Booker Little - Los discos de la gran incógnita

Dotado del oído de un mago, Booker Little poseía un lirismo innato y la consistencia firme que otorga el dominio total de la trompeta. Dueño de una técnica impecable, así como poseedor de una facilidad asombrosa para crear efectos dramáticos, puede ser considerado como el gran olvidado y a la vez el gran comodín para los entendidos; sin embargo, su importancia y legado están aún pendientes de ser reivindicados como merecen.

Booker Little Jr. nació el 2 de abril de 1938 en Memphis y falleció el 5 de octubre de 1961 en Nueva York. Era el cuarto hijo de una humilde familia trabajadora con una fuerte inclinación musical; su padre, portero de hotel, había aprendido a tocar el trombón de manera autodidacta, y su madre tocaba el piano en la parroquia. Tras probar con el trombón y el clarinete, se decidió por la trompeta, con la que comienza a presentarse en hoteles y clubes. El 1954, con 16 años, se inscribe en el Conservatorio de Chicago, donde perfecciona su maestría en trompeta e inicia estudios de composición, teoría musical y orquestación. Durante su segundo año en Chicago, compartió habitación con Sonny Rollins, quien le presentó a Max Roach (desde ese momento, su más íntimo e importante "protector").

Tras graduarse en 1958, Roach lo reclama para su grupo y se traslada a Nueva York, donde se codea con Coltrane en el Five Spot Café, estrecha amistad con nuevos músicos y se le empieza a conocer como un versátil e interesante trompetista influenciado fuertemente por Fats Navarro, Clifford Brown e, inevitablemente, Miles Davis. 

Como líder, dejó registrado tan solo cuatro álbumes: Booker Little 4 and Max Roach (1958), Booker Little (1960), Out Front (1961) y Victory and Sorrow (1961, también conocido como Booker Little and Friend).

Nuevamente es el libro de Carlos Sampayo el que nos induce a repasar el "fundamental" Out Front, registrado durante dos sesiones en la primavera de 1961 y producidas por el crítico Nat Hentoff. Entre los numerosos factores que contribuyen a hacer de éste un álbum clásico, destaca principalmente la capacidad compositiva de Booker Little. Tanto por la fecha de su grabación como por lo contenido en ella, Out Front puede ser considerado el disco de la gran incógnita —como lo definió el gran divulgador parisino Juan Claudio Cifuentes (aunque instalado en España desde 1961, "Cifu, para los amigos", como decía en sus programas radiales)—, que no es otra que saber qué camino hubiera tomado el jazz de haber continuado por lo ahí expuesto en lugar del beligerante free atonal de los convulsos años de la década de 1960.  

En su reseña, consigna Sampayo:

De vivir hoy, Booker Little tendría una edad en que los trompetistas cuidadosos de la salud ya han hecho las cuentas con sus labios, y cálculos de tiempo, firmeza de sonido, agilidad mental y estado de la dentadura o prótesis. Si además de instrumentistas son artistas, es el momento de resumir lo hecho, de pensar en la obra propia, de recrearse con la estirpe generada. No cabe duda de que Little habría expandido su música prolongándola en otros, pero el modo en que lo hubiera hecho es solo figuración.

El protagonista de nuestra fábula —y de esta reedición imprescindible— murió a los veintitrés años. La discografía a su nombre se reduce a cuatro títulos, de los cuales Out Front es el penúltimo; el último, Victory and Sorrow, también en sexteto, precedió en una semana a su muerte.

Hay, por otro lado, suficiente testimonio discográfico de su valía y talento: grabaciones en vivo junto a Eric Dolphy en el Five Spot de Nueva York, y sobre todo como integrante de diferentes formaciones de Max Roach, quien lo había escogido como reemplazo de Clifford Brown.

El de 1961 habría sido el año de la consagración prematura de Little como una de las grandes figuras del jazz. Su estilo —si podemos reducir sus modos poéticos a una categoría tan escueta— proponía espacios abiertos, conllevaba la libertad, esencia del jazz desde que Louis Armstrong lo indicara en 1928. En otro lugar de la sensibilidad jazzística colectiva, Don Ellis estaba haciendo otro tanto. Como Ellis, Little no fue un fracturador a la manera de Bill Dixon o Don Cherry sino un reelaborador de formas, un demoledor de clichés. No perteneció a la primera camada del free jazz porque su exploración había enfilado hacia otros senderos.

¿Otra forma de free? ¿Una anticipación de lo que ocurriría en los años ochenta, con el reflujo hacia las formas canónicas? No podemos saberlo. La música de Little, rica en matices y evidencias, no rehuía el virtuosismo, del que el artista se servía para llenar espacios vacíos e incertidumbres y burlarse de los tópicos. Siempre apoyado en el esquema rítmico bopper, que le daba la comodidad de un sostén amortiguado, Little expresó ideas hasta entonces inéditas, complementarias de las de Eric Dolphy, que fue su más ajustado compañero de ruta.

Out Front cayó en manos del público en un momento de convulsiones jazzísticas, pero no fue inadvertido, muy al contrario. La crítica no faltó al elogio y algunos jazzmen de prestigio (Charles Mingus, Gunther Schuller, John Coltrane) manifestaron su felicidad ante la aparición de esta auténtica obra unitaria. Las ocho composiciones originales de Little no son una simple suma de invenciones aisladas —muy meritorias cada una de ellas— sino una invitación a una percepción total. Al extraordinario dominio de su instrumento Little sumaba una aguda pericia en los arreglos. Combinación de timbres, saltos tonales, expansiones rítmicas sirven aquí para expresar efectos que traducen diferentes estados de ánimo; júbilo, dramatismo, ligereza, humor y, sobre todo, curiosidad. Como la música de todo creador contemporáneo, la de Little deja la sensación de no concluida, aun en su perfección formal. Esta inquietud es la que lleva a preguntarse sobre los resultados de la evolución del arte de este joven del pasado moderno del jazz, una forma de expresión que ya no admite ni perdona frustraciones como las de Little, Clifford Brown, Fats Navarro o Bix Beiderbecke.

En Out Front, con él están Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo, flauta), Julian Priester (trombón), Don Friedman (piano), Art Davis o Ron Carter (contrabajo), Max Roach (batería, vibráfono, timbales). A la consagración prematura de Booker Little, 1961 trajo la muerte prematura, hecho mínimamente compensado con una reedición como esta.

Nota: Sampayo menciona en su reseña "ocho composiciones". Seguramente se está refiriendo a una reedición japonesa de 1991 en disco compacto, en la que se agregó una toma alternativa de "Strength And Sanitys", no presente el el vinilo editado en 1977 por Barnaby/Candid Jazz (BR-5019) que se presenta aquí.

Booker Little

Out Front

Lado 1

1 - We Speak

2 - Strength And Sanity

3 - Quiet Please

Lado 2

4 - Moods in Free Time

5 - Man Of Words

6 - Hazy Blues

7 - A New Day

Booker Little (trompeta); Julian Priester (trombón); Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo y flauta); Don Friedman (piano); Art Davis [#1, #3, #7], Ron Carter [#2, #4, #5, #6] (contrabajos); Max Roach (batería, timbales y vibráfono).

Grabaciones realizadas en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 17 de marzo (#1, #3, #7) y el 4 de abril (#2, #4, #5, #6) de 1961.

⁂

Si Out Front mereció tantos encendidos análisis por parte de la crítica especializada, el álbum final de Little, Victory And Sorrow, grabado apenas pocas semanas después, demostró que cualquiera fuese el lugar al cual el jazz se estaba dirigiendo en aquellos turbulentos y estimulantes años, el trompetista sabía que tenía que formar parte de esa "nueva corriente". Debido a la asombrosa concepción musical y al talento para explotar los recursos instrumentales que Little utilizó en ambos, Quintaesencia se permite considerar a Victory And Sorrow como la continuación natural de Out Front y así contribuir a "alimentar la sospecha" ante la interrogante de qué hubiese sucedido en el mundo del jazz si Booker Little no hubiera fallecido tan pronto.

En sus liner notes, el productor Michael Cuscuna lo deja más claro:

En sus cuatro años de actividad verdaderamente profesional, Booker Little tuvo un impacto extraordinario en la forma y el estilo del jazz en su transición del hard bop a formas más amplias y libres. Fue un instrumentista y compositor asertivo, imaginativo y reflexivo. Es asombroso darse cuenta del nivel de realización y madurez alcanzados en una vida que terminó a la edad de 23 años.

Al igual que (Eric) Dolphy, Booker Little, pensando en términos de música pura, consideraba que "no existen las notas equivocadas", una actitud que le permitió superar las reglas tradicionales de armonía, estructura y tono. Esta expansión de horizontes podía parecer un lugar común en los setenta, pero el público aficionado al jazz se mostraba sorprendentemente resistente a cambios tan inteligentes a finales de los cincuenta y principios de los sesenta.

Si bien es triste darse cuenta de que este álbum ambicioso y prometedor es el capítulo final de la brillante y efímera carrera de Booker Little, la música que reúne ciertamente se destaca y resiste la prueba del tiempo.

Booker Little

Victory And Sorrow

Lado 1

1 - Victory And Sorrow

2 - Forward Flight

3 - Looking Ahead

Lado 2

4 - If I Should Lose You

5 - Calling Softly

6 - Booker's Blues

7 - Matilde

Booker Little (trompeta), Julian Priester (trombón), George Coleman (saxo tenor), Don Freedman (piano), Reggie Workman (contrabajo),  Pete La Roca (batería).

Grabado en Nueva York, en el verano (agosto o setiembre) de 1961. 

Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

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Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

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En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

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El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

George Wallington - El arte del trío (II)

Si las grabaciones en trío de Goerge Wallington para los sellos Savoy y Progressive revelaron cómo el pianista podía combinar la elegancia con la complejidad, las siguientes sesiones producidas para el sello Prestige de 1952 y 1953, volvieron a confirmar su gran talento para tocar y componer. 

Seguramente no fue casual que el legendario sello fundado por Bob Weinstock, característico por su acertado "olfato" al reparar en futuros gigantes del jazz moderno, se fijara en Wallington como líder.

Originalmente, fueron publicados como dos álbumes de 10 pulgadas. "Hay creadores en el jazz que no se contentan con tocar únicamente música de otros, sino que necesitan expresarse con composiciones originales. George Wallington es uno de esos artistas, un joven cuyo semblante plácido es reemplazado por uno de mayor intensidad cuando se sienta frente al piano para demostrar su devoción por su música", escribió Ira Gitler en las liner notes del primero de ellos.

En el segundo, fue el crítico Bill Coss, habitual colaborador de las revistas Down Beat y Metronome, el encargado de profundizar más en la importancia de Wallington: "El jazz, como cualquier otra forma de arte, a menudo está afectado y enredado en lo banal y artificial, provocando un exceso de indulgencia por parte del oyente y una sobreproducción por parte del músico que intenta frenéticamente imponer una novedad. Surge así un culto que ama el efecto más que la causa (...) Han aparecido gigantes que superaron el estancamiento musical, llevando el jazz a nuevas y mejores posiciones. Art Tatum es uno, otro es Charlie Parker. George Wallington, el sujeto y predicado de este álbum, es uno más (...) Aquí asistimos al nacimiento de nuevas ideas, nuevas estructuras y, lo que es más importante, al inicio de una marca indeleble de belleza y honestidad. Con estas grabaciones, George Wallington ha dado un paso de gigante para y en el jazz".

No fue una tarea sencilla restaurar el audio de estas formidables grabaciones. Quizá muchos puedan reprocharle cierta "baja calidad" al sonido logrado en la remasterización del sello Original Jazz Classics que se presenta aquí. En realidad, lo que debe agradecerse es el rescate de estos históricos 15 originales y "únicos" ya que Prestige, por entonces, no acostumbraba a realizar tomas alternativas. Los músicos entraban a estudio y grababan una sola vez el repertorio elegido. En uno de ellos —"Love Beat"— hay, si se quiere, una "novedad" añadida: Wallington hace del trío un cuarteto, invitando a otro hijo de inmigrantes (checos, en este caso), al que había conocido en sus inicios profesionales, cuando ambos tocaban en el grupo de diexeland de Joe Marsala. Se trata del guitarrista Chuck Wayne —cuyo verdadero nombre era Charles Jagelka— que se unió al grupo con la mandola, un instrumento un poco más grande que la mandolina con la misma afinación que el banjo tenor, totalmente inusual en el jazz en general y en el bop en particular.

George Wallington

The George Wallington Trios

1 - Love Beat

2 - Summer Rain

3 - Escalating

4 - Laura

5 - Tenderly

6 - When Your Old Wedding Ring Was New

7 - Red, White And Blue

8 - Arrivederci

9 - Squeezer's Breezer

10 - Among Friends

11 - Variations

12 - My Nephew And I

13 - Ours

14 - I Married An Angel

15 - Cuckoo Around The Clock

George Wallington (piano); Charles Mingus [como Baron Fingus #1 a #4], Oscar Pettiford [#5 a #8], Curly Russell [#9 a #15] (contrabajos); Max Roach (batería), Chuck Wayne (mandola en #1)

Grabados en Nueva York, el 4 de setiembre de 1952 (#1 a #8) y el 25 de mayo de 1953 (#9 a #15). 

George Wallington - El arte del trío (I)

George Wallington, cuyo verdadero nombre era Giacinto Figlia, nació en Palermo, Sicilia, el 27 de octubre de 1924.

Llegó con su familia a los Estados Unidos recién nacido, comenzó a estudiar mandolina y violín a los seis años y piano a los nueve. Con tan solo 20 años conoce a Max Roach y se incorpora al primer grupo de bop —el quinteto de Dizzy Gillespie— con el que se presenta en el Onyx Club de la neoyorkina Calle 52. 

A continuación, después de pasar un año con la banda de Joe Marsala, continuó su carrera integrando grupos como los de Georgie Auld, Allen Eager, Red Rodney, Charlie Parker, Kai Winding y Gerry Mulligan. En 1949 comenzó a dirigir sus propios combos, aunque sin dejar de colaborar con músicos como Lionel Hampton y realizar grabaciones con Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Phil Woods, Tony Scott, entre otros. Sus contribuciones reflejaron su innata capacidad creativa y un talento que lo consagró como uno de los mejores compositores del bop, solo comparado con Bud Powell, Al Haig y Dodo Marmarosa.

Pese al paso del tiempo, los tríos de Wallington siguen sonando increíblemente hermosos gracias a su personal forma de tocar: dinámica, firme y elegante. La asombrosa y veloz elocuencia de Wallington como pianista, que contrastaba extrañamente con su forma introvertida y lacónica como persona, muestran por qué fue uno de los pianistas más incisivos y creativos en el panorama del bop.

Sus dos primeras grabaciones en formato trío fueron realizadas para el sello Savoy. Una de sus presentaciones en disco apareció en un EP que también incluye dos registros en formato septeto, con su piano adecuadamente "modesto" para dejar en un primer plano los "alientos" de Jerry Lloyd, Kai Winding, Brew Moore y Gerry Mulligan. El productor Ozzie Cadena se encargó de las liner notes, expresando que se sentía "muy feliz de haber sido quien impulsara la realización". Si te gusta el buen jazz como a mí —dice Cadena—, seguro que disfrutarás y reconocerás el gran talento de George Wallington como pianista, arreglador y compositor.

George Wallington

George Wallington's All Stars

Lado 1

1 - Knockout

2 - Igloo

Lado 2

3 - Failyland

4 - Racing

George Wallington (piano), acompañado por:

#1 y #2:

Jerry Lloyd (trompeta); Kai Winding, Jerry Horowitz (trombones); Brew Moore (saxo tenor); Gerry Mulligan (saxo barítono); Curly Russell (contrabajo); Charlie "Chas" Perry (batería); Buddy Stewart (vocalista en #1).

#3 y #4:

Curly Russell (contrabajo), Charlie "Chas" Perry (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 9 de mayo de 1949.

⁂

Las siguientes grabaciones de Wallington en trío aparecieron dos años más tarde conformando un disco realizado para el sello Progressive. Fue también del álbum debut de la casa discográfica fundada por el productor Gus Statiras, también conocido como Gus Grant cuando se desempeñaba como disc jockey en las radios de Nueva York. 

El propio Statiras se encargó de resaltar las cualidades de Wallington en sus liner notes: "Hasta el lanzamiento de este álbum, nunca se habían escuchado las ricas cualidades estéticas de la música y la forma de tocar de Wallington. Encontrará su trabajo fresco, humorístico y emocionante. Cada composición difiere de la otra en sentimiento y en la estructura de los acordes y ninguna se basa en alguna melodía estándar o popular, algo utilizado tan recurrentemente por otros compositores modernos. Seguramente estarás de acuerdo con nosotros en que los temas de este álbum son maravillosos y que muestran a un George Wallington en su mejor momento". 

Como lo anunció la revista Billboard en su edición del 26 de julio de 1952: "el swing y el desempeño del trío en este set debería interesar a todos los coleccionistas de jazz".

George Wallington

George Wallington Trio

Lado 1

1 - Twins

2 - Polka Dot

3 - I'll Remember April

4 - High Score

Lado 2

5 - Hyacinth

6 - Joy Bell

7 - I Didn't Know What Time It Was

8 - Fine and Dandy

George Wallington (piano), Curley Russell (contrabajo),  Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 21 de noviembre de 1951. 

Obscure #12 - Tommy Turrentine

Thomas Walter Turrentine, Jr. nació el 22 de abril de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Conocido en el mundo del jazz simplemente como Tommy Turrentine, fue un trompetista con todas las cualidades para la grandeza.

Aunque no se lo pueda considerar ni desconocido ni olvidado, hubo quizá tres razones que le impidieron una mayor trascendencia: cierta falta de audacia para "sobresalir", algunos problemas de salud que restringieron su trabajo y "la sombra" de su exitoso hermano menor Stanley.

Se unió a la Big Band de Benny Carter a los dieciocho años y, a los veinte, a las orquestas de Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Brevemente, también integró la banda de Count Basie. Entre 1952 y 1955, formó parte de la banda de Earl Bostic.

Discográficamente, participó en 25 grabaciones ya consideradas clásicas, acompañando a figuras tan variadas como Ahmed Abdul-Malik, Paul Chambers, Sonny Clark, Lou Donaldson, Booker Ervin, Dexter Gordon, Rufus Jones, Philly Joe Jones, Abbey Lincoln, Jackie McLean, Horace Parlan, John Patton, Max Roach, Archie Shepp, Sun Ra y su hermano Stanley.

Para los expertos en "lo técnico", su talento para la improvisación se diferenció marcadamente de sus colegas de entonces, distinguiéndose por un sonido amplio, cálido y melódico con el que era capaz de crear solos de líneas largas e ininterrumpidas.

Tommy Turrentine también fue un experto pianista y compositor. La crítica considera que sus composiciones combinaron una sofisticación y un lirismo que recuerda "la pluma" de Benny Golson.

¿Qué lo convirtió en obscure y en leyenda? Su único disco como líder, grabado a comienzos de 1960.

Por entonces, Tommy formaba parte del combo de Max Roach. Para su primer y único álbum, respaldado por sus compañeros del grupo de Roach más el pianista Horace Parlan, Tommy compuso cinco de los siete temas que lo conforman.

En esta sólida y vibrante grabación cada uno de los integrantes del sexteto "rindió" a la par, logrando un excelente resultado que se orientó firmemente a los estándares del hard bop de la época. Según Max Roach —el "jefe" de todos por entonces—, ninguno de ellos cayó en imitaciones. En la manera que tocan se pueden escuchar influencias, por supuesto. Pero cada uno se apegó a sus "propias armas".

Paradójicamente, a partir de esta pieza de colección, mientras su hermano Stanley iba rumbo al pináculo, Tommy ya comenzaba a "desvanecerse" en la oscuridad.

También paradójico es que las liner notes de Nat Hentoff sigan teniendo vigencia más de 60 años después: Durante varios años, los jazzistas de Pittsburgh o aquellos que han pasado por la ciudad suelen citar al trompetista Tommy Turrentine como un excelente ejemplo del músico imaginativo. Más allá de un círculo reducido de compañeros, aún no ha recibido merecida atención, debido a que eligió trabajar en su ciudad de origen en vez de instalarse en Nueva York, Chicago, Los Ángeles o San Francisco, lugares adecuados para volverse popular y donde están los principales compositores y las más importantes compañías discográficas.

Sin embargo, el nombre de Tommy se está volviendo reconocido, gracias a sus actuaciones con los grupos de Max Roach desde marzo de 1958. Ahora, este primer disco bajo su propio nombre debería servir para aumentar el tamaño de su audiencia.

Tommy recién se mudó a Nueva York en 1970. Junto a su esposa Jane se instaló en una de las clásicas casas de ladrillos rojos de la calle 82 Oeste, entre Broadway y Central Park. Murió de cáncer a los 69 años, el 15 de mayo de 1997.

Tommy Turrentine

Tommy Turrentine

1 - Gunga Din

2 - Webb City

3 - Time’s Up

4 - Long As You’re Living

5 - Too Clean

6 - Two, Three, One, Oh!

7 - Blues For J.P.

Tommy Turrentine (trompeta), Stanley Turrentine (saxo tenor), Julian Priester (trombón), Horace Parlan (piano), Bob Boswell (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Capitol Studios, Nueva York, el 19 de enero de 1960. 

Obscure #11 - John Dennis

John Dennis nació en Filadelfia en 1930. A falta de datos biográficos, lo poco que se puede rastrear sobre su personalidad proviene de recuerdos de otros colegas. 

Por ejemplo: en una entrevista a Jimmy Heath realizada en 1990 por el periodista y divulgador Gene Santoro, el saxofonista recordó que en los círculos filadelfianos a John se le conocía como "Fat Genius" (el "gordo genio"). Por su parte, el pianista Muhal Richard Abrams, lo consideraba un músico con un "enfoque pianístico completo", capaz de "combinar la música clásica con el jazz o bien ser el invitado perfecto para una velada de cóctel".

También en una entrevista, otro nativo de Filadelfia, el vibrafonista Walt Dickerson, dijo: "Con John éramos como hermanos inseparables. Tenía una memoria fotográfica y todos los que pasaban por Filadelfia le tenían un gran respeto. Era simplemente increíble. No estaba nada interesado en lo que sucedía alrededor porque sabía que artísticamente estaba muy por delante de lo que estaba pasando. Pero sus padres eran personas muy fundamentalistas y lo presionaban mucho para que no tocara lo que para ellos era 'música del diablo'. Y eso a un artista como John lo afectó muchísimo. Cuando una persona no puede continuar buscando y desarrollando su arte, algo le pasa, tanto física como mentalmente. Conocí a muchas personas que, aunque no les pasara nada físicamente, morían con el corazón roto. No les pasa nada, pero se les rompe el corazón y simplemente se dan por vencidos. Y eso es lo que le pasó a John".

Lo que mejor se sabe de él es lo que sucedió el 10 de marzo de 1955.

Atentos a nuevos talentos con mente aventurera y creativa, Charles Mingus y Max Roach, en búsqueda de nuevas figuras para el sello discográfico Debut que habían fundado tres años antes, convocaron a John para que los acompañara a grabar una sesión y así completar la sección rítmica que acompañaría al trompetista Thad Jones. Instalados en el famosos living de la casa de los padres de Rudy Van Gelder, registraron lo que formaría parte del disco Collaboration. Con el agregado de otra sesión de Thad como líder, dichas grabaciones aparecieron después bajo el título The Fabulous Thad Jones.

Thad Jones

Thad Jones

(The Fabulous Thad Jones)

1 - Get Out Of Town

2 - One More

3 - Bitty Ditty

4 - More Of The Same

5 - Elusive

6 - Sombre Intrusion

7 - I Can't Get Started

8 - I'll Remember April

9 - You Don't Know What Love Is

10 - Chazzanova

11 - Get Out Of Town (alternate take)

12 - One More (alternate take)

#1, #2, #4, #7, #11, #12:

Thad Jones (trompeta), John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

#3, #5, #6, #8, #9, #10:

Thad Jones (trompeta), Frank Wess (saxo tenor y flauta), Hank Jones (piano), Charles Mingus (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabaciones realizadas en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de agosto de 1954 (#3, #5, #6, #8, #9, #10) y el 10 de marzo de 1955 (#1, #2, #4, #7, #11, #12). 

⁂

Pero volvamos al 10 de marzo de 1955 y al verdadero obscure de esta vez.

Finalizada la grabación de los cuatro temas secundando a Thad Jones, Mingus y Roach, asombrados con el desempeño de John y conscientes de la brillante imaginación y elocuencia del pianista de 25 años que tenían delante, decidieron grabar ese mismo día otro álbum, pero con Dennis como líder. Ellos mismos decidieron acompañarlo y el título que eligieron para el álbum reflejó lo que sintieron al escucharlo: New Piano Expressions. Fue el único disco de Dennis como líder y sus avanzadas ideas dejaron a toda la escena del jazz asombrada e intrigada.

Afortunadamente, la edición en CD de 1994 recoge todo lo que sobrevivió para la posteridad. Los ocho temas del LP original más tomas alternativas y dos versiones de "All The Things You Are" que no formaron parte de aquel raro y obscure vinilo. Estas pistas y las que figuran junto a Thad Jones son los únicos y claros testimonios de lo lejos que podría haber llegado John Dennis si su carrera no se hubiera interrumpido tan repentinamente.

Murió en 1963, ocho años después de estas singulares grabaciones, a la temprana edad de 33 años.

John Dennis

New Piano Expressions

1 - Ensenada

2 - Machajo

3 - Cherokee

4 - Seven Moons

5 - Seven Moons (alternate take)

6 - All The Things You Are (take one)

7 - All The Things You Are (take two)

8 - Cherokee (alternate take)

9 - Odyssey

10 - Chartreuse

11 - Variegations

12 - Someone To Watch Over Me

John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 10 de marzo de 1955. 

Retratos en Jazz #34 - Clifford Brown

Clifford Brown (1930-1956)

Nació en Delaware. Se le conoce cariñosamente como Brownie. Descubierto por Fats Navarro y Dizzie Gillespie, a partir 1951 formó parte de muchas orquestas. En 1954, junto a Max Roach, forma el Brown-Roach Quintet, dejando una huella destacada en la historia del modern jazz. Su breve carrera duró solo hasta sus 25 años, cuando muere en un accidente automovilístico. Sin embargo, registró varios discos exitosos para un sello del nivel de EmArcy. Acompañó a varias vocalistas, siendo particularmente famosa su participación junto a Helen Merrill.

Study In Brown (EmArcy MG-36037)

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Clifford Brown And Max Roach

Study In Brown

Lado 1

1 - Cherokee

2 - Jacqui

3 - Swingin'

4 - Lands End

Lado 2

5 - George's Dilemma

6 - Sandu

7 - Gerkin For Perkin

8 - If I Love Again

9 - Take The A Train

Clifford Brown (trompeta), Harold Land (saxo tenor), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Nueva York, el 23, 24 y 25 de febrero de 1955.

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~ Extras ~

Al Study In Brown, se impone casi naturalmente sumar los registros que estuvieron "durmiendo" en las bóvedas de la EmArcy hasta su hallazgo en 1981 y lanzados en 1983 bajo el título de More Study In Brown. El contenido se compone principalmente de tomas alternativas de las sesiones del Clifford Brown / Max Roach Quintet, más otros registros del año siguiente con la participación de Sonny Rollins que bien sirven para contrastar su poderoso saxo con el de Harold Land.

Clifford Brown

More Study In Brown

1 - I'll Remember April

2 - Junior's Arrival

3 - Flossie Lou

4 - Mildama

5 - Jordu

6 - These Foolish Things

7 - Lands End

8 - The Blues Walk

Clifford Brown (trompeta), Sonny Rollins (saxo tenor en #1, #2, #3 y #4), Harold Land (saxo tenor en #5, #6, #7 y #8), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York el 3 de agosto de 1954 (#5), el 6 de agosto de 1954 (#4 y #6), el 23 de febrero de 1955 (#7), el 24 de febrero de 1955 (#8), el 4 de enero de 1956 (#2) y el 17 de febrero de 1956 (#1 y #3).

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Respecto a la colaboración de Clifford con la cantante Helen Merrill, el disco al que refiere Murakami es, probablemente, el mejor registro discográfico de la extensa y prolífica carrera de Merrill, vocalista de ascendencia yugoslava, nacida en Nueva York en 1930 cuyo verdadero nombre es Jelena Ana Milčetić. Con excelentes arreglos de Quincy Jones, este álbum debut de Helen es un auténtico manifiesto de originalidad vocal y marca un hito, no solo en su carrera, sino también en el mundo del género, por ser considerado, más de sesenta y seis años después de ser grabado, como uno de los cien mejores disco de jazz vocal de todos los tiempos.

Helen Merrill

Helen Merrill

1 - Don't Explain

2 - You'd Be So Nice To Come Home To

3 - What's New

4 - Falling In Love With Love

5 - Yesterdays

6 - Born To Be Blue

7 - 'S Wonderful

Helen Merrill (vocalista), Clifford Brown (trompeta), Danny Bank (saxo barítono, flauta y clarinete bajo), Jimmy Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Milt Hinton (contrabajo en #1, #2, #6 y #7), Oscar Pettiford (violonchelo y contrabajo en #3, #4 y #5), Osie Johnson (batería en #1,#2, #6 y #7), Bobby Donaldson (batería en #3, #4 y #5), Quincy Jones (dirección y arreglos).

Grabado en Nueva York, entre el 22 y el 24 de diciembre de 1954. 

Retratos en Jazz #27 - Sonny Rollins

Sonny Rollins (1930)

Nació en Nueva York. Es el último gigante del jazz moderno contemporáneo. En los años dorados de la década de 1950 dominó la escena junto a Miles Davis, y en 1956 adquirió fama mundial con ese trabajo monumental que es el disco Saxophone Colossus. Su brillante técnica es conocida como "Rollins' principle". Como perfeccionista, busca constantemente nuevas oportunidades para improvisar. Anunció su retiro varias veces, pero siempre resucitó de las cenizas. Incluso ahora su encanto es único.

The Bridge (RCA Victor LPM-2527)

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Sonny Rollins

The Bridge

1 - Without A Song

2 - Where Are You

3 - John S.

4 - The Bridge

5 - God Bless The Child

6 - You Do Something To Me

Sonny Rollins (saxo tenor), Jim Hall (guitarra), Bob Cranshaw (contrabajo), Ben Riley (batería de #1 a #4 y en #6), Harry T. Saunders (batería en #5).

Grabado en el Estudio "B" de RCA Victor, Nueva York, el 30 de enero (#5), el 13 de febrero (#2, #3 y #6) y el 14 de febrero (#1 y #4) de 1962.

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~ Extra ~

Ante la mención de Murakami, es casi imposible no agregar a esta entrada ese monumento musical que constituye Saxophone Colossus.

Sonny Rollins grabó muchas sesiones memorables, pero Saxophone Colossus es posiblemente una de sus mejores obras que sigue dando batalla aun tras el paso de los años. Un coloso que dejó muchas influencias en lo que podría llamarse el free jazz contemporáneo. El hard-bop que Sony Rollins y sus compañeros despliegan en este disco es clave para el desarrollo de la historia del jazz. Hablar de Saxophone Colossus y no repetir obviedades es casi imposible. Cualquier cosa que se agregue será poco, parecerá obsoleto o simplemente sobrará. Mejor repasarla en atento silencio...

Sonny Rollins

Saxophone Colossus

1 - St. Thomas

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Strode Rode

4 - Moritat

5 - Blue Seven

Sonny Rollins (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Doug Watkins (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 22 de junio de 1956. 

Blue Note #5 - Thelonious Monk

Thelonious Monk

Genius Of Modern Music (Vols. 1 & 2)

Thelonious Monk, uno de los máximos exponentes de la música moderna, nos brinda enérgicas composiciones de estilo bop en este disco, de las cuales todas, excepto dos, están firmadas por el propio bopster. Los aficionados al estilo cool y muchos coleccionistas desearán adquirir esta nueva publicación de Blue Note.

** Billboard, Noviembre de 1952 (reseña del Vol.2)**

Además de la sesión de 1944 con Coleman Hawkins, la que se celebró en los neoyorkinos WOR Studios el 15 de Octubre de 1947 fue la primera de Monk; además, en ella debutó como líder.

Muchas de estas piezas aparecieron originalmente en discos de 78 rpm, y estas grabaciones son la base del jazz moderno.

De esa primera grabación de Thelonious Monk se cuenta que fue la cuarta de las siete sesiones que Alfred Lion produjo aquel año. El primer disco de 78rpm de aquella sesión, el BN 542, contó, adecuadamente, con “Thelonious”, que iba precedida por “Suburban Eyes”. Down Beat otorgó al disco dos estrellas de un máximo de cuatro y señaló lo siguiente en su reseña: “De Monk se esperan mejores canciones”.

En la segunda placa de 78 rpm, Monk incluyó la pieza que, aunque por aquel entonces se tituló “Round Midnight”, Pasó a conocerse como “Round About Midnight”, además de “Well You Needn’t”. Tras su lanzamiento en 1948, la publicación Billboard dijo: “Interesante material bop de manos del precursor de los bopsters”.

Ya en la nota de prensa que redactó la Blue Note para acompañar aquellas primeras placas de 78rpm queda claro que Lion tenía la sensación de haber encontrado el Santo Grial del jazz: “En realidad, hemos hallado la persona responsable de este nuevo estilo de música –y hemos tenido el privilegio de ser los primeros en registrar sus radicales y heterodoxas ideas-; se trata de un inusual y misterioso personaje que responde al no menos común nombre de Thelonious Monk. Entre los músicos, Thelonious es tratado con respeto y admiración, pues es un extraño individuo cuyas dotes pianísticas siguen desconcertando a todos los que lo escuchan".

Art Blakey, que acababa de cumplir 28 años y participaba por primera vez en una sesión de Blue Note, está en muy buena forma. Pero es tal el genio del que hace gala Monk que hay momentos en los que incluso el portentoso baterista se las ve para estar a la altura del espíritu musical del pianista.

Todos los temas que se refieran al estos dos volúmenes de Genius Of Modern Music, han sido recopilados, con el correr del tiempo en incontables formatos.

Como en una serie anterior de Quintaesencia ya fueron publicados individualmente, esta vez elegimos una magnífica edición de la Blue Note de 1994 que reúne la totalidad de los registros de Monk en su sello. Además de aquellas célebre tomas, registros alternativos y -aunque se repitan cuando les toque el turno a cada uno de ellos-, encuentros que Monk tuvo, entre 1947 y 1958 con otros colegas como Kenny Dorham, Idrees Sulieman, Max Roach, Milt Jackson, Lou Donaldson y Lucky Thompson, entre otros.

Thelonious Monk

The Complete Blue Note Recordings

CD 1

1 - Humph

2 - Evonce (alternate take)

3 - Evonce

4 - Suburban Eyes

5 - Suburban Eyes (alternate take)

6 - Thelonious

7 - Nice Work If You Can Get It (alternate take)

8 - Nice Work If You Can Get It

9 - Ruby My Dear

10 - Ruby My Dear (alternate take)

11 - Well You Needn't

12 - Well You Needn't (alternate take)

13 - April In Paris (alternate take)

14 - April In Paris

15 - Off Minor

16 - Introspection

17 - In Walked Bud

18 - Monk's Mood

19 - Who Knows

20 - Round Midnight

21 - Who Knows (alternate take)

CD 2

1 - All The Things You Are

2 - I Should Care (alternate take)

3 - I Should Care

4 - Evidence

5 - Misterioso

6 - Misterioso (alternate take)

7 - Epistrophy

8 - I Mean You

9 - Four In One

10 - Four In One (alternate take)

11 - Criss Cross

12 - Criss Cross (alternate take)

13 - Eronel

14 - Straight No Chaser

15 - Ask Me Now

16 - Ask Me Now (alternate take)

17 - Willow Weep For Me

CD 3

1 - Skippy

2 - Skippy (alternate take)

3 - Hornin' In (alternate take)

4 - Hornin' In

5 - Sixteen (first take)

6 - Sixteen (second take)

7 - Carolina Moon (alternate take)

8 - Let's Cool One

9 - I'll Follow You

10 - Reflections

11 - Misterioso

CD 4 

1 - Crepuscule With Nellie

2 - Trinkle Tinkle

3 - In Walked Bud

4. I Mean You

5 - Epistrophy

Thelonious Monk (piano) con: Milt Jackson (vibráfono); Idrees Sulieman, George Taitt, Kenny Dorham (trompetas); Danny Quebec West, Sahib Shihab, Lou Donaldson (saxos altos); Billy Smith, Lucky Thompson, Sonny Rollins (saxos tenores); Paul Chambers, Gene Ramey, Bob Paige, John Simmons, Al McKibbon, Nelson Boyd (contrabajos); Art Blakey, Shadow Wilson, Max Roach (baterías), Kenny "Pancho" Hagood (vocales).

Van Gelder Studio, Hackensack; WOR Studios y Apex Studio, Nueva York; Setiembre, Octubre y Noviembre de 1947; Julio de 1948; Julio de 1951; Mayo de 1952; Abril de 1957; En directo desde club Five Spot, Nueva York, Setiembre de 1958.

Blue Note #3 - Bud Powell

Si tuviera que escoger a un solo músico por su mérito artístico y la originalidad de sus creaciones, así como por la grandeza de su obra, me quedaría con Bud Powell. No hay nadie que lo iguale.

**Bill Evans**

Ya lo dice el título de este disco: Bud Powell es increíble. Con todo, esta aseveración no era una mera hipérbole discográfica: en realidad lo era y, para muchos, un genio, aunque es cierto que problemático.

Las drogas acabaron por afectarle y Powell tuvo que ser recluido en una institución psiquiátrica durante más de un año entre las sesiones que dieron lugar a ests disco y los que darían lugar al segundo volumen del mismo.

Según Miles Davis. "Bud fue el mejor pianista de su época", hecho que puede corroborarse en este disco. Thelonious Monk, por su parte, afirmaba: "Nadie podía tocar como Bud; era demasiado difícil, demasiado rápido, increíble!".

La noche antes de la sesión de grabación de este disco, Alfred Lion invitó al pianista a que se quedase en su apartamento, ya que no quería "perderle de vista". A la mañana siguiente, durante el desayuno, a Bud le molestaba tanto el gato de Lion que intentó matarlo con un cuchillo. No lo consiguió.

 "Ornithology" es la lectura que hace Bud del "High High The Moon" de Charlie Parker, aunque si se quiere originalidad, basta con escuchar "Bouncing With Bud", que era una de sus nuevas composiciones por entonces. En ella, al igual que en "52nd Street Theme", de Monk, participan tanto Sonny Rollins como Fats Navarro: es una brillante evocación de Nueva York, hogar espiritual del jazz y un ejemplo perfecto del bop.

Son muchos los que consideran que es de este disco, y de Bud Powell en particular, de donde bebe el piano del jazz moderno. 

Como do dijo Herbie Hancock en 1966: " Sentó las bases sobre las que se desarrolló el piano del jazz moderno; todos los pianistas de jazz desde Bud tienen influencias suyas o se esfuerzan de forma deliberada en tocar de un modo distinto del suyo".

En esta reedición de 2001 se pueden apreciar, además, las tomas alternativas no conocidas hasta entonces, que sirven para confirmar la genialidad de Bud probando diferentes tempos y ritmos sobre un mismo tema.

Lo logrado en estos registros muestra la fotografía más fiel del éxtasis del bebop en acción

Bud Powell

Amazing Bud Powell (Volume 1)

1 - Bouncing With Bud

2 - Wail

3 - Dance Of The Infidels

4 - 52nd Street Theme

5 - You Go To My Head

6 - Ornithology

7 - Bouncing With Bud (alternate take #1)

8 - Bouncing With Bud (alternate take #2)

9 - Wail (alternate take)

10 - Dance Of The Infidels (alternate take)

11 - Ornithology (alternate take)

12 - Un Poco Loco

13 - Over The Rainbow

14 - A Night In Tunisia

15 - It Could Happen To You

16 - Parisian Thoroughfare

17 - Un Poco Loco (alternate take #1)

18 - Un Poco Loco (alternate take #2)

19 - A Night In Tunisia (alternate take)

20 - It Could Happen To You (alternate take)

Bud Powell (piano); Fats Navarro (trompeta); Sonny Rollins (saxo tenor); Tommy Potter, Curly Russell (contrabajos); Roy Haynes, Max Roach (baterías)

WOR Studios, Nueva York, 8 de Agosto de 1949 y 1 de Mayo de 1951