Blue Note #54 - McCoy Tyner

McCoy Tyner

The Real McCoy

La música de McCoy Tyner posee una fuerza interior y una firme sensación de autocontrol que le han permitido tocar registros muy variados, desde los vuelos en espiral de Coltrane hasta el volcán que es Art Blakey, y, con todo, nunca ha perdido un ápice de su identidad.

**Nat Hentoff, notas del LP original**

Ya desde el comienzo, “Passion Dance”, con un sonido de piano y un estilo compositivo característicos, no deja lugar a dudas de que el que toca es McCoy Tyner, quien hizo que el tema recordase a una danza de los indios nativos norteamericanos. Su excepcional forma de pasar por los cambios y los engranajes de la pieza sigue siendo tan emocionante como cuando se grabó, en un momento relativamente temprano de su carrera como líder de grupo.

Tyner ya había grabado con Blue Note en Junio de 1960 como parte del quinteto que participó en el disco Open Sesame, de Freddie Hubbard. En el período entre un disco y otro, tocó como músico de acompañamiento en álbumes de toda una serie de estrellas de Blue Note, así como en The John Coltrane Quartet durante gran parte del tiempo. Aunque este fue el debut de Tyner como líder en Blue Note, los seis álbumes que había grabado con Impulse! le sirvieron para labrarse una reputación como compositor.

Los cinco temas de The Real McCoy son de Tyner, y, cuando se lanzaron, Alfred Lion comentó lo siguiente: “Es lo que uno considera una sesión de jazz puro. No hay la más mínima concesión a cuestiones comerciales”. El pianista, según afirma Coltrane, “tenía gusto”, lo que se pone de manifiesto en sus composiciones. Cada una de las piezas ofrece una perspectiva muy distinta del jazz, y puede decirse que constituyen un disco –mejorado con la interpretación de Joe Henderson al saxofón tenor– que no tiene ningún tema que pueda considerarse malo. Elvin Jones había tocado junto a Tyner durante la época que pasó en el grupo de Coltrane, y tanto él como Carter aportaron cohesión a la música, a la que le dieron una plataforma estable tanto con el saxofón como con el piano de fondo.

“Search For Peace”, según Tyner, trataba de “darse al universo”, mientras que en la última pieza, “Blues On The Corner”, presentaba recuerdos de su infancia en Filadelfia: “A algunos chicos a los que conocía les gustaba andar por las esquinas; es una evocación musical de esa imagen, de jóvenes hablando, haciendo el tonto y bromeando”.

1 - Passion Dance

2 - Contemplation

3 - Four By Five

4 - Search For Peace

5 - Blues On The Corner

McCoy Tyner (piano), Joe Henderson (saxo tenor), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Abril de 1967

Blue Note #53 - Big John Patton

Big John Patton

Let 'Em Roll

Todo lo que sé lo aprendí del Lloyd. Depositó en mí las labores de segundo a bordo y de líder, lo cual supuso toda una experiencia.

**Big John Patton con relación a su primer líder, la estrella del Rhytm & Blues Lloyd Price**

Como solía hacerse en Blue Note, Big John Patton debutó en el disco de un músico con más experiencia en la discográfica, en este caso en el álbum que lanzó Lou Donaldson en 1962 con el título de The Natural Soul. A este le siguieron varias colaboraciones en otras sesiones antes de debutar como líder, en Abril de 1963, con el disco Along Came John, cuyo título (que se traduciría como “Y entonces llegó John”) resulta muy apropiado para el caso. Para cuando grabó Let ‘Em Roll, en Diciembre de 1965, la actividad del propio organista, de treinta años de edad, era febril, ya que había grabado otros tres discos hasta aquel momento en un período que se conoció como “la edad de oro del Hammond B3”.

Entonces, Jimmy Smith había firmado con Verve, y Patton se había convertido en el organista contratado por Blue Note; con todo, sería un error considerarlo una especie de sucedáneo o sustituto de Smith. Patton tenía su propio estilo: su forma de tocar era más melódica, se basaba más en acordes y tenía menos staccato que la de su predecesor. En este disco se hace patente su característica mezcla de soul y jazz, que, gracias a la interpretación de Hutcherson, da lugar a un vibráfono realmente agradable.

Además de la versión del estándar “Shadow Of Your Smile” y de “The Turnaround”, de Hank Mobley, las otras cuatro piezas del disco están compuestas por Patton. En mi opinión, estos son los temas más destacables, sobre todo la excelente combinación de swing y blues de “Jakey” y la apasionada “One Step Ahead”. Aunque Patton controla las líneas de bajo con los pedales del órgano, es Green, autor de varios discos en los que colaboró Patton, el que incorpora parte de sus innovaciones guitarrísticas y realza las sensaciones de la música.

La conjunción de órgano, vibráfono y guitarra hace que este disco esté repleto de luces y sombras, lo cual es en parte responsable de que resulte tan memorable.

Sólo para que quede claro, Big John Patton no era en realidad tan grande: medía un metro y ochenta centímetros y pesaba unos ochenta kilos. Su apodo procede de la canción “Big Bad John”. Con todo, sí hay algo de cierto: tenía un gran sonido cuando tocaba, redondo y pleno e infinitamente agradable. Mientras que Jimmy Smith admitía que escuchaba a los músicos de viento para dar forma a sus solos, Patton se inclinaba por lo pianístico.

1 - Let 'Em Roll

2 - Latona

3 - The Shadow Of Your Smile

4 - The Turnaround

5 - Jakey

6 - One Step Ahaed

John Patton (órgano), Bobby Hutcherson (vibráfono), Grant Green (guitarra), Otis Finch (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 11 de Diciembre de 1965

Blue Note #52 - Cecil Taylor

Cecil Taylor

Unit Structures

La energía del sonido rítmico en la amplitud de cada unidad de tiempo. La medida del tiempo como materia abstraída de la mente, símbolos transformados a través del director, del agente que habla en ángulos.

**Cecil Taylor, notas del LP original**

Aquel que crea que el disco con el que debutó Cecil Taylor en Blue Note es difícil, debería intentar leer las notas que redactó el compositor y pianista del disco: le desconcentrarán aún más. Fue Thelonious Monk quien afirmó, no sin razón,  lo siguiente: “Todos los músicos son, de manera inconsciente, matemáticos”. Sobre esta base, a Taylor deberían concederle el ficticio Premio Nobel de Matemáticas Avanzadas.

Su disco, que supuso un salto cuántico para el jazz, es uno de los máximos exponentes de la vanguardia. Sin embargo, bajo lo que para algunas personas puede parecer caótico, hay una urdimbre musical que la inusual mente de Taylor ha calculado con meticulosidad.

Este disco no es sólo complejo: se trata de jazz duro, discordante y anguloso hasta el extremo. Taylor había recorrido un largo camino desde sus iniciales y más convencionales inclinaciones post bop. Taylor y Jimmy Lyons habían tocado juntos desde 1961, y con la incorporación posterior de Andrew Cyrille, dieron forma al núcleo del grupo: The Unit. Eddie Gale Stevens hijo, más conocido como Eddie Gale, había tocado con Sun Ra, por lo que sus credenciales vanguardistas eran muy buenas. El bostoniano Ken McIntyre fue otro prolífico compositor que había dirigido sus propios grupos y grabado varios discos, entre ellos uno con aires de jazz experimental junto a Eric Dolphy para Prestige.

Una de las ideas fundamentales de la filosofía de Taylor es que los músicos debían tener libertad para seguir sus propias emociones con independencia de todas las reglas establecidas. Según sus notas metafísicas, los músicos son, en esencia, los portadores de la expresión musical, y su “arriesgada” música llega o no llega a las personas. Al que escribe nunca se le han dado bien las matemáticas.

1 - Steps

2 - Enter, Evening (Soft Line Structure)

3 - Enter, Evening (alternate take)

4 - Unit Structure / As of a Now / Section

5 - Tales (8 Whisps)

Cecil Taylor (piano, campanas); Eddie Gale Stevens Jr. (trompeta); Jimmy Lyons (saxo alto); Ken McIntyre (saxo alto, oboe, clarinete bajo); 
Henry Grimes, Alan Silva (contrabajos); Andrew Cyrille (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Mayo de 1966

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson

Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.

**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos destacables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade

2 - Mode for Joe

3 - Black

4 - Caribbean Fire Dance

5 - Granted

6 - Free Wheelin'

7 - Black (alternate take)

Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966

Blue Note #50 - Don Cherry

Don Cherry

Complete Communion

A mediados de la década, la asociación de Cherry con Gato Barbieri dio lugar a una comunión total para la discográfica Blue Note. Es uno de los mejores ejemplos de jazz de confluencia, una atrevida y persuasiva mezcla de expresionismo y ortodoxia.

**De la necrológica de Don Cherry, Billboard, 

4 de Noviembre de 1995**

La fecha de grabación, Nochebuena de 1965, hace que este disco resulte en cierto sentido inusual y supuso el debut del cornetista Don Cherry con Blue Note, discográfica con la que grabaría un total de tres discos en menos de doce meses. Aunque el músico de veintinueve años había realizado numerosas grabaciones con el grupo de Ornette Coleman y había liderado un par de sesiones para otras discográficas, este supuso su revolución personal y, en cierto modo, la de todo el movimiento del free jazz.

Cada una de las caras del LP supone una suite compuesta por Cherry, y cada una de ellas se grabó en una sola toma, aunque no fue la primera en ninguno de los casos: la cara 1 fue la segunda toma, y la cara 2, la tercera. Volátil, intenso y chispeante son algunas de las palabras que han utilizado los críticos para describir este disco, y lo cierto es que son totalmente apropiadas. Se trata de jazz para valientes, música que muchos no músicos encontrarán difícil, pero aquellos que acepten el desafío se verán recompensados al final con creces… Incluso puede que muy pronto silben las melodías.

Cuando todo el grupo o los solistas individuales exploran los distintos temas, estos se asemejan a menudo a conversaciones entre diferentes actores; el diálogo entre Cherry y Barbieri, a quien había conocido mientras el segundo residía en Roma, resulta especialmente llamativo.

El estilo del saxofonista tenor argentino de aquel período se ha relacionado con el del anterior líder de Cherry, Ornette Coleman, y no hay duda de que formaba parte de su atractivo. Sin embargo, Cherry era sobre todo un hombre con sus propias ideas, lo cual se pone de manifiesto en las grabaciones posteriores como líder de grupo.

Grimes y Blackwell –la sección rítmica– eran, al igual que los otros dos músicos, nuevos en la discográfica, lo cual hace que esta sea una grabación excepcional en Blue Note. Este disco refleja la metamorfosis que experimentó el jazz a mediados de la década de 1960: es un estilo free jazz que se convertiría en la norma una vez entrada la década.

1 - Complete Communion

a) Complete Communion

b) And Now

c) Golden Heart

d) Remembrance

2 - Elephantasy

a) Elephantasy

b) Our Feelings

c) Bishmallah

d) Wind, Sand and Stars

Don Cherry (corneta), Leandro "Gato" Barbieri (saxo tenor), Henry Grimes (contrabajo), Edward Blackwell (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Diciembre de 1965

Blue Note #49 - Ornette Coleman

Ornette Coleman

At The Golden Circle 

No creo que exista ninguna diferencia entre una idea y una emoción. La música es un lenguaje que se compone de notas y claves; el lenguaje escrito lo constituyen las letras , que son símbolos de los sonidos, y cambian en función de estos del mismo modo que pueden hacerlo las letras de los sonidos.

**Ornette Coleman, 1983**

Este disco, uno de los más inusuales de cuantos publicó Blue Note durante la década de 1960, no sólo se grabó en Suecia, sino que también fue el debut de Ornette Coleman en la discográfica; la primera sesión del músico como líder tuvo lugar en 1958 y se grabó para Contemporary. Las piezas de estos dos volúmenes se grabaron el viernes 3 de Diciembre y durante las actuaciones por la tarde y por la noche del día siguiente. Una vez grabadas las tres actuaciones, se seleccionaron las mejores tomas para los discos originales, aunque algunas de las desechadas figuraron en ediciones posteriores en CD de este concierto de tan excelente grupo.

Es música procedente de lugares salvajes. Si dejamos a un lado su antigüedad, bien podría ser la música que concibiera Coleman para una banda sonora de una serie de detectives de la televisión escandinava del siglo XX. “Faces And Places” encajaría a la perfección en una secuencia de persecución, mientras que “Dawn” refleja la desolación de un amanecer monocromático tras la acción. No es una música sencilla, pero tampoco tiene por qué serlo. “Snowflakes And Sunshine”, con Coleman al violín y a la trompeta, puede dejar fríos a algunos; es sumamente desafiante y no apta para los poco aventureros.

Cada uno de los temas de este disco rezuma innovación, y aquellos que estén dispuestos a escucharlo más de una vez se verán gratamente recompensados. Para ello hay que alejar cualquier idea preconcebida, reformular las que se tengan acerca de lo que debe ser el jazz y dejarse llevar por el flow de Coleman. Además, si se quiere comprender en qué punto se hallaba el jazz a mediados de la década de 1960, este álbum es obligado. Con todo, no es un disco que haya ganado adeptos con el paso del tiempo como sucede con otros álbumes de su época. En Agosto de 1966, la revista Down Beat lo consideró Disco del Año.

El trío llevaba formado más de un año, lo cual se pone de manifiesto en la empatía y la unión de las que hacen gala ambos volúmenes. Para ser una grabación realizada en un club, tiene una calidad extraordinaria: el sonido es cristalino y dinámico y posee una fuerte sensación ambiental. Además, cuenta con una de las portadas de Reid Miles más pertinentes: el tono de la imagen concuerda con el de la música. 

At The Golden Circle, Stockholm

Volume One

1 - Announcement

2 - Faces And Places

3 - European Echoes

4 - Dee Dee

5 - Dawn

At The Golden Circle, Stockholm

Volume Two

1 - Snowflakes And Sunshine

2 - Morning Song

3 - The Riddle

4 - Antiques

Ornette Coleman (saxo alto, violín y trompeta), David Izenzon (contrabajo), Charles Moffett (batería)

Gyllene Cirkeln Restaurant, Estocolmo, 3 y 4 de Diciembre de 1965

Blue Note #48 - Larry Young

Larry Young

Unity

La combinación del organista Larry Young, el trompetista  Woody Shaw, el saxofonista tenor Joe Henderson y el baterista Elvin Jones harán de este disco una apuesta segura para los aficionados al jazz. Blue Note ha conseguido un sólido superventas.

**Billboard, 27 de Agosto de 1966** 

Lo que me atrapó la primera vez que escuché este disco fue la empatía –o la unidad– que se percibe entre Larry Young y Elvin Jones en particular. Se trata de la sección rítmica, pero la batería de Jones y el órgano tan elegante crean una unión perfecta, como un producto que saliera directamente de la mente. Young comentó lo siguiente en las notas: “A pesar de que todos los que se reunieron en la sesión eran bastante individualistas, tenían el mismo espíritu. Quedó claro desde el principio que todo encajaba”. Todo ello influyó para que Young decidiese titular el álbum Unity (“Unidad”).

Young no es el compositor, a pesar de lo que afirman los créditos del disco. Shaw aportó la mitad de los temas, mientras que Henderson compuso “If”, así como “Monk’s Dream” y “Softly As In A Morning Sunrise”, la melodía compuesta por Hammerstein y Romberg para la opereta de la década de 1920 denominada The New Moon. Para muchos la pieza más destacada es “Moontrane”, de Shaw, compuesta por el trompetista cuando sólo tenía dieciocho años, y dedicada, como su nombre lo indica, a John Coltrane. Los excelentes ciclos armónicos de la composición recuerdan a los trabajos más logrados de este.

Aunque todos los músicos rezuman talento, destaca ante todo el de Young, cuya aportación es inmensa; de hecho, no cabe duda de que Unity es su disco. “Monk’s Dream”, un diálogo que mantienen sólo la batería y el órgano, es una de las versiones más interesantes que se hayan hecho e una melodía de Monk; la original data de comienzos de la década de 1950, cuando el pianista estaba grabando con Prestige. El Hammond parece dar forma a la imaginación de Monk y girar envolviéndose alrededor de los oídos del oyente de una manera que aporta ideas frescas a una pieza muy conocida, algo que no debe subestimarse cuando se trata de una melodía de Monk.

Destaca el diseño de la portada de Reid Miles. Su talento se pone de manifiesto en esta sencilla pero perfectamente concebida portada, creada sin la ayuda de una fotografía de Wolff por una vez. Los cuatro puntos de color naranja que se encuentran dentro de la letra u son lo único que hace falta para transmitir la descripción que hizo Young de la sesión cuando dijo que “todo encajaba”.

1 - Zoltan

2 - Monk's Dream

3 - If

4 - The Moontrane

5 - Softly As In A Morning Sunrise

6 - Beyond All Limits

7 - If (alternate take1)

8 - If (alternate take 2)

9 - The Moontrane (alternate take)

10 - Beyond All Limits (alternate take)

Larry Young (óragano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Noviembre de 1965

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