida se añadió su nombre al programa del espectáculo y se subió su actuación al escenario.

El trompetista grabó la canción en julio del año siguiente y, tal como solía hacer por aquella época, se tomó amplias libertades con la melodía. Dos semanas después, Fats Waller llevó "Ain't Misbehavin'" al estudio y, aunque también gustaba de trastear con sus composiciones, registró una versión en solitario de piano stride, directa y sin alharacas, que nos da la idea más clara de cuál era la concepción original de su pieza más famosa. Muchos otros músicos se interesaron por "Ain't Misbehavin'", hasta el punto de que sólo en 1929 se grabaron más de veinte interpretaciones de la canción.

Al año siguiente, sin embargo, la canción ya había caído en el olvido, y hasta mediados de la década de 1930 no volvería gradualmente al repertorio del jazz, gracias al apostolado de algunas figuras influyentes. En 1933, durante una visita a Londres, Duke Ellington grabó una versión de "Ain't Misbehavin'" que introduce un inusitado compás de 5/2 en mitad del solo de Barney Bigard, quizá la primera vez que una grabación de jazz incorporaba un fraseo atípico en un arreglo escrito para instrumento de viento.

La versión que Paul Whiteman registró en 1935 se beneficia del solo de trombón y la aportación vocal de Jack Teagarden. Dos años después, Django Reinhardt grabó "Ain't Misbehavin'" en París, y al año siguiente Jelly Roll Morton la interpretó en una sesión celebrada en la Biblioteca del Congreso estadounidense para el musicólogo Alan Lomax, una de las contadas ocasiones en que el pionero del estilo de Nueva Orleans se dignó recrear una canción compuesta por un músico de jazz de una generación posterior a la suya. Morton remató la interpretación con un exquisito estribillo cantado en scat que pone de manifiesto sus dotes de vocalista, a menudo subestimadas.

Durante la era del swing, unas pocas big bands adoptaron "Ain't Misbehavin'", pero el marcado carácter binario de la pieza delataba su condición de vestigio de épocas pretéritas. Aún más escasos fueron los músicos bebop que se sintieron atraídos por la pieza de Waller, y un puñado de grabaciones —de Sonny Stitt (1950), de Dizzy Gillespie (1952)— ponen de relieve lo difícil que resultaba que la composición sonase novedosa en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En última instancia, Hank Jones, el pianista de la era del bop, obtuvo en 1978 un contrato como pianista y director de orquesta del espectáculo Ain't Misbehavin', éxito de taquilla en Broadway y ganador del premio Tony al mejor musical, y ese mismo año grabó una notable versión de la pieza; pero para ello tuvo que adoptar un estilo mucho más tradicional del que exhibió a lo largo de su trayectoria.

En general, los cantantes de jazz modernos lo han tenido más fácil con la composición de Waller, como demuestran las grabaciones de Sarah Vaughan (1950), con Miles Davis en la banda de acompañamiento, y de Johnny Hartman (1955). A decir verdad,

la letra de Razaf es un aspecto fundamental del disfrute de "Ain't Misbehavin'": la alusión a Jack Horner, el personaje de la canción infantil, es tan ingeniosa como apropiada, pues condice perfectamente con el dejo juguetón de la melodía. Pero la armonía y la línea de bajo del puente resultan asimismo fascinantes: un toque moderno que sorprende en una pieza tan añeja.

En la actualidad, "Ain't Misbehavin'" no es un componente del cancionero jazzístico tan importante como lo fue en su día. Pero para cualquier pianista que quiera formarse en la tradición teclista del estilo stride de Harlem sigue siendo una composición indispensable, un jalón fundamental de ese lenguaje. Muy pocos músicos pueden igualar, y ninguno superar, el vehemente estilo interpretativo de Art Tatum, que legó a la posteridad unas cuantas

grabaciones del clásico de Waller, pero mi favorita, con mucho, es una interpretación en directo de 1944, muy poco conocida, en la que el portentoso pianista arranca las risas y exclamaciones de asombro del público con sus diabluras.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Louis Armstrong, Nueva York, 19 de julio de 1929

2 - Fats Waller, Camden (New Jersey), 2 de agosto de 1929

3 - Duke Ellington, Londres, 13 de julio de 1933

4 - Paul Whiteman (con Jack Teagarden), Nueva York, 9 de julio de 1935

5 - Django Reinhardt (con el Quintett du Hot Club de France), París, 22 de abril de 1937

6 - Jelly Roll Morton, Washington, (D. C.), mayo y junio de 1938

7 - Art Tatum, Nueva York, otoño de 1944

8 - Sarah Vaughan (con Miles Davis), Nueva York, 18 de mayo de 1950

9 - Johnny Hartman (con Howard McGhee), extraída de Songs From the Heart, Nueva York, octubre de 1955

10 - Hank Jones (con Teddy Edwards), extraída de Ain't Misbehavin', Berkeley (California), 5 y 6 de agosto de 1978

11- Dick Wellstood, extraída de Live at the Sticky Wicket, grabado en directo

 en The Sticky Wicket, Hopkinton (Massachusetts), 9 de noviembre de 1986

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-- Disco Elegido --

Hank Jones - Ain't Misbehavin'

Cuando se realizó esta grabación, Hank Jones era el pianista del espectáculo de Broadway Ain't Misbehavin', una revista que celebraba la música de Fats Waller. Jones nunca sonó como Waller, siendo un músico de transición entre el swing y el bop más que un pianista de stride, y aquí no hace ningún esfuerzo por copiar a Fats. Por el contrario, aborda cinco composiciones de Waller y el estándar del repertorio swing, "Mean To Me", en su propio estilo, insinuando ligeramente a Waller en algunos pasajes, pero centrado esencialmente en un bop convencional. 

Los arreglos de las melodías fueron tomados directamente de la versión musical de Ain't Misbehavin' elaborados por Bill Holman.

A Jones se le unieron el bajista Richard Davis, el baterista Roy Haynes y (en tres de los seis temas) el trompetista Bob Ojeda, el saxofonista tenor Teddy Edwards y el guitarrista Kenny Burrell, todos fieles compañeros de Jones y de su misma estatura musical. 

En definitiva, un disco que ofrece una impecable interpretación y un sincero homenaje a una de las figuras legendarias del mundo del jazz.

1 - Ain't Misbehavin'

2 - Lounging At The Waldorf

3 - Mean To Me

4 - The Joint Is Jumpin'

5 - Honeysuckle Rose

6 - Squeeze Me

Hank Jones (piano), Richard Davis (contrabajo), Roy Haynes (batería), Bob Ojeda (trompeta en #1,3,5), Teddy Edwards (saxo tenor y clarinete en #1,3,5), Kenny Burrell (guitarra en #1,3,5)

Grabado en Fantasy Studios, Berkeley, 5 y 6 de agosto de 1978.

Blue Note #15 - Cannonball Adderley

Cannonball Adderley

Somethin' Else

Para aquellos que no estén familiarizados con la terminología más novedosa, el título de la composición de Miles Davis, que también da nombre al disco, es una frase de alabanza. Y si se me permite dar mi opinión personal, me gustaría hacer hincapié en que Cannonball, Miles y toda la sección rítmica y, de hecho, todo el disco, se pueden describir de manera enfática como “algo más”.

**Leonard Feather, notas del álbum original**

Habían transcurrido casi cuatro años desde que Miles Davis grabara para Blue Note, y volvía de nuevo a estudio para realizar otro álbum para la discográfica, aunque esta vez no como líder. El liderazgo del grupo recaía en un Julian “Cannonball” Adderley de veintinueve años. Y qué grupo. Adderley formaba parte del Davis’s Sextet cuando se llevó a cabo esta grabación y, una año después, el saxofonista participó en el álbum seminal Kind Of Blue. La sensación que deja este álbum es la de algo parecido a un ensayo general de lo que habría de llegar después: todo aquel que ame el jazz debe poseerlo.

La diferencia principal entre Somethin’ Else y el Kind Of Blue es que primero cuenta con tres recreaciones de estándares –al parecer seleccionados por Davis-, que acentúan la sensación de suma comodidad que desprenden todas las piezas. De las dos composiciones originales, Miles es autor de la que da título al disco, mientras que “One For Dady-O” es una cocreación del pianista Hank Jones y del hermano del saxofonista, Nat Adderley.

Durante gran parte del disco, Adderley y Davis parecen estar inmersos en su propia conversación privada, que tenemos el privilegio de escuchar a escondidas. El tema estrella para la mayoría de las personas es “Autumn Leaves”, del que, igual que de “Love For Sale”, pueden decirse que es muy gratificante y que no se limita a ser un mero refrito. Se ha dicho que no hay ni un solo “momento de rutina” en el disco, y que estas dos piezas dan muestra de ello.

Para comprender por qué es Adderley el maestro que es, basta con escuchar “Dancing In The Dark”. Si a este tema se le añadiesen cuerdas, parecería que estamos escuchando a Charlie Parker.

1. Autumn Leaves

2. Love For Sale

3. Somethin' Else

4. One For Daddy-O

5. Dancing In The Dark (4:08)

6. Bangoon

7. Autumn Leaves (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Miles Davis (trompeta), Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Blakey (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 9 de Mayo de 1958.