Hank Mobley y Tres Mensajes

Las "blowing-sessions" de la década de 1950, con toda su carga de espontaneidad, eran una forma muy especial de hacer y grabar jazz, poniendo especial hincapié en la capacidad del músico para alardear con un gran nivel de improvisación, sin mucho tiempo para preparaciones y ensayos, y exigiendo una unidad casi instintiva entre los músicos intervinientes. 

Hank Mobley, uno de los principales "constructores" del movimiento hard bop, fue sin duda uno de los maestros más prominentes de este idioma, como lo demuestran en estas dos joyas clásicas para el sello Prestige que acompañan el cierre temporal por vacaciones de Quintaesencia.

Grabadas en Julio de 1956 y con una semana de diferencias entre una y otra, Mobley’s Message y Mobley’s Second Message son dos muestras de sofisticación equilibrada y alta emotividad, construidas a partir de complejidades boperas sin sacrificar nada de swing.

Secundado Donald Byrd y Kenny Dorham en trompetas, Jackie McLean en saxo alto, Barry Harris y Walter Bishop en piano, Doug Watkins en contrabajo y Art Taylor en batería, estas dos grabaciones justifican con elocuencia la definición de "campeón de peso medio del saxo tenor" que le adjudicó el crítico Leonard Feather. Ello significaba que su tono no era tan agresivo y denso como el de John Coltrane o Sonny Rollins, pero tampoco era tan suave y fresco como el de Stan Getz o Lester Young .

Dicho esto, y con la promesa de retomar la actividad a finales de Enero, solo resta el tercer mensaje: A todos ustedes, mil gracias por visitar el blog y mis mejores deseos de PAZ para estas fechas navideñas.

Hank Mobley - Mobley’s Message

1 - Bouncing With Bud

2 - 52nd Street Theme

3 - Minor Disturbance

4 - Au Privave

5 - Little Girl Blue

6 - Alternating Current

Hank Mobley - Mobley's 2nd Message

1 - These Are The Things I Love

2 - Message From The Border

3 - Xlento

4 - The Latest

5 - I Should Care

6 - Crazeology

Muy Feliz 2014!!

** FLASHBACK - Miles Davis **

En la primavera de 1959, siete músicos se reunieron en una antigua iglesia en la calle 30 en Manhattan e hicieron la historia del jazz. No es novedad que el Kind Of Blue de Miles Davis se ha elevado al nivel de obra maestra.

Gracias a las nuevas técnicas de remasterización, la casa Columbia agregó a la reedición "50 Aniversario" de este mítico álbum las tomas desechadas de la grabación original, permitiéndonos así la oportunidad sin precedentes de entrar al "estudio de la calle 30" y ser testigos de lo que sucedió en aquellas dos sesiones históricas.

Pero como lo prohibido siempre tendrá mejor sabor que lo "oficial" -más aún en el jazz y en un blog como éste-, "la caja negra" del Kind Of Blue vuelve a Quintaesencia y, esta vez, por partida doble, sumando a lo ya publicado en la serie Hard Bop, otra versión para que cada quien elija el "bootleg" que quiera...

History Of Jazz #71 - Dizzy Gillespie (I)

G - Gillespie, Dizzy 

Salt Peanuts

Hot House

(11 de mayo, 1945)

Anthropology

(22 de febrero, 1946)

Manteca 

(30 de diciembre, 1947)

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas las notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición  por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.

Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a Nueva York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy", que quería decir "alocado". Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y a su regreso a Nueva York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom". Las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.

Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista Lionel Hampton, el saxo alto Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry, músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del célebre club "Minton’s Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que más adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.

Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto Charlie Parker, su auténtico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de  alto nivel y además el "Minton's" seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session animadas por los grupos del baterista Kenny Clarke, el saxofonista Don Byas, el pianista Thelonius Monk y, por supuesto, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, quienes venían desarrollando el nuevo idioma musical.

Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstine, se aventuraa lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop, de la que Dizzy fue nombrado como su director musical y en la que se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento como Charlie Parker, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor Gene Ammons y el baterista Art Blakey. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de experimentos musicales más reducidos. Así forma un cuarteto con el contrabajista Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx". En aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta la que finalmente fundó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".

Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigieron hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el "Massey Hall" junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello Debut. Además, actúa en el primer festival de Newport e imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado le confía la labor de actuar como embajador musical de los Estados Unidos por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.

En la década de 1960 la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los años de 1970 formó parte de los "Giants of Jazz", grupo estelar reunido por el productor George Wein para una serie de giras. Aunque su actividad fue decayendo con los años, todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un  interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. 

Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts", "Groovin' High", "Be-Bop",  "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz.

Los dos volúmenes de la serie francesa Chronological Classics que aparecen aquí, presentan un repaso cronológico de su arte entre 1945 y 1949, con grabaciones de varias agrupaciones de Dizzy para los sellos Guild, Black & White, Dial, Victor y Paramount; registros que condicionaron decisivamente el desarrollo del jazz moderno, por lo que bien merecen ser consideradas como un legado intemporal sobre el arte del bebop. 

Dizzy Gillespie - Chronological Classics · 1945-1946

* 1 - Salt Peanuts *

2 - Shaw 'Nuff

3 - Lover Man

* 4 - Hot House *

5 - Night And Day

6 - Weeping Willie

7 - Everytime I Think Of You

8 - Baranco Boogie

9 - Diggin' Diz

10 - Confirmation

11 - Diggin' For Diz

12 - Dynamo A

13 - Dynamo B

14 - When I Grow Too Old To Dream

15 - 'Round About Midnight

16 - 52nd Street Theme

17 - Night In Tunisia

18 - Ol' Man Rebop

* 19 - Anthropology *

20 - Who

21 - The Way You Look Tonight

22 - Why Do I Love You?

23 - All The Things You Are

Dizzy Gillespie And His Orchestra

Chronological Classics · 1947-1949

1 - Algo Bueno (Woody 'n You)

2 - Cool Breeze

3 - Cubana Be

4 - Cubana Bop

* 5 - Manteca *

6 - Good Bait

7 - Ool-Ya-Koo

8 - Minor Walk

9 - Guarachi Guaro

10 - Duff Capers

11 - Lover Come Back To Me

12 - I'm Be Boppin' Too

13 - Swedish Suite

14 - St. Louis Blues

15 - I Should Care

16 - That Old Black Magic

17 - Dizzier And Dizzier (Katy)

18 - Jump Did-Le-Ba

19 - Hey Pete, Let's Eat No' Meat

20 - Jumpin' With Symphony Sid

21 - If Love Is Trouble

22 - In The Land Of Oo-Bla-Dee

(fuente Apolo y Baco)

History Of Jazz #70 - Wes Montgomery

M - Montgomery, Wes 

Bésame mucho

(22 de abril, 1963)

La guitarra eléctrica desempeñó un papel clave en el lenguaje del soul jazz, frecuentemente fusionando en tándem con el órgano Hammond.

Wes Montgomery destacó entre los colegas de su generación, como el más habilidoso para combinar el atractivo comercial con un arte maduro.

Montgomery, un solista incisivo con un don sin igual para la improvisación melódica, era el candidato ideal para tener un éxito como artista crossover y convertirse así en una estrella del jazz de aceptación popular. Sus grabaciones abarcan una amplia variedad -desde jazz más ortodoxo hasta el soul jazz y la música ambiental-, pero su singular talento confería incluso a sus trabajos más ostensiblemente comerciales un sello de gran artista.

Nacido en Indianápolis, Indiana, el 6 de marzo de 1923, Wes era miembro de una familia de músicos que también incluía al contrabajista Monk Montgomery y al pianista y vibrafonista Buddy Montgomery. A pesar de haber tenido un comienzo tardío -no comenzó a tocar la guitarra hasta que tuvo casi doce años- y una falta de educación musical formal, Wes progresó rápidamente hasta convertirse en un músico formidable. En cuestión de meses, estaba trabajando en conciertos con sus hermanos y otros músicos locales. Montgomery, que era un viajero reticente, se lanzó a la carretera con Lionel Hampton a mediados de 1940, pero volvió a Indianapolis en 1950 para cuidar de una familia con siete hijos, trabajar de día en una fábrica de transistores y actuar por las noches.

En este entorno, la carrera de Montgomery podía muy bien haber acabado en el anonimato. Sin embargo, una recomendación entusiasta por parte de Cannonball Adderley llevó a que el sello Riverside lo contratara en 1959 y, bajo la dirección del productor Orrin Keepnews, grabó abundantemente durante los siguientes años rodeado por conjuntos de jazz con acompañantes de la más alta calidad, creando una serie de interpretaciones clásicas como, por ejemplo, "Four On Six", "West Coast Blues" (del álbum The Incredible Jazz Guitar, considerado su mejor trabajo por la extraordinaria habilidad con su inconfundible técnica del "fingerpicking")  y Bésame mucho" (del álbum Boss Guitar, de impecable interacción en trío junto a Mel Rhyne en órgano y Jimmy Cobb en batería).

Montgomery, que era un hombre modesto con dudas recurrentes sobre su técnica autodidacta convirtió en virtud sus métodos poco convencionales de tocar su instrumento. Ya fuera por necesidad o por elección, redujo el vocabulario de guitarra de los años del bebop, sustituyendo las frases intrincadas y llenas de notas del período inmediatamente posterior a Charlie Christian por solos tersos y despejados. Usando el pulgar en vez de una púa, Wes producía un tono vibrante similar al del canto con el instrumento, lo cual reforzaba con el empleo frecuente de líneas melódicas de octavas dobladas. 

La obra tardía de Montgomery, producida por Creed Taylor, se caracterizó cada vez más por los deslucidos acompañamientos de almibaradas orquestas de cuerda. Para cuando llegó la época de sus últimos proyectos con el sello A&M, Montgomery había quedado relegado a tocar versiones de canciones de The Beatles y otros temas de pop y rock. Sin embargo, ni siquiera estas grabaciones carecían de momentos brillantes, y al menos sirvieron para ampliar su público. En efecto, su disco A Day In The Life se convirtió en el disco de jazz más vendido de 1967.

El guitarrista no vivió lo suficiente como para disfrutar totalmente de los beneficios de su éxito.  El 15 de junio de 1968 sucumbió a un ataque al corazón a la edad de cuarenta y cinco años.

 Wes Montgomery - Boss Guitar

* 1 - Bésame Mucho *

2 - Dearly Beloved

3 - Days Of Wine and Roses

4 - The Trick Bag

5 - Canadian Sunset

6 - Fried Pies

7 - The Breeze And I

8 - For Heaven’s Sake

9 - Bésame Mucho (take 2)

10 - The Trick Bag (take 6)

11 - Fried Pies (take 1)

** E X T R A S **

Aunque Gioia recomiende sólo la versión de "Bésame Mucho", su apretada síntesis me sedujo a presentar los tres trabajos involucrados en sus comentarios. Es cierto que el pobre A Day In The Life quizá funcione simplemente como "música de ascensor", pero sirve como testimonio de lo que pueden hacer los intereses comerciales de las discográficas con el talento de un músico exquisito.

 Wes Montgomery - The Incredible Jazz Guitar

1 - Airegin

2 - D-Natural Blues

3 - Polka Dots And Moonbeams

4 - Four On Six

5 - West Coast Blues

6 - In Your Own Sweet Way

7 - Mr. Walker (Renie)

8 - Gone With The Wind

Wes Montgomery - A Day In The Life

1 - A Day In The Life

2 - Watch What Happens

3 - When A Man Loves A Woman

4 - California Nights

5 - Angel

6 - Eleanor Rigby

7 - Willow Weep For Me

8 - Windy

9 - Trust In Me

10 - The Joker

** FLASHBACK - Chet Baker **

Chet Baker - The Trumpet Artistry Of Chet Baker

History Of Jazz #69 - David Murray

M - Murray, David

Flowers For Albert

(26 de junio, 1976)

Murray's Steps

(14-19 de julio, 1982)

Entre los numerosos saxofonistas surgidos en los últimos años del siglo XX, David Murray ocupa un lugar singular. 

Hijo de músicos, entró pronto en contacto con el mundo de las notas. Antes de dedicarse por completo al jazz, dirigió durante breve tiempo algunos grupos aficionados al rhythm & blues. Su encuentro a finales de 1960 con el compositor Stanley Crouch, que entonces dirigía el grupo "Black Music Infinit" integrado entre otros por Wilbur Morris y James Newton, fue decisivo para el rumbo de su carrera profesional. A través de esa formación contactó con el "Pomona College", una magnifica institución donde estudió piano y sobre todo saxo. Su actividad se incrementó notablemente y en 1974 interpretó el papel de saxofonista principal en el drama de Stanley Crouch, titulado "The Saxophone Man". En 1975 se trasladó a Nueva York  siguiendo los consejos de Cecil Taylor y allí conoció y tocó con lo más selecto de la escena neoyorquina del jazz de los años de 1970: Oliver Lake, Julius Hemphill y otros músicos asociados al freejazz y componentes por aquella época del Word Saxophone Quartet, donde él también llegó a codirigirlo en alguna ocasión. En 1979, formó un excelente octeto que comenzó a actuar como versión reducida de su  gran orquesta. En ese formato, David Murray, encontró la mejor combinación posible entre vanguardia y tradición negra. 

A propósito de Murray y ensayando sobre la posmodernidad, escribe Gioia:

Los principales héroes del jazz posmoderno han tendido a ser prodigiosos en su ingente producción y omnívoros en sus gustos. Ningún músico de su generación ha llegado a personificar estos rasgos en mayor grado que el saxofonista David Murray.

Antes de cumplir cuarenta años, Murray ya tenía unos ciento cincuenta discos en su haber, los cuales abarcaban un impresionante abanico de contextos y estilos, desde el solo de saxo hasta la big band, pasando por muchos otros entornos intermedios.

Es un síntoma del jazz posmodernos en general, y de la carrera de Murray en particular, que los intentos de describir esta música tiendan a caer en una enumeración de las diversas influencias.

Ciertamente, a los genealogistas del jazz podría llevarles mucho tiempo detallar los predecesores que dejaron su rastro en uno u otro disco de Murray. Flowers For Albert, uno de sus primeros, estaba dedicado a Albert Ayler, cuya influencia en Murray era evidente, como lo era la repercusión de otros saxofonistas de vanguardia como Eric Dolphy y Ornette Coleman. Pero Murray, con el tiempo, también sería comparado con un gran número de estilistas del saxo -Sonny Rollins, John Coltrane, Paul Gonsalves, Eddie "Lockjaw" Davis, Ben Webster e incluso Sidney Bechet- con mayor o menor acierto.

Por supuesto, la carrera de Murray, tal y como evolucionó, reflejó la distancia cada vez mayor entre el jazz progresista y la freedom music, un abismo que se abrió en la década de 1960 y que se fue ensanchando apreciablemente en las de 1980 y 1990.

Durante una entrevista en 1983, Murray comentó: "La música tiene que empezar a tener swing de nuevo. Ella refleja los aspectos sociológicos de cada época… la gente no quiere una música que les haga sufrir".

Tanto en su faceta de compositor como en la de instrumentista, Murray ha perseguido ese ideal. En el proceso incorporó la influencia de otros grandes compositores e intérpretes de jazz, especialmente Mingus y Ellington, como se evidencia en su obra para grandes conjuntos. Las grabaciones del octeto de Murray para el sello Black Saint han sido especialmente evocadoras, recordando el don de Mingus para mezclar el formalismo con una despreocupada inconsciencia.

Para ejemplificar el análisis, Ted Gioia nos propone dos temas.

Por una lado, "Flowers For Albert" -su célebre homenaje a Ayler desde el no menos famoso concierto ofrecido en The Ladies’ Fort de Nueva York el 26 de Junio de 1976-, acompañado por Olu Dara en trompeta, Fred Hopkins en contrabajo y Phillip Wilson en batería, y registrado para el sello India Navigation.

Por otro, "Murray's Steps" -perteneciente al álbum del mismo nombre-, grabado para el sello Black Saint el 14, 15 y 19 de Julio de 1982, y esta vez acompañado por el octeto completado por Henry Threadgill es saxo alto, Bobby Bradford en trompeta, Lawrence "Butch" Morris en corneta, Craig Harris en trombón, Curtis Clark al piano, Wilber Morris al contrabajo y Steve McCall en batería.

David Murray - Flowers For Albert

CD 1

* 1 - Flowers For Albert *

2 - Santa Barbara And Crenshaw Follies

3 - Joanne’s Green Satin Dress

4 - After All This

CD 2

1 - Roscoe

2 - The Hill

3 - Ballad For A Decomposed Beauty

David Murray - Murray's Steps

* 1 - Murray's Steps *

2 - Sweet Lovely

3 - Sing Song

4 - Flowers For Albert

** FLASHBACK - Lighthouse All-Stars **

Lighthouse All-Stars / Jazz Statesmen 

Double Or Nothin' 

Don Sleet: al rescate de un desconocido

 A finales de 1950 hubo una serie de músicos de jazz de gran talento que no alcanzaron el "título" de grandes ya que registraron muy pocos álbumes. En algunos casos, estos músicos nunca tuvieron la oportunidad de grabar ampliamente. O se les ocurrió demasiado tarde y fueron eclipsados por la era del rock a mediados de la década de 1960. O sucumbieron a la adicción a las drogas y no pudieron mantenerse en la palestra el tiempo suficiente para ganar la confianza de los productores de discos. Uno de esos artistas de jazz que puede incluirse en todas estas categorías fue el excelente trompetista de hard-bop Don Sleet.

Poco se sabe de Don Sleet. Había nacido el 27 de Noviembre de 1938 en Fort Wayne (Indiana) y murió de cáncer en Nueva York el 31 de Diciembre de 1986. No aparece en ninguna entrada de la Encyclopedia of Jazz como tampoco en las del New Grove Dictionary Of Jazz. Sin embargo la revista Downbeat lo destacó como mejor trompetista durante los años 1956, 1957 y 1958.

Poseía un tono medio más grande que el de Miles Davis y el de Chet Baker, pero no tanto como el de Clifford Brown, Freddie Hubbard o Lee Morgan. No obstante Davis y Baker fueron influencias importantes, al igual que Kenny Dorham y Art Farmer.

Desafortunadamente grabó un solo disco como líder, All Members. Un magnífico registro del 16 de Marzo de 1961 acompañado por Jimmy Heath en saxo tenor, Wynton Kelly al piano, Ron Carter en contrabajo y Jimmy Cobb en batería. Sólo pueden rastrearse otras de sus intervenciones como acompañante en formaciones de Stan Kenton durante 1953, en 1959 participando del Like Soul! de la vocalista Gloria Smyth, en 1964 figurando con Lenny McBrowne and the Four Souls y formando parte de la sección de trompetas en el My Fair Lady del baterista Shelly Manne como así también de los Lighthouse All Stars del contrabajista Howard Rumsey.

Entre las pocas páginas que le han dedicado algún artículo destacado, cabe mencionar la realizada por Marc Myers en su blog JazzWax. Por lo tanto es de prestarle atención a la publicación que acaba de lanzar el escritor francés Nicolas Rabel a través de la editorial IDEO-LIBRIS, un libro muy especial e innovador que permite escuchar los textos y extractos de música originales, visualizar fotos de época y dibujos creados específicamente para el libro.

Rabel -autodefinido como "amateur and crazy about jazz music"-, pretende dedicar investigaciones similares de otros artistas de jazz pero para este primer volumen tuvo la oportunidad conseguir algunas fotos inéditas y hablar con su familia, quienes le confiaron detalles nunca antes revelados. 

Avisados están. Ahora sólo resta sumergirse en el "one and only" All Members... verdaderamente una joya!

Don Sleet - All Members

1 - Brooklyn Bridge

2 -  Secret Love

3 - Softly, As In A Morning Sunrise

4 - Fast Company

5 - But Beautiful

6 - All Members

7 -  The Hearing

** FLASHBACK - Mulligan & Baker **

The Complete Pacific Jazz and Capitol Recordings 

Of The Original

Gery Mulligan Quartet and Tentette with Chet Baker