Blue Note #75 - Gregory Porter

Gregory Porter

Liquid Spirit

Lo personal es lo universal; a veces, cuanto más personal es la historia, más universal resulta.

**Gregory Porter, 2013**

Con dos álbumes que gozaron de una buena recepción y que se publicaron en una discográfica independiente, se esperaba que Gregory Porter grabase un disco decente con Blue Note cuando Don Was lo contrató en 2012. Sin embargo, ¡hizo un disco magnífico! Desde los primeros acordes de piano de “No Love Dying” queda claro que se trata de algo especial, e incluso aquellos que nunca hayan escuchado antes la profunda y rica voz de barítono de Porter se sentirán seducidos por la música. Aunque el primer gran tema es “Liquid Spirit” y su edificante estilo góspel, a medida que va avanzando el disco, se despliegan más sorpresas musicales e intrigantes idas y venidas que demuestran que no es el único.

Diez de las piezas están compuestas por Porter, otra está coescrita y las tres versiones se han escogido con mucho cuidado, aunque, en última instancia, se trata de un álbum de una gran intensidad personal. El post bop de “Lonesome Lover”, compuesta por Max Roach y Abbey Lincoln, enfatiza las credenciales jazz de Porter, mientras que el venerable clásico de Billy Page y Ramsey Lewis, titulado “The In Crowd”, pone de manifiesto la riqueza de su herencia soul. Por otra parte, “I Fall In Love Too Easily”, de Sammy Cahn y Jule Styne, es un cariñoso reconocimiento del estilo baladista con el que Porter se siente tan cómodo.

El reducido elenco de músicos que intervienen en Liquid Spirit es un factor importante a la hora de que el álbum sea la intensa experiencia auditiva que es. No existe desorden, ni ninguna nota superflua. Tampoco hay nada que no sirva para mejorar la música: en realidad, nos encontramos ante un disco en el que se cumple la máxima “menos es más”. Y, con sus catorce temas, hay mucha música y ningún tipo de relleno: la algarabía de la hermosa “Wolfcry”, el funky de “Free”, la evocación de Marvin Gaye en “Brown Grass” o la perfección de “Water Under Bridges”. Porter afirma lo siguiente: “Aunque, sin lugar a dudas, me considero cantante de jazz, también me gusta el blues, el soul sureño y el góspel, elementos que se abren paso entre mi música y que siempre he escuchado en el jazz”.

Liquid Spirit fue galardonado con el Grammy al Mejor Disco Vocal de Jazz de 2014, y con razón. Lo que no deja de sorprender es que este disco no se venda más en Estados Unidos: es Europa la que ha acogido a Porter de corazón. Puede que sea cierto en este caso aquello de que nadie es profeta en su tierra; de ser así, es algo que debe ratificarse.

1 - No Love Dying

2 - Liquid Spirit

3 - Lonesome Lover

4 - Water Under Bridges

5 - Hey Laura

6 - Musical genocide

7 - Wolfcry

8 - Free

9 - Brown Grass

10 - Wind Song

11 - The In Crowd

12 - Movin'

13 - When Love Was King

14 - I Fall In Love Too Easily

Temas extras

15 - Water Under Bridges

(con Laura Mvula)

16 - Don't Let Me Be Misunderstood

(con Jamie Cullum)

17 - Grandma's Hands

(con Ben L'Oncle Soul)

18. Liquid Spirit

(20Syl remix)

Gregory Porter (voz líder); Yosuke Sato (saxo alto); Tivon Pennicott (saxo tenor); Curtis Taylor (trompeta); Chip Crawford (piano); Glenn Patscha (órgano Hammond B3); Aaron James (contrabajo); Emanuel Harold (batería); Laura Mvula, Jamie Cullum, Ben L'Oncle Soul (vocalistas invitados)

Sear Sound, Nuieva York, 28 al 30 de Marzo y 15 de Abril de 2013

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Y con esta entrega, se completa la selección de los 75 álbumes elegidos por Richard Havers para el libro desde el que celebró los 75 años del sello Blue Note.
Fue un otro intenso trabajo de Quintaesencia... espero que lo hayan disfrutado...

El blog entra ahora "en sueño"... por tiempo indeterminado... o quizá para siempre...

A todos los que pasaron por aquí: Gracias y hasta siempre

Blue Note #74 - Robert Glasper

Robert Glasper Experiment

Black Radio

Es más fácil aceptar algo a lo que se le pone una etiqueta. La gente comprende mejor el jazz cuando no se etiqueta.

**Robert Glasper, 2014**

En los anteriores tres discos de Blue Note ya había claros indicios de la dirección que iba a seguir, sobre todo en el caso de Double Booked, publicado en 2009 y nominado a un Grammy. Sin embargo, nada podía haber preparado al público para la genialidad de Black Radio. Había una pista que hacía referencia a la autoría: no se trataba de otro disco más de Robert Glasper, sino de Robert Glasper Experiment.

Se ha dicho que este trabajo, que apareció en 2012, es un nuevo paradigma de la música creativa, uno en el que Glasper va más allá de los límites del género arraigados para crear una visión –y un sonido– excepcional: la de la música contemporánea negra. Su fusión de un gran número de estilos da lugar a una música que se reconoce como jazz a la vez que desafía a la tradición, motivo por el que Black Radio es un disco tan importante. El álbum triunfó entre la crítica y el público, y alcanzó en n.º 10 de la lista de discos actuales más destacados de Billboard. Un crítico de la revista Rolling Stone afirmó lo siguiente: “Glasper transita por el arriesgado camino del hip hop jazz, y se le da bien”, a lo que agregó que “con música tan elegante y seductora, el implícito descalificativo de mainstream no se percibe con resonancias de envidia, sino como un modelo a seguir”.

Las piezas son una acertada mezcla de composiciones originales de Glasper y otras compuestas en colaboración tanto con el Experiment como con artistas invitados, entre las que se destacan la hermosa “Move Love”, compuesta con King, y la igualmente seductora “Gonna Be Allright (F.T.B.)”, en la que participa la cantante Ledisi. Entre las versiones, la canción de Sade “Cherish The Day” recibe un tratamiento fantástico al que la vocalista Lalah Hathaway añade nuevos y frescos aires, lo que no constituye ninguna hazaña cuando se trata de hacer una versión de la señorita Badu. Del mismo modo, “Letter To Hermione”, la versión que hace Glasper de la canción del segundo disco de David Bowie, publicado en 1969, en la que cuenta con el destacado cantautor Bilal, es sencillamente sublime. No existen en el diccionario suficientes adjetivos positivos para describir este valiente y arriesgado disco. Jazz para el siglo XXI.

1 - Lift Off / Mic Check

(con Shafiq Husayn)

2 - Afro Blue

(con Erykah Badu)

3 - Cherish The Day

(con Lalah Hathaway)

4 - Always Shine

(con Lupe Fiasco y Bilal)

5 - Gonna Be Alright (F.T.B.)

(con Ledisi)

6 - Move Love

(con KING)

7 - Ah Yeah

(con Musiq Soulchild y Chrisette Michele)

8 - The Consequences Of Jealousy

(con Meshell Ndegeocello)

9 - Why Do We Try

(con Stokley Williams)

10 - Black Radio

(con Yasiin Bey)

11 - Letter To Hermione

(con Bilal)

12 - Smells Like Teen Spirit6)

13 - Twice

Robert Glasper (piano, Fender Rhodes, sintetizador); Casey Benjamin (saxos, flauta, sintetizador y vocoder); Derrick Hodge (bajo); Chris Dave (batería y percusión); Jahi Sundance (tocadiscos); Stokley Williams (percusión); Shafiq Husayn, Erykah Badu, Lalah Hathaway, Lupe Fiasco, Bilal, Ledisi, KING, Chrisette Michele, Musiq Soulchild, Meshell Ndegeocello, Mos Def, Hindi Zahra (vocalistas invitados)

Threshold, Los Angeles y Systems Two, Brooklyn, Nueva York, 2011

Blue Note #73 - Terence Blanchard

Terence Blanchard

Flow

Música contemporánea de excepcional elegancia.

**John Fordham, The Guardian, 2005**

Con un título en cierto sentido engañoso, el disco no es que fluya (flow), sino que pasa de un estilo a otro, y esto no es ninguna crítica. Está repleto de ideas que van del swing, el jazz modal, el soul jazz y los ritmos africanos, a otras que están más próximas a los discos de hip hop. En realidad, nos encontramos ante un disco de jazz moderno que hay que explorar. Grabado más de dos décadas después de su disco debut, Flow da testimonio del ingenio musical de Blanchard, don que todavía conserva. Todas las piezas están compuestas por el trompetista u otros miembros del grupo.

Un rápido vistazo a la alineación –de la que forma parte el legendario Herbie Hancock, que interviene en un par de temas– es suficiente para comprender que el disco se enmarca en la tradición del repertorio de Blue Note. Muchos de estos artistas han participado en otros discos de la época moderna de la discográfica, lo que no tiene nada de sorprendente, puesto que se trata de algunos de los mejores músicos de jazz. Son precisamente esos intérpretes los que, al igual que hicieran en la época clásica, colaboran en gran medida a la calidad del álbum.

Una de las piezas más memorables es “Wadagbe”, compuesta por el guitarrista Lionel Loueke, quien procede de África Occidental, hecho que se advierte en los toques africanos que hay al principio, antes de dar paso a un enfoque más tradicional. “Benny’s Tune”, en la que se rinde homenaje a Benny Golson, también está compuesta por Loueke y cuenta con Herbie Hancock al piano, cuyo acompañamiento discreto, como no podía ser de otro modo, aporta mucho al tema. Sin embargo, para muchos, la mejor pieza es “The Source”, compuesta por el baterista  Kendrick Scott: el maravilloso solo de Hancock al piano es en parte responsable de esta apreciación. Pero lo que destaca es la genial firmeza de la trompeta de Blanchard, que se las arregla para decir cosas nuevas y frescas cuando algunos quieren hacernos creer que está todo dicho.

1 - Flow, Part I

2 - Wadagbe (Intro)

3 - Wadagbe

4 - Benny's Tune

5 - Wandering Wonder

6 - Flow, Part II

7 - The Source

8 - Over There

9 - Child's Play

10 - Flow, Part III

11 - Harvesting Dance

Terence Blanchard (trompeta y sintetizador); Brice Winston (saxos alto, soprano y EWI); Herbie Hancock, Aaron Parks (pianos),  Lionel Loueke (guitarra, voz), Derrick Hodge (bajo), Kendrick Scott (batería); Gretchen Parlato (voz); Howard Drossin (sintetizador programado)

Jim Henson Studios, Los Angeles, 11 al 14 de Diciembre de 2004

Blue Note #72 – Madlib

Madlib

Shades Of Blue

Blue Note es un estado mental. Representa la integridad y la libertad, y sólo cuando uno es libre puede hallar la innovación. No se puede hacer música sin libertad.

**Robert Glasper, 2014**

Lo que el productor y rapero Madlib (cuyo nombre es Otis Jackson Jr.) logra con estas increíbles  remezclas y reinterpretaciones de algunos clásicos de Blue Note puede calificarse como cine sonoro. Todo el disco, desde el diseño de la portada a los sonidos y la música, es un homenaje a Blue Note en el que Madlib recurre a los archivos de la discográfica para recrear y remezclar temas de The Three Sounds (“Slim’s Return”, cuyo título original era “The Look Of Slim”), Donald Byrd (“Distant Lady” y “Steppin’ Into Tomorrow”), Ronnie Foster (“Mystic Bounce”, en un principio denominada “Mystic Brew”), Reuben Wilson (“Stormy”), Bobbi Humphrey (“Please See Me At Ease”), Bobby Hutcherson (“Montara”), Horace Silver (“Song For My Father” y “Peace”), Wayne Shorter (“Footprints”) y Herbie Hancock (“Dolphin Dance”). Aunque Blue Note asumió cierto riesgo al permitir que Madlib pudiera acceder al catálogo, el músico procedió siempre con respeto. Al igual que muchos remezcladores, artistas de hip hop y recién llegados a la discográfica, es evidente que le encantan los discos que se produjeron a finales de la década de 1960 y a comienzos de 1970, la época clásica de Blue Note que está muy bien representada en este disco de increíble inventiva.

Al margen de esto, el disco es muy bailable. La intuición con la que Madlib aborda la producción, así como la batería, en diversos temas confiere al disco cohesión, que constituye otro de sus puntos fuertes. “Footprints” está firmada por Yesterday New Quintet (YNQ), que es otra personificación de Madlib. Antes de Shades Of Blue publicó varios discos, y otros tantos después con este apodo. Todos merecen escucharse, sobre todo Angles Without Edges, trabajo con el que debutó en 2001.

1 - Introduction

2 - Slim's Return

3 - Distant Land

4 - Mystic Bounce

5 - Stormy

6 - Blue Note Interlude

7 - Please Set Me At Ease

8 - Funky Blue Note

9 - Alfred Lion Interlude

10 - Steppin' Into Tomorrow

11 - Andrew Hill Break

12 - Montara

13 - Song For My Father

14 - Footprints

15 - Peace-Dolphin Dance

16 - Outro

Madlib (remezclas, vibráfono, batería, scratches y sonidos); James King (flauta); Dan Ubick (guitarra); Joe McDuphrey (Fender Rhodes, teclados); Morgan Adams III (órgano); Monk Hughes, Jeff Jank, Russell Jenkins (bajos); Derek Hollman (percusión); Malik Flavors (percusión, sintetizador); Malcolm Catto, Larry Houston, Joe Chamnbers (baterías), Ahmad Miller (vibráfono); DJ Lord Sutch (scratches); M.E.D. (rap)

The Bomb Shelter, Los Angeles; The Lost Gates, California, 2003

Blue Note #71 - Norah Jones

Norah Jones

Come Away With Me

Dejamos que siguiese su propio camino… Sabíamos que si lograba desarrollar su habilidad como compositora y hallábamos buenas canciones, funcionaría.

**Brian Bacchus, A&R

(encargado de artistas y repertorio) de Blue Note**

Ningún álbum en la historia de Blue Note ha tenido tanto éxito ni ha vendido tantos ejemplares: más de veinticinco millones al día de hoy. Además, son muy pocos los artistas en solitario que han podido competir con el logro que supuso para Norah Jones su álbum de debut, que alcanzó los puestos más altos de Billboard en 2002. Un año después, Come Away With Me obtuvo cuatro premios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año, tras haber recibido elogios de la crítica de casi todos los sectores.

Sin embargo, hay quien opina –y no sin razón– que este disco no es jazz de verdad; de hecho, un crítico musical afirmó que se trataba del “álbum menos jazz de cuantos ha publicado el sello”. Aunque puede que en aquel momento tuviera razón, no es algo que en realidad tenga importancia.

Como comentó Ray Charles: “Sólo hay dos tipos de música. La buena y la mala”. El mismo crítico musical se quejaba de que la voz de Jones dominaba el disco, a lo que cabe preguntarse cuál es el problema. Se trata de una hermosa y meliflua voz que atrapa desde la primera frase, ese “Don’t Know Why”. Lo cierto es que no es posible comprender por qué hay gente que no se puede limitar a apreciar el disco como lo que es, un álbum de gran belleza que está grabado e interpretado con destreza.

La intimidad que rezuman sus catorce canciones es lo que hace que se trate de un trabajo tan especial. Escuchar los temas es como espiar los pensamientos más íntimos de alguien, y la madurez del estilo vocal de Jones no parece acorde con su edad, ya que sólo tenía veintidós años cuando grabó el disco. Además de la primera canción, que entró en el Top 30 de Billboard, también destacan la versión de “Cold, Cold Heart”, de Hank Williams, y la delicada “Come Aaway With Me”. Antes de tener en cuenta a los detractores es preferible escuchar el disco. 

1 - Don't Know Why

2 - Seven Years

3 -. Cold, Cold Heart

4 - Feelin' The Same Way

5 - Come Away With Me

6 - Shoot The Moon

7 - Turn Me On

8 - Lonestar

9 - I've Got To See You Again

10 - Painter Song

11 - One Flight Down

12 - Nightingale

13 - The Long Day Is Over

14 - The Nearness Of You

Norah Jones (voz líder, piano acústico, piano Wurlitzer), Brian Blade (batería, percusión), Bill Frisell (guitarra eléctrica), Dan Rieser (batería), Adam Rogers (guitarra), Tony Scherr (guitarra acústica, slide guitar), Kevin Breit (guaitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra National), Kenny Wollesen (batería), Jesse Harris (guitarra eléctrica, guitarra acústica), Rob Burger (acordeón, órgano de fuelle), Sam Yahel (órgano Hammond), Lee Alexander (bajo), Jenny Scheinman (violín), Adam Levy (guitarra acústica, guitarra eléctrica)

Sorcerer Sound, Nueva York; Allaire Studios, Nueva York, 2001

Blue Note #70 - Kurt Elling

Kurt Elling

Flirting With Twilight

Sigo diciendo que tal vez este disco haya sido la experiencia más importante de mi carrera hasta el día de hoy.

**Laurence Hobgood, 2001**

Kurt Elling debutó con Blue Note en 1995. Flirting With Twilight, el hermoso quinto disco del cantante, apareció seis años después. Se trata de música de buen gusto, lo que no es de ningún modo una alabanza fingida. Elling y su pianista y arreglista Laurence Hobgood conocen su historia musical, hecho que se hace patente en las fantásticas canciones que han seleccionado para hacer versiones –y no sólo las habituales del cancionero estadounidense, conocido como Great American Songbook– ; además, hay un par escritas por Elling.

La elección de Capital Studios fue una inteligente jugada. Sus paredes sagradas lo han oído todo, y no cabe duda de que los cantantes se han sentido inspirados por el mero hecho de permanecer en la misma estancia en la que estuvieron Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y otros muchos grandes vocalistas. También fue una inspirada elección el hecho de que se decantasen por Al Achmitt, el ingeniero de sonido con varios premios Grammy en su haber. Su aportación a este disco, así como a tantos otros de su dilatada carrera, resulta un ingrediente fundamental de aquello que lo hace distinto. Schmitt crea un espacio en el disco que se complementa con gran habilidad con los arreglos en canciones tales como la hermosa “Detour Ahead”, de Herb Ellis, o en “Not While I’m Around”, de Stephen Sondheim.

Dieciséis segundos después de finalizado el último tema indicado en los créditos ("While You Are Mine"), aparece como sorpresa una pista oculta. Se trata de un clásico de la canción francesa, "Je Tire Ma Révérence", popularizado en 1957 por Jean Sablon y también recreada en 1959 por Marlene Dietrich. En este caso, la íntima versión de Kurt es secundada tan sólo por el sólido contrabajo de Marc Johnson.

Flirting With Twilight (que se podría traducir como “Coqueteando con el crepúsculo”) es el título perfecto para este disco: se escucha mejor al anochecer, cuando la luz comienza a desvanecerse y cierto estado de ánimo se va apoderando de uno. Elling ha dedicado efusivos elogios a Hobgood: “El premio al ingenio de Flirting  realmente pertenece a Laurence. El disco es definido por sus arreglos. Fue Laurence quién sacó el máximo provecho de una voz, una sección rítmica y tres instrumentos de viento, y también el que compuso todo”. Este álbum también demuestra que los cantantes de jazz pueden aportar algo nuevo a piezas muy conocidas, al menos si tienen el mismo talento musical que el tándem Elling-Hobgood.

1 - Moonlight Serenade

2 - Detour Ahead

3 - You Don't Know What Love Is

4 - Orange Blossoms In Summertime

5 - Not While I'm Around

6 - Easy Living

7 - Lil' Darlin'

8 - I Get Along Without You Very Well

9 - Blame It On My Youth

10 - I'm Thru With Love

11 - Say It

12 - While You Are Mine

13 - Je Tire Ma Révérence

Kurt Elling (voz líder), Laurence Hobgood (piano), Clay Jenkins (trompeta), Bob Sheppard (saxos tenor y soprano), Jeff Clayton (saxo alto), Marc Johnson (contrabajo), Peter Erskine (batería)

Capitol Studios, Los Angeles, 29 de Enero y 1 de Febrero de 2001

Blue Note #69 - Brian Blade

Brian Blade Fellowship

Perceptual

Usar el término jazz para referirse a la música que hace el conjunto del baterista Blade es como emplear Estatua para hacer referencia la Lady Liberty (como se conoce a la estatua de la Libertad): si, lo es, pero también es mucho más. Inspirándose en el jazz, el rock, el country, el folk y toda suerte de lenguajes musicales sugeridos o desarrollados en Estados Unidos, Perceptual es un crisol de sonidos que habla sin palabras de los conflictos y los triunfos de la experiencia humana.

**Billboard, Julio de 2000**

Cuando un disco toma el nombre de su primer tema, se tiene la sensación de que expresa cierta anticipación, de que da una idea de qué esperar en el resto del álbum: eso es lo que ocurre con Perceptual. La composición de los temas recae en Blade y el tecladista (y cofundador del grupo) Cowherd, lo que aporta al disco una sensación de cohesión que resulta toda satisfactoria.

Blade debutó con Blue Note cuando, a los veinticuatro años de edad, participó en el disco que grabó Kevin Hayes en 1994 con el título de Seventh Sense. Cuando un lustro después firmó este disco, el segundo para Blue Note como líder, ya había llevado a cabo varias sesiones para la discográfica y había colaborado en álbumes de otros artistas para otras firmas.

Algunas texturas recuerdan a Pat Metheny, y cada uno de los temas es más un paisaje que una mera pieza musical. La guitarra de Rosenwinkel resplandece en todo el disco y brinda una etérea sensación a casi todos los temas, a lo que hay que decir que, cuando se suma la dinámica interpretación pianística de Cowherd, los músicos dan lugar a fabulosas melodías, ricas texturas y un dramatismo de gran intensidad emocional.

Los momentos más destacados, además del tema de obertura, son el himno “Crooked Creek” y la monumental “Steadfast”, que cuenta con la evocadora voz de Joni Mitchell en una interpretación que recuerda a las de su álbum Hejira, publicado casi veinticinco años antes. Grabado en Oxford, California, poco después de la sesión principal, la colaboración de Mitchell es excepcional.

Aunque la crítica de Billboard resulta del todo acertada, olvidaron decir que nos encontramos ante uno de los álbumes de jazz más destacados de la era moderna: es, sencillamente, muy bueno. El hecho de que Brian Blade no sea más conocido sigue siendo un misterio, aunque puede que no durante mucho tiempo.

1 - Perceptual

2 - Evinrude-Fifty (Trembling)

3 - Reconciliation

4 - Crooked Creek

5 - Patron Saint Of Girls

6 - The Sunday Boys (Improvisation)

7 - Variations Of A Bloodline

A. From The Same Blood

B. Fellowship (Like Brothers)

C. Mustangs (Class Of 1988) 

8 - Steadfast

9 - Trembling

Brian Blade (batería, guitarra), Myron Walden (saxo alto, clarinete bajo), Melvin Butler (saxo soprano, saxo tenor), Jon Cowherd (Piano, Fender Rhodes, órgano de fuelle), Dave Easley (pedal steel guitar), Kurt Rosenwinkel (guitarra eléctrica y acústica), Daniel Lanois (guitarra, pedal steel guitar), Christopher Thomas (bajo), Joni Mitchell (voz)

Avatar Studios, Nueva York, 24 al 27 de Septiembre de 1999