West Coast Jazz #40 - Red Norvo

Red Norvo nació como Kenneth Norville el 31 de Marzo de 1908 en Beardstown, Illinois.
Inició sus estudios musicales a los 8 años tomando clases de piano y a los 14 años, durante su estancia en una escuela musical, comenzó sus estudios de marimba y xilofón.
En 1925 se independizó de su familia para realizar una gira por el Middle West con una pequeña orquesta llamada The Collegians y tras abandonarla al llegar a Chicago, aceptó un contrato ofrecido por Paul Ash para un espectáculo de vodevil. Al mismo tiempo, le surgió la oportunidad de tocar en la banda de Ben Bernie y participar en un programa de la radio local.
En cuanto al nombre artístico, no se sabe con certeza si fue el presentador de los espectáculos de vodevil o el propio Ash quien pronunció mal su apellido al ser entrevistado por la revista Variety. Lo cierto es que fue el propio "Red" Kenneth quien se convenció que Norvo sonaba mejor que su propio nombre.

Entre 1926 y 1927 estudió minería en la Universidad de Missouri, pero dos años después decidió volver a la música para dedicarse a ella exclusivamente.
En 1929 trabajó en la emisora KSTP de Minneapolis y más tarde en la NBC de Chicago, en una formación dirigida por Victor Young. Posteriormente se integró a la orquesta de Paul Whiteman donde permaneció hasta 1932. Allí conoció a la cantante del grupo, Mildred Bailey, con quien se casó en 1933.
El 8 de abril de ese mismo año, el vibrafonista grabó el primer disco bajo su nombre al frente de una formación en la que figuraban Jimmy Dorsey, Fulton "Fidgy" McGrath, Dick McDonough y Artie Bernstein. De esta formación sólo queda como único documento sonoro el tema "Two Tickest to Georgia".
También de 1933 son sus creativas grabaciones con marimba, secundado por Benny Goodman en clarinete bajo y apoyados solamente por guitarra y contrabajo.

En 1934 se trasladó a Nueva York para colaborar con Hoagy Carmichael en unas grabaciones para el sello Victor y creó su primer septeto de jazz junto a músicos de la talla de Artie Shaw, Charlie Barnet y Teddy Wilson. A partir de esas grabaciones, Red Norvo comenzó una actividad frenética que le llevo a grabar, actuar y tocar con los mejores músicos del momento.
En 1935, tras grabar para los sellos Decca y Vocalion, se presentó en Nueva York al frente de un octeto en los clubes Hickory House y Famous Door. Un año más tarde el octeto se convirtió casi en una bigband cuando firmó un contrato para tocar en el Hotel Commodore.

En 1943 Norvo se pasó del xilófono acústico a su homólogo eléctrico: el vibráfono.
Su ductilidad y versatilidad hizo que se adaptara con naturalidad a la transición que supuso la revolución del bebop, por lo que fue bienvenido para grabar con Charlie Parker y Dizzy Gillespie en 1945, sesión para la cual diseñó la innovadora versión de "Congo Blues".
Seguidamente, y por muy poco tiempo, ingresó a la banda de Benny Goodman y al abandonarla se enroló en el primer "rebaño" de Woody Herman, los Woodchoppers, con quienes estuvo todo el año 1946.

En 1950 cambió radicalmente su concepción musical. Dejó de liderar grandes formaciones y pasó a dirigir un excepcional trío junto a dos jóvenes músicos que por entonces trataban de hacerse un lugar en la exigente escena del jazz de Nueva York: el guitarrista Tal Farlow (sustituido después por Jimmy Raney) y el contrabajista
Charles Mingus (sustituido más adelante por Red Mitchell). De aquella magnífica experiencia que duró dos años (1950 y 1951) quedó grabado Move, un disco memorable para el sello Savoy, cuyas pistas integran los registros que se presentan en esta entrada.

Instalado en el éxito y con una popularidad ganada a todo pulmón, Red Norvo se trasladó a Europa en 1954 con un grupo denominado "Jazz Club USA". La experiencia de aquella gira y el éxito obtenido le animó a grabar nuevamente y a visitar Australia en 1956.
A su regreso abrió un club en Santa Mónica y poco tiempo después, en 1958, salió de gira nuevamente, esta vez bajo la dirección del clarinetista Benny Goodman, excursión que terminó siendo su última experiencia por las carreteras.
Salvo raras excepciones, se limitó a actuar en clubes nocturnos, casinos y salas de fiesta de California y Las Vegas.

En la década de 1960 volvió a viajar a Europa junto al guitarrista Jimmy Raney. Pero lamentablemente, en 1961, una seria afección y posterior operación al oído le obligaron a abandonar casi definitivamente sus actividades musicales.
Entre mediados de 1970 y mediados de 1980, formó parte de los Newport All-Stars y realizó excelentes grabaciones como The Second Time Around (con el pianista Dave McKenna, el contrabajista Milt Hinton, el baterista Mousey Alexander y el saxo soprano Kenny Davern), Vibes a La Red (con los pianista Hank Jones y Jimmie Rowles) y Red and Ross (con el pianista Ross Tompkins y el bajista John Williams), entre otras.
Pero las complicaciones con su audición comenzaron a empeorar. Finalmente, un derrame cerebral lo puso totalmente fuera de combate, después de 55 años de música.

Murió en Santa Monica, California, el 6 de Abril de 1999.

The Savoy Sessions
(Savoy 2212)

Según Ted Gioia: Un excepcional trío de vibráfono, bajo y guitarra que Norvo lideró en los primeros años de 1950, junto a Charles Mingus y Tal Farlow.

1 - I Can't Believe That You're In Love With Me
2 - Time And Tide
3 - Little White Lies
4 - Prelude To A Kiss
5 - Move
6 - September Song
7 - I'm Yours
8 - I Get A Kick Out Of You
9 - Zing! Went The Strings Of My Heart
10 - Cheek To Cheek
11 - Night And Day
12 - Godchild
13 - Mood Indigo
14 - If I Had You
15 - Deed I Do
16 - I'll Remember April
17 - This Can't Be Love
18 - I've Got You Under My Skin
19 - Swedish Pastry
20 - Have You Met Miss Jones

West Coast Jazz #39 - Lennie Niehaus

Lennie Niehaus nació como Leonard Niehaus el 11 de Junio de 1929 en St. Louis, Missouri.
Su padre, un experto violinista ruso que estudió con Jascha Heifetz en el St. Petersburg Conservatory, comenzó a enseñarle las destrezas del instrumento a los 6 años y del violín pasó al oboe primero, al fagot después y, con 13 años, al saxo alto y clarinete.
Entre el violín de su padre y el piano de su hermana concertista, el oído de Lennie se adaptó tempranamente a los acordes avanzados de la música romántica que escuchó desde niño. Y eso fue determinante para que desde adolescente comenzara a componer.

En 1946, sin dejar los estudios universitarios, comenzó su carrera profesional junto a otros "reedmen" como Herb Geller, Herbie Steward y Teddy Edwards.
A mediados de 1951 se unió a la banda de Stan Kenton pero en ella se mantuvo tan sólo seis meses, al ser reclutado por el ejército en 1952. De vuelta a la vida civil en 1954, retomó su trabajo junto a Kenton por los siguientes cinco años, ganándose una notable reputación, tanto como compositor, arreglador y saxo alto.
Simultáneamente, entre 1954 y 1957 formó varios grupos y grabó como líder seis extraordinarios discos en formatos de quinteto, sexteto y octeto para el sello Contemporary, dirigiendo a grandes del jazz de la Costa Oeste como Mel Lewis, Jack Montrose, Bob Gordon, Stu Williamson, Red Mitchel, Shelly Manne, Jimmy Giuffre y Hampton Hawes entre otros.

En 1959 se mudó a Los Angeles y se dedicó a la composición y a los arreglos, trabajando para las King Sisters, Mel Tormé, Dean Martin y Carol Burnett.
Con su perfil como instrumentista prácticamente abandonado, a partir de 1962 deja a un lado su saxo alto y se concentró en la composición de partituras para el cine, la radio y la televisión. Como destaques principales de esta labor, cabe mencionar sus orquestaciones para el compositor Jerry Fielding y sus más recientes trabajos para numerosas películas de Clint Eastwood como Pale Rider, Unforgiven, The Bridges Of Madison County, Absolute Power, True Crime, Space Cowboys y principalmente Bird, la extraordinaria película sobre la vida de Charlie Parker para la que, además, realizó la proeza técnica de ensamblar, a la música interpretada por Ray Brown, John Guerin, Monty Alexander, Jon Faddis, Walter Davis y Ron Carter, las pistas originales de Parker para hacer más verídica la historia.
En 1994 fue galardonado con el premio Emmy por su partitura para la película Lush Life.

Para aquellos interesado en profundizar sobre la vida y obra de Lennie, nada mejor que enterarse al respecto desde sus propias palabras. En Noviembre de 2009, Marc Myers (en su blog JazzWax, uno de mis sitios preferidos) le realizó una entrevista que la dividió en cinco entregas.

Volume One, The Quintets
(Contemporary 3518)

Según Ted Gioia: Estas destacadas selecciones revelan un virtuoso muy poco escuchado.

1 - I Remember You
2 - Poinciana
3 - Whose Blues?
4 - Prime Ribs
5 - I Should Care
6 - Inside Out
7 - I Can't Believe That You're In Love With Me
8 - You Stepped Out Of A Dream
9 - I'll Take Romance
10 - Happy Times
11 - Day By Day
12 - Bottoms Up

West Coast Jazz #38 - Gerry Mulligan

Gerry Mulligan nació como Gerald Joseph Mulligan en Nueva York, el 6 de Abril de 1927 y se crió en Philadelphia en el seno de una familia irlandesa de clase media.
Ante su inclinación por la música a muy temprana edad, comenzó con el estudio del piano, continuó con el clarinete y finalmente saxo, el primer instrumento propio comprado por sus padres.
Considerado como el saxo barítono más famoso del jazz de todos los tiempos, la reputación inicial de Mulligan fue como arreglista.
En 1944 ya escribía arreglos integrando la sección de cañas de la banda que Johnny Warrington lideraba para audiciones radiales y colaboraba de igual manera para los repertorios de los grupos de Elliot Lawrence, Tommy Tucker y George Paxton.
En 1946 se mudó a su ciudad natal y se unió a la gran banda de Gene Krupa como arreglista y actuando en ella ocasionalmente como saxo alto.
Es por esa época en la que comienza a especializarse en el saxo barítono, formando parte del grupo del trombonista Kai Winding y escribiendo partituras para la banda de Stan Kenton.

En 1947 traba amistad con Charlie Parker y al año siguiente entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al otro arreglista de la banda, Gil Evans, con el que comparte ideas, conceptos y teoría.
Juntos, en 1949, intervienen en la gestación del histórico noneto de Miles Davis que marcó un hito en el jazz con la célebre grabación del Birth of the Cool.
Pero no fue hasta 1951 en que su saxo barítono comienza a concitar verdadera atención. Graba Mulligan Plays Mulligan, su primer disco como líder para el sello Prestige y, tras obtener el favor de la critica y del publico, se marcha a California, donde comienza una nueva etapa en su carrera. El ambiente que encuentra en la costa oeste es inmejorable para su futuro cercano.

En 1952 conoce a Chet Baker y con él forma uno de los grupos más exitoso de la época, el famoso “Gerry Mulligan Pianoless Quartet", un cuarteto en el que su barítono y la trompeta de Chet son acompañados únicamente por contrabajo y batería, ofreciendo un sonido totalmente nuevo y diferente a lo que se escuchaba por entonces. También experimenta con un grupo de diez elementos, pero una redada policial en busca de drogas lo saca de escena, termina con sus proyectos en cuarteto y tenteto y lo lleva a la cárcel hasta 1954.

Una vez en libertad viaja a Europa y realiza una sensacional aparición en la Salle Pleyel de París, domina las encuestas de opinión de jazz para su instrumento y comienza una etapa de nuevas asociaciones actuando y grabando con los trompetistas Jon Eardley y Art Farmer y el tenorista Zoot Sims.
En 1958 aparece en el Newport Jazz Festival deslumbrando junto Harry Carney, el baritonista estrella de Duke Ellington, graba importantes discos con Thelonious Monk, Paul Desmond, Stan Getz, Ben Webster y Johnny Hodges, destaca en la televisión figurando en el famoso programa Sound of Jazz, y también en el cine, actuando en dos películas de culto: I Want to Live y The Subterraneans.

A comienzos de 1960 organiza la Concert Jazz Band, una agrupación de trece (y a veces más) músicos, dando rienda suelta a su faceta de arreglista, con la que recorre Europa y Japón.
En 1964 vuelve a la fórmula de cuarteto y sexteto con Bob Brookmeyer, Art Farmer y el guitarrista Jim Hall con los que sale de gira por Europa. En 1968 se integra el cuarteto de Dave Brubeck en sustitución de Paul Desmond, permaneciendo allí hasta 1972, año en que forma Age of Steam, una nueva banda de 14 elementos.
De 1974 a 1977, ya como "artist-in-residence" de la Miami University, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia, tocando ocasionalmente saxo soprano.

Durante la década de 1980, realizó grabaciones como líder en Nueva York que incluyó experimentos con una big band de 20 piezas y otra con instrumentos electrónicos, pero en 1986 volvió a un formato más familiar como líder de un quinteto que incluía a Scott Hamilton y Grady Tate.
En 1990 giró por todo el mundo con su excelente cuarteto y en 1991 concibió Rebirth of the Cool, una remozada versión del célebre Birth of The Cool. Para esta grabación se eligieron los mismos temas y dos sobrevivientes de aquel disco fundamental: el tubista Billy Barber y el pianista John Lewis, además de Gil Evans colaborando otra vez en los arreglos. Lamentablemente Miles Davis, que había aceptado el desafío, murió poco tiempo antes de comenzar el proyecto, siendo sustituido por Wallace Roney.

Gerry Mulligan fue sin dudas uno de los músicos blancos de jazz más importantes y más respetados de la última mitad del siglo XX y su aporte a la historia del género fue impresionante. Testigo de ello es su extensa lista de discos para los sellos Prestige, Pacific Jazz, Capitol, Vogue, EmArcy, Columbia, Verve, Milestone, United Artists, Philips, Limelight, A&M, CTI, Chiaroscuro, Who's Who, DRG, Concord y GRP.

Murío en Darien, Connecticut, el 20 de Enero de 1996.

The Complete Pacific Jazz and Capitol Recordings of the Original
Gery Mulligan Quartet and Tentette with Chet Baker
(Mosaic MR5-102)

Según Ted Gioia: Esta caja incluye los más finos e influyentes trabajos realizados por Mulligan en la Costa Oeste.

CD1
1 - Get Happy
2 - 'S Wonderful
3 - Godchild
4 - Dinah
5 - She Didn't Say Yes, She Didn't Say No
6 - Bernie's Tune
7 - Lullaby of the Leaves
8 - Utter Chaos No. 1
9 - Aren't You Glad You're You
10 - Frenesi
11 - Nights at the Turntable
12 - Freeway
13 - Soft Shoe
14 - Walkin' Shoes
15 - Aren't You Glad You're You
16 - Get Happy
17 - Poinciana
18 - Godchild
19 - Makin' Whoopee
20 - Cherry
21 - Motel
22 - Carson City Stage

CD2
1 - Festive Minor
2 - My Old Flame
3 - All the Things You Are
4 - Love Me or Leave Me (alternate take)
5 - Love Me or Leave Me
6 - Swinghouse (10' take)
7 - Swinghouse (12' take)
8 - Jeru
9 - Utter Chaos No. 2
10 - Darn That Dream
11 - Darn That Dream (alternate take)
12 - I May Be Wrong (12' take)
13 - I May Be Wrong (10' take)
14 - I'm Beginning To See The Light (10' take)
15 - I'm Beginning To See The Light (12' take)
16 - The Nearness of You
17 - Tea for Two
18 - Five Brothers
19 - I Can't Get Started
20 - Ide's Side
21 - Funhouse
22 - My Funny Valentine

CD3
1 - A Ballad
2 - Westwood Walk
3 - Walkin' Shoes
4 - Rocker
5 - Takin' a Chance on Love
6 - Flash
7 - Simbah
8 - Ontet
9 - Too Marvelous for Words
10 - Lover Man
11 - I'll Remember April
12 - These Foolish Things
13 - All the Things You Are
14 - Bernie's Tune
15 - Almost Like Being in Love
16 - Sextet
17 - Broadway
18 - I Can't Believe That You're in Love with Me
19 - Lady Be Good
20 - Lady Be Good (alternate take)

West Coast Jazz #37 - Frank Morgan

Frank Morgan nació en Minneapolis el 23 de diciembre de 1933. Hijo único de Stanley y Geraldine Morgan, comenzó a estudiar guitarra a los 3 años con su padre, guitarrista del grupo Ink Spots. La familia se mudó a Milwaukee cuando Frank tenía 6 años, y sus percepciones se alteraron definitivamente cuando, al año siguiente, su papá lo llevó al Paradise Theater de Detroit a ver a Charlie Parker con la orquesta de Jay McShann.
Quedé tan emocionado al escucharlo que me fui tras bambalinas para conocer a Bird y decirle que quería tocar el saxo. Sin embargo Parker me aconsejó que comenzara con el clarinete, contó Morgan al recordar aquella experiencia.
Al día siguiente Wardell Gray y Teddy Edwards se le aparecieron con un clarinete de regalo. Volvió a Milwaukee y comenzó los estudios con dicho instrumento.

En 1947 Morgan se trasladó con su familia a Los Angeles donde participó en un concurso de talentos, llevándose el premio mayor. Aún cuando puede considerarse que allí comenzó su carrera profesional, siguió estudiando en la Jefferson High School con Samuel Browne (cuyo alumnado también incluía a Dexter Gordon, Ed Thigpen, los hermanos Art y Addison Farmer, Billy Higgins, Don Cherry, Horace Tapscott y O.C. Smith), lideró una banda de 20 elementos con la que viajó por todo el estado y su padre abrió un club nocturno para que Frank tocara con cuanta estrella del jazz llegara a la ciudad.
Cuando Duke Ellington se percató de su talento lo invitó a sumarse a la gira que estaba realizando con su banda. Pero la idea fracasó cuando el padre de Frank estimó que no era conveniente que abandonara sus estudios. Tenía 17 años, acompañaba a Josephine Baker y Billie Holiday en el afamado Club Alabam y ya era aclamado como el nuevo "Bird".

En la primera mitad de la década de 1950, Morgan fue una figura relevante en la escena del bop de Los Angeles grabando con el vibrafonista Teddy Charles en 1953, con el baterista Kenny Clarke en 1954 y como líder en 1955 en un extraordinario debut para el sello GNP (Gene Norman Present), junto a figuras como Conte Candoli, Wild Bill Davis, Wardell Gray, Howard Roberts, Carl Perkins y la sección rítmica de Machito integrada por Rafael Miranda, José Mangual y Ubaldo Nieto.

Pero, desafortunadamente, su pasión por Charlie Parker se extendió más allá de la música y lo enredaron los hilos que teje la droga. Su adicción a la heroína terminó por hacerle pasar, entre una entrada y otra, alrededor de treinta años en la cárcel.
Sin embargo, nunca se alejó demasiado de la música. En la mayoría de las instituciones penales por las que pasó existían bandas formadas por reclusos y Morgan fue recibido como una celebridad. En la cárcel de San Quentin tocó junto a otros colegas recluidos por la misma razón como Jimmy Bunn, Frank Butler, Art Pepper y Dupree Bolton. Organizaban "conciertos internos", cada sábado a la noche, conocidos como los Warden's Tour.
Durante la década de 1970, en sus salidas transitorias, aprovechaba para actuar el clubes de Los Angeles y ocasionalmente grabar como "sideman" con el trombonista Benny Powell y el violinista indú Dr. L. Subramaniam.

En 1975 Frank firmó para el sello Contemporary y lanzó su segundo álbum, irónicamente titulado Easy Living. También grabó a dúo con el pianista George Cables y como acompañante del vibrafonista Terry Gibbs y del cantante Mark Murphy.
En una crítica para la prensa de 1977, Leonard Feather dijo sobre él: Morgan es un saxofonista brillante que abarca un espectro que va desde la suntuosidad de Benny Carter a la libertad sonora de Ornette Coleman, pasando por por el "parkerismo" de Charlie (Parker).
Pero recién en 1985, con la ayuda de su futura esposa Rosalinda Kolb, Morgan reorganizó su vida y reanudó su carrera discográfica. Declaró entonces: Ella es directamente responsable de salvar mi vida.

La rareza de que un músico de jazz interrumpiera su carrera por tres décadas y fuera capaz de dar un giro completo y empezar de nuevo, lo convirtió en una estrella de los medios de comunicación. Realizó múltiples apariciones en las series televisivas Today Show (1980 y 1990), fue protagonista en Prison-Made Tuxedos (una obra de teatro sobre su vida, en 1987), fue tema central del show televisivo de la NBC Real Life, de Jane Pauley (1990) y ganó el DownBeat Critics Poll en la categoría Mejor Saxo Alto de 1991.
En 1998 sufrió un derrame cerebral mientras se dirigía al Flint Jazz Festival de Michigan. Aunque los médicos inicialmente predijeron que nunca volvería a tocar, Morgan dio otra vuelta de tuerca y a los seis meses estaba dando conciertos nuevamente.
Registró una serie de discos con excelente crítica para los sellos Contemporary, Antilles y Telarc: un tributo a Charlie Parker en 2003, City Nights: Live at the Jazz Standard en 2004, Raising the Standard en 2005 y Night in the Life: Live at the Jazz Station en 2007.
Murió donde nació, en Minneapolis, el 14 de Diciembre de 2007.

Bird Calls, Volume 2
(Savoy 1201)

Según Ted Gioia: La carrera de Morgan tuvo su pleno apogeo en la década de 1980. Pero estos registros de 1954, realizados en Hollywood cuando sólo tenía 21 años, muestran que fue un músico atractivo desde el principio.

1 - Strollin'
2 - Sonor (altern. take)
3 - Blues Mood
4 - Skoot
5 - Sonor (master take)
6 - Sometimes I'm Happy
7 - Embraceable You
8 - Jordu
9 - Oh Yeah!

West Coast Jazz #36 - Brew Moore

Brew Moore nació como Milton Aubrey Moore el 26 de Marzo de 1924 en Indianola, Mississippi.
Prácticamente desconocido para muchos aficionados del jazz debido a las pocas reediciones de sus grabaciones, Brew mostró su destreza musical a muy temprana edad cuando, a los 7 años, recibió de su madre una armónica como regalo de cumpleaños.
Fue probablemente el más fiel representante de la escuela de Lester Young, mucho más que Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, Herbie Steward, Bill Perkins o muchos otros que comenzaron sus carreras emulando a Lester. Sin haber sido un imitador, el "sonido Young" era con el que se sentía más cómodo. Sus palabras lo dicen todo: Si no tocas como Lester, estás equivocado, una filosofía que aplicó a lo largo de toda su carrera.

Cuando adolescente integró la banda de su escuela secundaria y al graduarse, a los 18 años, ingresó a la Mississippi University para estudiar música. Pero la abandonó al cabo del primer semestre. Tomó su saxo tenor y se marchó a Nueva Orleans.
Justo a tiempo antes de fracasar totalmente, fue contratado por Fred Ford para sumarse a su banda, los Dixielanders. Estuvo seis años actuando en diferentes grupos de Nueva Orleans y Memphis hasta que en 1948 se trasladó a Nueva York donde fundó su propio combo. Aunque el formato cuarteto fue siempre su favorito, integró brevemente la banda de Claude Thornhill en 1949 y participó regularmente en los clubes "Roost" y "Bop City" con grupos dirigidos por Kai Winding, Machito y Howard McGee, entre otros.

Aunque Moore nunca se convirtió en miembro de la sección de saxos “Four Brothers” de la banda de Woody Herman -al igual que Stan Getz, Zoot Sims, Steward Herbie, Al Cohn y Serge Chaloff-, quizá porque nunca hubo una vacante o porque nunca se encontró cómodo en las grandes formaciones, tuvo la oportunidad de grabar The Brohers, todo un clásico del sello Prestige, junto a tres de la "brothers team" Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn y otro gran "Lesterman" como Allen Eager.

Cada vez que Charlie Parker llegaba a la ciudad, Brew Moore era un invitado especial para ocupar alguna silla en el escenario. Eso significaba que, cuando todo parecía estar sucediendo en torno a los clubes del Greenwich Village de Nueva York, Moore era una cara conocida, tanto al tocar con los grandes del jazz como con sus propios cuartetos.
Cuando en 1953 la escena del jazz neoyorkino comenzó a desvanecerse, Brew se unió al viaje de una serie de figuras del country y del western como Faier Billy, Jack Elliott y Woody Guthrie pero, imposibilitado de adaptarse a sus estilos, los abandonó en Texas y se subió a un autobús que lo llevó hasta su próximo destino, San Francisco, cuyo ambiente le atrajo tanto musical como socialmente.
Allí tocó con Cal Tjader y en 1955 formó su propio cuarteto (cuya música es la registrada en el disco que ilustra esta entrada), completado con el pianista John Marabuto, el bajista Max Harstein, el baterista Gus Gustofson y el trompetista Dickie Mills como invitado.
Hizo una serie de apariciones exitosas en el club "Black Hawk" y en algunas ocasiones, aunque no muy convencido, se unió a la Bearcats, una banda dixieland liderada por Bob Meilke. Yo voy donde está el trabajo, era su respuesta.
En 1959, el exceso de trabajo y el alcoholismo, hizo que Moore cayera gravemente enfermo. Pero rápidamente se recuperó y reanudó su actividad partiendo en una exótica gira con el Matson, un barco a vapor que se dirigía al Lejano Oriente.

En 1961, muchos músicos de jazz abandonaban los Estados Unidos. Sidney Bechet, Colman Hawkins, Benny Carter, Bud Powell, Kenny Clark, Oscar Pettiford, Teddy Wilson y Stan Getz encontraban en Europa un lugar receptivo para sus trabajos. Brew no fue la excepción y se trasladó a Escandinavia primero, Suecia después y finalmente Dinamarca.
Se rodeó de los mejores músicos escandinavos y de muchos estadounidenses que habían tomado su residencia allí grabando, por ejemplo, Brew Moore In Europe para el sello Debut, un finísimo registro en 1962 con Sahib Shibab en saxo alto, Lars Gullin en saxo barítono, Louis Hjuland en vibráfono, Ben Axen al piano, Niels-Henning Orsted Pedersen en contrabajo y William Schiopffe en batería.
Volvió a Nueva York y se mantuvo el la "gran manzana" entre 1967 y 1970. Pero retornó a Dinamarca al poco tiempo donde permaneció hasta su muerte.
Registros como líder aparecieron en los sellos Savoy (1948-1949), Fantasy (1955-1957), Jazz Mark, Debut, SteepleChase, Sonet y Storyville.

El 19 de Agosto de 1973, mientras tomaba un descanso durante la actuación en un club de Copenhague, Brew Moore cayó por unas escaleras de los Jardines de Tivoli. Murió camino al hospital.
Irónicamente, después de años de incertidumbre económica, la muerte lo sorprendió apenas unos días después de haber recibido una importante herencia de un tío.

The Brew Moore Quartet and Quintet
(Fantasy 3-222)

Según Tad Gioia: Esta edición del sello Fantasy destaca las grandes habilidades para el swing de este tenorista de la escuela de Lester Young. La frase más famosa de Moore fue: "El que no toca como Prez, está equivocado"

1 - Them There Eyes
2 - Them Old Blues
3 - Tea For Two
4 - Rose
5 - I Can't Believe That You're In Love With Me
6 - Fools Rush In (Where Angels Fears To Tread)
7 - Rotation
8 - I Want A Little Girl
9 - Five Planets In Leo

West Coast Jazz #35 - Red Mitchell

Red Mitchell, nació como Keith Mitchell Moore el 20 de septiembre de 1927 en Nueva York.

Criado en Nueva Jersey por un padre ingeniero que amaba la música y una madre que amaba la poesía, Red destacó en la historia del jazz como fenomenal contrabajista, compositor y poeta.
Sus primeros instrumentos fueron el piano, el saxo alto y el clarinete. Pero al marchar a Alemania con el ejército, en 1947, cambió y se integró a la banda militar como bajista.
Aunque había ganado una beca para estudiar ingeniería en la Cornell University, al volver del servicio se dedicó de lleno al jazz.

Durante 1947 y 1948 acompañó al vocalista Jackie Paris y al año siguiente se unió a las bandas de Chubby Jackson y Charlie Ventura. Simultáneamente secundó al guitarrista Mundell Lowe.
Integró la banda de Woody Herman durante sus giras entre 1949 y 1951 y luego formó parte del popular trío de Red Norvo Trio con quien estuvo desde 1952 hasta 1954.
En 1954 se estableció en Los Angeles, donde fue convocado por cultores de variadísimos géneros -desde Billie Holiday a Ornette Coleman y de Bobby Hutcherson a Clifford Brown y Max Roach-, y por casi todas las estrellas del West Coast Jazz, en especial: Gerry Mulligan, Andre Previn, Shelly Manne y Hampton Hawes.
La Metro Goldwyn Mayer también requirió de su talento contratándolo como primer bajista en la banda estable del estudio, participando muchas realizaciones para el cine y la televisión. En ocasiones, su figura aparecía en pantallas, principalmente cuando se trataba de documentales musicales como los realizados para retratar los perfiles de Tal Farlow y Zoot Sims.

En 1961 colideró un quinteto con el saxofonista Harold Land, registrado discográficamente en el maravilloso Hear Ye! del sello Atlantic, con Carmel Jones en trompeta, Frank Strazzeri al piano y Leon Petties en batería.
En 1966, respondiendo a pedidos de muchos compositores como Henry Mancini, comenzó a afinar su instrumento de una manera peculiar (algo así como los ajustes que suelen emplearse en los violines, violas y violonchelos), técnica que hizo posible crear una gama mayor de colores y acordes y que posteriormente fue adoptada por muchos colegas que vieron en ella un universo sonoro posible y diferente.

En 1968 se trasladó a Estocolmo donde dirigió sus propios grupos y acompañó a muchos americanos que llegaban de gira como Dizzy Gillespie y Phil Woods.
Su carrera en Suecia fue tan exitosa a punto tal de ganar allí el Swedish Grammy Awards en 1986 y en 1991 en varios géneros: como pianista, bajista, vocalista y letrista.
Durante este período, Mitchell actuó y grabó con Clark Terry, Lee Konitz, Herb Ellis, Jim Hall, Joe Pass, Kenny Barron, Hank Jones, Bill Mays, Warne Marsh, Jimmy Rowles, Phil Woods, Roger Kellaway, Putte Wickman y otros.

Entre 1977 y 1990 volvió ocasionalmente a Nueva York para actuar en el mítico Bradley's, un club que se caracterizaba por organizar conciertos de dúos de piano y contrabajo exclusivamente.
Guitarristas y bajistas como Jim Hall, Herb Ellis, Joe Pass y Joe Beck destacaron en más de una oportunidad su maestría incomparable, mientras que el célebre crítico y productor Leonard Feather lo catalogó como "el mejor solista de contrabajo en el jazz".

Muchos sellos discográficos lo cuentan en sus catálogos. Además de Atlantic, también grabó para Bethlehem, Contemporary, Pacific Jazz, Mercury, SteepleChase, Caprice, Gryphon, Phontastic, Enja, Capri y muchos sellos independientes europeos.

Volvió definitivamente a los Estados Unidos a principios de 1992 y se radicó en Salem, Oregon, donde murió el 8 de Noviembre de ese año.

Para completar sus proyectos inconclusos y como forma de continuar su legado, poco tiempo después de su muerte se formó la fundación Red Mitchell Memorial Scholarship Fund cuyo primer premio fue otorgado en febrero de 1997 al contrabajista Larry Holloway.
Mientras trabajaba en la biografía de Red, su viuda Diane publicó en 1999 una colección de su poesía, la que puede dercargarse libremente.

Presenting Red Mitchell
(Contemporary 7538)

Según Ted Gioia: Esta potente banda de hard bop de mediados de 1950 también incluyó a James Clay, Lorraine Geller y Billy Higgins.

1 Scrapple from the Apple
2 Rainy Night
3 I Thought of You
4 Out of the Blue
5 Paul's Pal
6 Sandu
7 Cheek to Cheek

West Coast Jazz #34 - Charles Mingus

Charles Mingus nació en un cuartel del ejército en Nogales, Arizona, el 22 de Abril de 1922 y creció en Watts, un distrito de Los Angeles.
Fue una hombre irascible, exigente, pendenciero... y probablemente genio, lo que llevó a considerarlo como un ícono en el jazz de la segunda mitad del siglo XX.

La primera música que escuchó fue la única que su madrastra permitía en la su casa: la música religiosa. Pero un día, a pesar de las amenazas de ser castigado, oyó en la radio de su padre a Duke Ellington en "East St. Louis Toodle-Oo" su primera experiencia con el jazz.
Trató de aprender el trombón cuando tenía seis años y después el chelo, pero se cansó por lo incompetencia de sus profesores y terminó tocando el contrabajo cuando empezó la educación secundaria. Sus primeros profesores fueron Red Callender y un ex-contrabajista de la New York Philharmonic llamado Herman Rheinschagen. También estudió composición con Lloyd Reese.

Mingus tenía un tono potente y un sentido pulsante del ritmo, capaz de elevar el instrumento a un primer plano por sobre el resto de la banda y muchos críticos lo eligen como el mejor contrabajista, líder y compositor que el jazz haya conocido, alguien que siempre mantuvo su oído en el pulso, espíritu y espontaneidad del feroz poder expresivo del jazz.
En su música, Mingus extrae elementos de todas sus experiencias: gospel y blues pasando por el jazz de Nueva Orleans, el swing, el bop, la música latina, la clásica moderna y el jazz de vanguardia. Aunque su repertorio se basó primordialmente en la forma estándar del blues, sus grupos destruían la clásica fórmula de: presentar el tema...una serie de improvisaciones y... vuelta al tema. Muchas de estas características las heredó de Duke Ellington. Sin embargo, Mingus usó la mezcla de sonido y armonías típicamente Ellingtoniana y le agregó disonancias y cambios abruptos de tiempo, introduciendo aceleraciones exageradas que generaban su propio ímpetu.

Durante toda su vida, Mingus hizo muchos enemigos, causando violentas confrontaciones en todo tipo de situaciones, aún en plena actuación. Era un hombre de gran tamaño, usaba su cuerpo como arma intimidatoria y no le importaba interrumpir un concierto para amonestar al público o a un músico que había cometido algún error. En uno de sus conciertos en Filadelfia, terminó abruptamente la actuación cerrando la tapa del piano casi quebrándole los dedos al pianista y luego le dio una bofetada en la boca al trombonista Jimmy Knepper. Pero también podía comportarse gentilmente, cuando su humor se lo permitía, y esa cualidad se siente en parte de su música.

Mingus sintió intensamente el prejuicio racial el cual, combinado con las frustraciones de tratar de triunfar en el negocio del mundo de la música siguiendo sus propias exigencias, se filtraron en su música. De hecho, alguno de los estrafalarios títulos de sus composiciones tienen connotaciones políticas, tales como "Fables of Faubus" (que se refiere al gobernador de Arkansas quien trató de mantener la segregación en los colegios de Little Rock), "Oh Lord, Don't Let Them Drop That Atomic Bomb On Me" o "Remember Rockefeller at Attica." Pero también podía ser sumamente cómico, el ejemplo más notorio "If Charlie Parker Was a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats" ("Si Charlie Parker hubiera sido pistolero, habrían montañas de imitadores muertos"), acortado luego como "Gunslinging Bird"("El Pistolero Bird").

Un prodigio del contrabajo, Mingus actuó con Kid Ory en el grupo de Barney Bigard en 1942 e hizo giras con Louis Armstrong el año siguiente. Gravitaba hacia el rhythm & Blues en los años 1940, trabajando con Lionel Hampton y su banda entre 1947 y 1948, acompañando tanto a artistas de rhythm & Blues como de jazz, y liderando grupos de varios idiomas musicales bajo el nombre de Baron Von Mingus. Comenzó a hacerse notar a nivel nacional como el contrabajista de Red Norvo y su trío en 1950 y, cuando dejó ese grupo, se mudó a Nueva York donde comenzó a trabajar con artistas estelares, incluyendo a Billy Taylor, Stan Getz y Art Tatum. Brevemente se reunió con su ídolo Ellington, con quien tuvo la distinción de ser el único músico despedido de la banda personalmente por Duke.

En esa época, Mingus trató de convertirse en punto de reunión de la comunidad jazzística. Fundó en 1952 el sello Debut en sociedad con su mujer Celia y Max Roach, con el objetivo de grabar una amplia variedad de jazz, desde bop a música experimental. Pero el sello quebró en 1957.
Dentro de las ediciones más notables de Debut están el famoso concierto de 1953 Massey Hall Concert en Toronto con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Mingus, un álbum de Miles Davis y varias sesiones propias que trazan el desarrollo de sus ideas. Contribuyó también composiciones para el Jazz Composers' Workshop de 1953 a 1955, y más tarde fundó su propio grupo, el Jazz Workshop.

En 1956, con la edición de Pithecanthropus Erectus, Mingus encontró su lugar como compositor y líder, creando un compendio del jazz del pasado y del presente, constantemente cambiante en búsqueda de un camino hacia el futuro free jazz.
Durante la década de 1960 creó un extraordinario volumen de obras para varios sellos, en el que se incluyen álbumes fundamentales como The Clown, New Tijuana Moods, Mingus Ah Um, Blues and Roots y Oh Yeah, maravillosas partituras como "Goodbye Pork Pie Hat", "Better Git It In Your Soul", "Haitian Fight Song" y "Wednesday Night Prayer Meeting" y extensas obras como "Epitaph", una de sus composiciónes maestras descubiertas durante el proceso de catalogación de las mismas. Había declarado haberla escrito para su tumba. Con más de 4000 compases y el requeriminto de dos horas para su realización, la pieza fue llevada al escenario del Alice Tully Hall en un concierto producido por su viuda, Sue Mingus y con la participación de una orquesta de 30 elementos dirigida por Gunther Schuller.
Ocurrió diez años después de su muerte de Mingus, el 3 de junio de 1989 y la publicación The New Yorker la consideró como la primer gran obra de jazz escrita desde la Black, Brown And Beige de Duke Ellington, de 1943.

En 1963 crea otra de sus genialidades: The Black Saint and the Sinner Lady, un extenso ballet para big band que capta ampliamente la angustia y el júbilo que caracterizaron la doble personalidad de Mingus. De hecho, las notas que acompañan su edición original fueron escritas por su psicólogo, el Dr. Edmund Pollock. Más que "line-notes", la opinión de Pollock se transforma en un diagnóstico... por ejemplo, cuando dice: En las tres primeras pistas del lado A hay temas recurrentes sobre la soledad, la separación, y una depresión repleta de lágrimas. Uno se siente profundamente triste por las lágrimas que derrama el señor Mingus por sí mismo y por el hombre. No hay ninguna duda de que él es el Santo Negro que sufre por sus pecados y los de la humanidad como lo refleja su filosofía profundamente religiosa.

Los esfuerzos obsesivos de Mingus de librarse de los riesgos económicos y robos del negocio de la música casi lo volvieron loco. Trató de competir con los festivales de Newport organizando su propio Jazz Artists Guild en 1960, pretendía dar más control sobre sus trabajos a los músicos pero el esfuerzo colapsó como tantos otros, a saber: el calamitoso concierto auto-producido en el Town Hall de New York 1962, un nuevo sello discográfico que duró poco tiempo (el Charles Mingus Records, de 1964 a 1965), el fracaso en tratar de publicar su autobiografía Beneath the Underdog y otros reveses. Ello hizo colapsar su cuenta bancaria y finalmente su espíritu. Renunció a la música completamente de 1966, reanudando actuaciones en junio de 1969 sólo por una necesidad desesperada de dinero.

Una beca de la Guggenheim Foundation, la publicación de Beneath the Underdog en 1971, y la venta de las cintas maestras de Debut al sello Fantasy elevaron su espíritu y un nuevo disco para el sello Columbia, Let My Children Hear Music, le dio un vuelco de publicidad, reconocimiento y atención por parte del público. En 1974 formó un nuevo quinteto anclado por su noble y leal baterista Dannie Richmond, que incluía a Jack Walrath, Don Pullen y George Adams. También surgieron otras obras grabadas entre las cuales cabe destacar la impresionante Cumbia and Jazz Fusion, basada en música de Colombia.

Cuando una vez se le pidió que comentara algo sobre sus logros, Mingus se limitó a decir: Mis habilidades como bajista fueron el resultado del trabajo duro, pero el talento para la composición me vino directamente de Dios.

A fines de 1977, se le diagnosticó esclerosis amiotrófica lateral y menos de un año después Mingus ya no pudo tocar más el contrabajo. Aunque limitado a una silla de ruedas, continuó liderando sesiones de grabación. El 18 de junio de 1978 fue celebrado un concierto en su honor en la Casa Blanca y profundamente emocionado, lloró con las palabras de elogio del presidente Jimmy Carter. Su último proyecto fue una colaboración con la cantante Joni Mitchell, quien agregó letras a sus composiciones instrumentales.

Murió en Cuernavaca, Mexico, el 5 de enero de 1979, y sus cenizas fueron esparcidas en el río Ganges de la India.

The Young Rebel
(Contact ST-1010)

Según Teg Gioia: Esta reedición muestra un Mingus seguramente muy poco escuchado, durante sus años en Los Angeles.

1 - This Subdues My Passion
2 - Honey Take A Chance With Me
3 - Story Of Love
4 - He's Gone
5 - Precognition
6 - Portrait
7 - Cello Again
8 - Ah Dee Dong Blues
9 - Sonny Boy
10 - I'm Beginning To See The Light
11 - No Good Woman Blues
12 - Bow Legged Woman
13 - Bama Lama Lam
14 - Spooky Boogie