History Of Jazz #40 - The Original Diexieland Jazz Band

O - Original Diexieland Jazz Band 

Livery Stable Blues

(26 de febrero, 1917) 

Aunque ha sido costumbre aclamar a Buddy Bolden (1877 - 1931) como el padre del jazz, estas definiciones de trazo grueso pasan por alto la gran agitación musical general que se dio en Nueva Orleans a comienzos del siglo xx.

Muchos músicos -en su mayoría negros, pero también criollos y blancos- estaban experimentando con las síncopas del ragtime y la tonalidad del blues, y aplicando estos recursos rítmicos y melódicos a una amplia gama de composiciones. Es probable que al principio, estas técnicas fueran utilizadas simplemente para ornamentar las melodías compuestas, pero en un momento dado esta elaboración evolucionó hacia improvisaciones aún más libres. Lo que comenzó como experimentación terminó conduciendo a una práctica formalizada.

Es prácticamente imposible reconstruir estos acontecimientos con algún tipo de precisión: tardó bastante tiempo en existir una terminología para la descripción de esta música, y las primeras grabaciones del nuevo estilo no serían efectuadas hasta al menos veinte años después. Sigue siendo materia  de especulación si Bolden fue la figura central de esta transformación o solamente uno de sus múltiples artífices, al igual que la cuestión de si su música es simplemente una variante del ragtime. En cualquier caso, todas las investigaciones indican que en algún momento de finales del siglo XIX un número cada vez mayor de músicos de Nueva Orleans tocaba un tipo de música que, con la ventaja que nos da el tiempo transcurrido, sólo puede ser definida como jazz.

Los primeros discos comerciales tampoco vienen a simplificar la tarea del historiador. En todo caso ocurre lo contrario: la historia del jazz grabado se inició con un suceso que ha permanecido hasta hoy rodeado de polémica. Y, como con tantas de las cuestiones controvertidas de la historia de esta música, el problema racial subyace en el meollo de la disputa.

Quiso el destino que fuese, paradójica y extrañamente, la Original Diexieland Jazz Band (ODJB), un conjunto compuesto por músicos blancos, la primera en realizar grabaciones comerciales de esta música inequívocamente afroamericana.

Criados en Nueva Orleans, estos cinco instrumentistas - el director y cornetista Nick LaRocca, el clarinetista Larry Shields, el trombonista Eddie Edwards, el baterista Tony Sbarbaro y el pianista Henry Ragas- unieron fuerzas y actuaron en Chicago en 1916, debutando en Nueva York en enero de 1917. Durante una serie de actuaciones en el Reinsenweber's Restaurant, el grupo atrajo a gran cantidad de público con su música novedosa y enérgica, estimulando el interés entre las compañías discográficas de la costa este. Columbia fue la primera en grabar a la banda, pero dudó a la hora de lanzar los discos debido al carácter poco convencional y aparentemente vulgar de esta música.

Poco después, el sello Victor superó estos escrúpulos, y una segunda sesión fructificó el importante éxito comercial de "Livery Stable Blues".

Las polémicas partidistas hicieron más difícil la labor de juzgar la importancia y los méritos de la banda. LaRocca y sus partidarios han planteado un estridente revisionismo que sitúa a la ODJB como un factor clave en la creación del jazz. En cambio, los críticos de la banda han definido su música como rígida y poco creíble, llegando al punto de decir que ni siquiera era jazz sino tan sólo una destemplada variante del ragtime.

Pese a no ser la mejor de las primeras bandas de jazz, La ODJB fue claramente una de las más variadas. Sus grabaciones abarcan el jazz, el blues, las formas al estilo ragtime y las canciones populares, así como arreglos con un instrumento de viento adicional que anticipaban las texturas de la música swing.

El grupo se separó en 1925, aunque en 1936 volvió a reunirse brevemente para grabar en el sello Victor. Es posible que el incesante afán desplegado por los miembros de la banda con el fin de popularizar su música y promoverse a sí mismos perjudicase en último término el nivel artístico del grupo; no obstante, pocas bandas de aquel período contribuyeron más a dar a conocer al gran público estadounidense y extranjero, las virtudes de esta nueva música nacida en Nueva Orleans.

The Original Diexieland Jazz Band 

The First Jazz Recordings (1917-1921)

* 1 - Livery Stable Blues *

2 - Dixie Jass Band One-Step

3 - At The Jazzband Ball

4 - Ostrich Walk

5 - Skeleton Jangle

6 - Tiger Rag

7 - Bluin' The Blues

8 - Fidgety Feet

9 - Sensation Rag

10 - Mournin' Blues

11 - Clarinet Marmalade Blues

12 - Lazy Daddy

13 - Margie

14 - Palesteena

15 - Broadway Rose 

16 - Sweet Mama (Papa's Getting Mad)

17 - Home Again Blues

18 - Crazy Blues

19 - Jazz Me Blues

20 - St. Louis Blues

21 - Royal Garden Blues

22 - Dangerous Blues

23 - Bow Wow Blues (My Mama Treats Me Like A Dog)

History Of Jazz #39 - Herbie Nichols

N - Nichols, Herbie 

The Third World

(6 de mayo, 1955) 

Herbie Nichols - Complete Studio Master Takes

A mediados de 1950, algunos pianistas de jazz estaban prestando mucha atención al ejemplo de Monk. Seguir la senda de Thelonious, no era tarea nada fácil, sin embargo hubo quienes lo hicieron. Uno de ellos: Herbert Horatio Nichols, más conocido como Herbie Nichols, excelente pianista y compositor, un bicho raro en la historia del jazz. Uno de tantos, pero no uno cualquiera. 

Herbie Nichols es un músico fascinante, transición entre lo clásico y lo moderno. Con un pie en el pasado y otro en el futuro, diversos elementos de la interpretación de Monk demostraron ser especialmente influyentes en él. En primer lugar y ante todo, la concepción vertical de su música ofrecía una sólida alternativa al enfoque esencialmente lineal de la mayoría de los pianistas de posguerra. De manera similar, las texturas acórdicas de Monk, sus enérgicas melodías y los ritmos firmes y rotundos sirvieron como claros signos de rebelión contra el lenguaje cool y su intento de hallar un público para el jazz dentro del público general. 

De ascendencia caribeña, Nichols pasó la mayor parte se su vida profesional tocando en bandas de dixieland. Curiosamente es conocido por muchos sólo por ser el autor de “Lady Sings The Blues” pero realizó cuatro álbumes como líder y en formato trío, acompañado por monstruos como Max Roach, Art Blakey o George Duvivier. 

El ataque de Nichols y los elementos básicos de su vocabulario musical demuestran una gran deuda con Monk, pero sus interpretaciones eran más torrenciales y estaban más densamente cargadas. Y en lugar del humor taimado de Monk, tiende hacia una frágil dureza que, sombría y remota, raya a veces en la abstracción ultraterrena.

Las mejores grabaciones de Nichols ("The Third World", "2300 Skidoo", "Blue Chopsticks" y "Cro-Magnon Nights") son afirmaciones poderosas y totalmente libres de clichés, que revelan un desusado equilibrio entre forma y contenido. Murió joven a los 44 años, y es entonces cuando se lo eligió como profeta de la vanguardia. 

La remasterización realizada en 2005 por el sello Lone Hill Jazz que se presenta aquí incluye, no sólo la totalidad de sus grabaciones de estudio entre 1955 y 1957, a saber: The Prophetic Herbie Nichols Vol. 1 (Blue Note 5068), The Prophetic Herbie Nichols Vol. 2 (Blue Note 5069), Herbie Nichols Trio (Blue Note 1519) y Love, Gloom, Cash, Love (Bethlehem BCP-81), sino también una gran sorpresa como son las tres extraordinarias y raras pistas registradas en marzo de 1952 en formato cuarteto junto a Danny Barker en guitarra, Chocolate Williams en contrabajo y Shadow Wilson en batería, lo que constituye una impresionante coda para este retrato sin precedentes del inigualable Herbie Nichols. 

CD 1

 * 1 - The Third World *

2 - Step Tempest

3 - Dance Line

4 - Blue Chopsticks

5 - Double Exposure

6 - Cro-Magnon Nights

7 - Amoeba's Dance

8 - Brass Rings

9 - 2300 Skiddoo

10 - It Didn't Happen

11 - Crisp Day

12 - Shuffle Montgomery

 13 - The Gig

14 - Hangover Triangle

15 - Lady Sings The Blues

16 - Chit Chatting

17 - House Party Starting

18 - Terpsichore

CD 2 

1 - Wildflower

2 - Mine

3 - The Spinning Song

4 - Query

5  Too Close For Comfort

6 - Every Cloud

7 - Argumentative

8 - Love, Gloom, Cash, Love

9 - Portrait of Ucha

10 - Beyond Recall

11 - All The Way

12 - 45 Degree Angle

13 - Infatuation Eyes

14 - S'Crazy Pad

15 - Who Blues?

16 - 'S WOnderful

17 - Nichols And Dimes

History Of Jazz #37·#38 - Fats & Bud

N- Navarro, Fats

Wail

(8 de agosto, 1949) 

Destacando a mediados de 1940 en la orquesta de  Billy Eckstine como una estrella emergente del bebop, Theodore "Fats" Navarro incorporó las intrincadas líneas improvisatorias de Dizzy Gillespie (cuyos solos reproducía nota por nota) a un estilo más controlado. La suya era una música de contradicciones. Su sonido era más dulce y más suave que el de Gillespie -con un mayor uso de la lengua en la articulación de las notas frente al ataque más ligado de Dizzy-, pero su estilo global era todavía "hot" y lleno de ritmo.

Si la muerte no lo hubiese sorprendido tan joven -murió en julio de 1950 con tan solo 26 años-, la fama de Navarro podría haber igualado a la de Clifford Brown o Miles Davis. Su breve discografía da una idea cabal de su potencialidad y gran talento.

Una gran parte del trabajo de Fats tuvo lugar como acompañante de Tadd Dameron, Charlie Parker y Bud Powell, siendo en la compañía de éste último el título que elige Gioia para referirse a él: "Wail", una gran melodía de Powell. Una joya de tres minutos en la que cada nota de Navarro golpea perfectamente y a velocidad vertiginosa, en el centro de atención.

"Wail" muestra cuanto perdió el mundo del jazz con su prematura muerte.

P - Powell, Bud 

Dance Of The Infidels

(8 de agosto, 1949)

Tea For Two

(1 de julio, 1950)

Un Poco Loco

(1 de mayo, 1951)

Ningún músico hizo realidad el "modernismo" mejor que Earl Rudolph "Bud"Powell. Otros pianistas del jazz moderno podían alardear de una mejor técnica digital (Oscar Peterson, Phineas Newborn), un toque más limpio (Dodo Marmarosa, Lennie Tristano, Nat Cole), unas armonías más audaces (Thelonious Monk, Dave Brubeck), o un comportamiento escénico más efervescente (George Shearing, Erroll Garner). Pero ninguno representó mejor el espíritu del movimiento bebop que Powell. Y ninguno sería tan influyente como él.

La remodelación que llevó a cabo en el vocabulario del piano de jazz tendría un impacto tan profundo como duradero en los intérpretes posteriores del instrumento. Como tal, es uno de los pocos músicos (como Louis Armstrong, Charlie Parker, Lester Young, Dizzy Gillespie, Charlie Christian, Jimmy Blanton o Bill Evans) cuya influencia es demasiado omnipresente como para pasarla por alto fácilmente.

En el contexto de una cultura de jazz moderno que ensalzaba el compromiso personal con las experiencias emocionales más intensas e inmediatas, Bud parecía tener una relación especial con el zeitgeist, sin que implicara en Powell una actitud festiva.

Con la frente chorreando de sudor y las manos golpeando con toda su fuerza el teclado, Bud Powell tocaba como si estuviese luchando contra sus propios demonios. Y estos terminaron siendo más fuertes que él, abreviando su carrera que había alcanzado la cima mucho antes de que, en 1966, muriese a los 41 años.

En cuanto a los títulos elegidos por Gioia, ellos pertenecen a lo más importante de su repertorio grabado y muestran una mente musical que se tambalea precariamente cerca del abismo, como indican los títulos: "Dance Of The Infidels", "Un Poco Loco", "Oblivion", "Hallucinations". Un observador superficial podría adivinar muchas cosas sobre Powell simplemente echando un vistazo a los nombres de sus composiciones.

En una sesión de julio de 1950 -junto a Ray Brown en contrabajo y Buddy Rich en batería-, Powell pone el metrónomo al rojo vivo -como si estuviera compitiendo en una carrera con el virtuoso baterista-, en una emocionante versión de "Tea For Two".

Sus interpretaciones en números rápidos o intermedios lograban un admirable equilibrio transmitiendo una gran sensación de dominio musical y, al mismo tiempo, parecían a punto de perder el control.

Gran parte de su atractivo proviene de su tendencia a andar por la cuerda floja, característica que comparte buena parte de la mejor obra de Powell.

 Bud Powell - The Amazing Bud Powell (Volume 1)

1 - Bouncing With Bud
* 2 - Wail *
* 3 - Dance Of The Infidels *
4 - 52nd. Street Theme
5 - You Go To My Head
6 - Ornithology
7 - Bouncing With Bud (alternate take #1)
8 - Bouncing With Bud (alternate take #2)
9 - Wail (alternate take)
10 - Dance Of The Infidels (alternate take)
11 - Ornithology (alternate take)
* 12 - Un Poco Loco *
13 - Over The Rainbow
14 - A Night In Tunisia
15 - It Could Happen To You
16 - Parisian Thoroughfare
17 - Un Poco Loco (alternate take #1)
18 - Un Poco Loco (alternate take #2)
19 - A Night In Tunisia (alternate take)
20 - It Could Happen To You (alternate take)

Bud Powell - The Genius Of Bud Powell

* 1 - Tea For Two (take 5) *
 2 - Tea For Two (take 6)
3 - Tea For Two (take 10)
4 - Hallelujah
5 - Parisian Thoroughfare
6 - Oblivion
7 - Dusk In Sandi
8 - Hallucinations
9 - Fruit
10 - Nightingale Sang In Berkeley Square
11 - Just One Of Those Things
12 - Last Time I Saw Paris

History Of Jazz #36 - Art Pepper

P - Pepper, Art 

Patricia

(1-2 de diciembre, 1978)

Art Pepper - Today

Art Pepper fue un hombre marcado por el sufrimiento, la soledad y la tristeza. Durante toda su vida había perseguido la utopía de la felicidad propia y sólo pudo ofrecérsela a los demás con su música.

Para reflejar la agonía de una lucha personal y artística (ejemplificándola con la composición "Patricia", dedicada a la distanciada hija del artista), la secuela de la desordenada vida de Art Pepper es abordada por Gioia de la siguiente manera:

Art Pepper encarnó una contradicción entre el hombre y la música. Su estilo llegó con el tiempo a parecerse a su personalidad -honesta, implorante, emocional, enérgica y desinhibida-. Esto significó un enorme cambio respecto del saxofonista adolescente que se había unido a la banda de Stan Kenton en 1943, blandiendo un tono suave, casi femenino, un improvisador relajado cuyos solos relucientes bailaban por encima de los rugientes metales de la banda. Sus primeros trabajos reflejaban una inocencia de jardín de infantes.

Pero esta plácida superficie podía ser puesta rápidamente en turbulento movimiento por su técnica ametralladora y su deslumbrante oído para la improvisación.

Pepper parecía preparado para hacerse un nombre como uno de los principales solistas del jazz de la costa oeste, pero la adicción a las drogas y las complicaciones que resultaron de ésta, tanto penales como personales, lo atribularon durante las dos décadas. Hacia finales de 1950, su forma de tocar había adquirido cualidades más profundas -su tono azucarado dejaba un regusto amargo-, y durante la década de 1960 desapareció totalmente de la escena musical.

Mientras estuvo en la cárcel cayó bajo el influjo de John Coltrane y Ornette Coleman, dedicándose durante un tiempo al equivalente musical de la psicoterapia, diseccionando y volviendo a ensamblar su estilo con nuevas influencias injertadas sobre las antiguas. Durante un tiempo el proceso fue difícil e inseguro, pero había pocos oyentes que se dieran cuenta. Incluso al quedare en libertad, Pepper  tuvo muchas dificultades para encontrar un público durante esta era de Acuario.

Durante una larga participación en Synanon, un programa de rehabilitación para drogodependientes, Pepper consiguió integrar todas estas nuevas influencias en un todo asombroso, un depredador ataque de saxo contralto con un sonido suave y vulnerable en los graves. El lirismo de su trabajo de 1950 era aún evidente, pero su forma de tocar se volvería aún más libre, su paleta tonal más variada y su creatividad menos encadenada por las sucesiones de acordes.

Una serie de álbumes excepcionales para los sellos Galaxy y Contemporary documentó esta transformación y permitieron a Pepper preparar un regreso para todo lo alto después de una década casi de olvido. En la balada "Patricia", de su última época, añade una coda abrasadora a su intervención que a la vez celebraba y subvertía el cool jazz con penetrantes lamentos y susurros.

Today, fue una obra maestra en las postrimerías de su carrera. Un disco perfecto y en la portada del álbum, otra vez, la mirada de un hombre marcado por el sufrimiento, el aislamiento y la ausencia de alegría. En Today está la furia con la que se regirá su obra a partir de entonces, está la coherencia de su discurso musical y la perfección en la ejecución del mismo; está la ansiedad con la que siempre luchó por evitar que se manifestase. Sin ser quizás la mejor sesión que grabase antes de su muerte, si es cierto que Today es la que muestra de una forma más cabal sus intenciones.

Art Pepper está aquí en una compañía perfecta, una combinación impecable donde destaca sobre todo la fina percusión de Roy Haynes, incombustible hacedor de ritmos y sugeridor inagotable de atmósferas muy notables, Cecil McBee en contrabajo y el pianista Stanley Cowell, un musico de conceptos claros e inspiración sorprendente. 

Gracias Peter!

1 - Miss Who?

2 - Mambo Koyama

3 - Lover Come Back To Me

* 4 - Patricia * 

5 - These Foolish Things (Remind Me Of You)

6 - Chris's Blues

7 - These Foolish Things (Remind Me Of You) (alternate)

** FLASHBACK - Art Pepper **

 Plan Gordon #98 - Smuck Up

Plan Gordon #99 -  Intensity 

History Of Jazz #35 - Jay Jay Johnson

J - Johnson, J. J. 

Turnpike

(22 de junio, 1953)

 Jay Jay Johnson - The Eminent Jay Jay Johnson 

James Louis Johnson, conocido como Jay Jay Johnson, o simplemente J.J. Johnson, fue el primer trombonista en abrazar el bop, siendo para este instrumento lo que Charlie Parker es al saxo alto, o Dizzy Gillespie a la trompeta. A la edad de once años empezó a estudiar piano, pero tres años más tarde, cuando fue invitado por unos amigos a participar en la orquesta universitaria, adoptó el trombón como su instrumento definitivo. Obtuvo su primer contrato con la banda de Clarence Love a la edad de diecisiete años y, con dieciocho, fue contratado para tocar en la orquesta del salón Snookum Russell, donde conoció al trompetista Fats Navarro. Entre 1942 y 1945 realizó una gira por California con la big band de Benny Carter. Al abandonar la banda, se unió por unos meses a la orquesta de Count Basie y, más tarde, al cuarteto de Bud Powell, con el que actuó en el club Spolite y con el que entró por primera vez en un estudio de grabación.

Grabó su primer disco, Jay Jay Quintets, en 1946 para el sello Savoy. En 1947 se unió a la banda de Illinois Jacquet, en la que mantuvo su colaboración hasta 1949. Tras dejar esta banda se unió primero a Woody Herman y más tarde a Dizzy Gillespie con quien realizó una gira por Corea y Japón en 1951 junto al grupo liderado por el contrabajista Oscar Pettiford. El salto mundial a la fama le llegó en 1954, cuando el sello Savoy le propuso la grabación de un dúo de trombones junto a Kay Winding, formando así el "Jay and Kay Quintet" con el que grabaría una serie de magníficos discos. Aunque se separaron en 1956, volvieron a reunirse de forma ocasional en 1958, 1961 y 1968. En 1970 se trasladó a California para dedicarse a la composición de música para cine y televisión y continuó  grabando discos con cierta regularidad, obteniendo año tras año el premio "Trombonist of the Year" de la prestigiosa revista Down Beat, en la que fue situado en el Hall of Fame en 1995. En 2001, con la salud muy deteriorada, se suicidó de un disparo.

De su extensa obra grabada, Gioia propone detenerse en su composición "Turnpike", incluida en el primer volumen de la serie The Eminent Jay Jay Johnson, dos LP's realizados para el sello Blue Note, con registros tomados entre  1953 y 1955.

En ellos, Jay Jay estuvo secundado por un verdadero "quién es quién" del bebop del momento como los saxofonistas Hank Mobley y Jimmy Heath, el trompetista Clifford Brown, los pianistas Wynton Kelly, Horace Silver y John Lewis, los contrabajistas Charles Mingus, Paul Chambers y Percy Heath y el baterista Kenny Clarke.

Habiendo sido estos discos los que se convirtieron en el sello distintivo de su carrera, aquí van ambos volúmenes desde las reediciones que sumaron tomas alternativas no presentes en los vinilos originales.

Volumen 1

1 - Capri

2 - Lover Man

* 3 - Turnpike *

4 - Sketch 1

5 - It Could Happen To You

6 - Get Happy

7 - Capri (alternate take)

8 - Turnpike (alternate take)

9 - Get Happy (alternate take)

Volumen 2

1 - Too Marvelous For Words

2 - Jay

3 - Old Devil Moon

4 - It's You Or No One

5 - Time After Time

6 - Coffee Pot

7 - Pennies From Heaven

8 - Viscosity

9 - You're Mine You

10 - ''Daylie'' Double

11 - Groovin'

12 - Portrait Of Jennie

13 - Pennies From Heaven (alternate take)

14 - Viscosity (alternate take)

15 - ''Daylie'' Double (alternate take)

History Of Jazz #34 - Bennie Moten

M - Moten, Bennie

Moten Swing

Prince of Wails

(13 de diciembre, 1932)

Bennie Moten - 1930-1932

Bennie Moten, pianista, compositor y director de orquesta de swing, comenzó con la música siendo aún niño, tocando el “saxhorn" en un grupo de metales de su ciudad natal. Profesionalmente se inició en 1918, al frente de un trío, que se convirtió en sexteto hacia 1921. Con este grupo, realizó su primera grabación para el sello Okeh, en 1923, acompañando a diversas cantantes locales como Ada Brown y Mary Bradford. Continuó realizando grabaciones de forma regular, básicamente para el sello Victor, aunque para entonces el sexteto ya se había convertido en una big band.  

Con el tiempo, los solistas de esta banda se revelaron capaces de competir con los mejores instrumentistas de los conjuntos de la costa este, y se vieron especialmente favorecidos por una serie de sólidos arreglos.

Fue la banda de Moten la que estableció las bases de lo que se llamó "estilo Kansas City", fundamentado en un uso extensivo de los riffs y del principio de origen africano conocido como "call and response", aplicado a los distintos grupos de la sección de viento -trompetas, trombones y saxofones-, sobre un substrato de blues.

Pianista modesto, muy influido por el ragtime, Moten se convirtió en un director de big band formidable, con una firme voluntad de evolución y muy escasas concesiones comerciales. Con arreglos originales de Eddie Durham, Eddie Barefield y Count Basie, su sonido se destacó como original, combinando el típico "sonido en masa" con excelentes solos individuales.

Cuando la banda de Moten realizó su última sesión para el sello Victor, en 1932, su elevado nivel musical se hallaba sólo al alcance de algunas pocas bandas. Dicha sesión, del 13 de diciembre de 1932, figura merecidamente entre las de mayor calidad del jazz de aquella década. También sería la última visita de la banda de Moten a los estudios de grabación. Un verdadero "canto de cisne" en plena Gran Depresión. Una maratónica sesión realizada ante una situación económica desesperada, realizada luego de varias actuaciones intermedias de camino a los estudios de Camden. Sin embargo, ni el hambre, ni el frío, ni el cansancio impidió que todos los músicos, entre los que están Hot Lips Page, Eddie Durham, Eddie Barefield, Ben Webster, Count Basie, Walter Page y Jimmy Rushing, dieran lo mejor de sí. "Toby", "Moten Swing" -he aquí la versión original-, "Blue Room" y, sobre todo, "Lafayette" son hitos del jazz y de  una sesión memorable y sin desperdicio.

1 - The Count

2 - Liza Lee

3 - Get Goin' (Get Ready To Love)

4 - Professor Hot Stuff 

5 - When I'm Alone

6 - New Moten Stomp

7 - As Long as I Love You

8 - Somebody Stole My Gal

9 - Now That I Need You

10 - Bouncin' Round

11 - Ya Got Love

12 - I Wanna Be Around My Baby All The Time

13 - Toby

* 14 - Moten Swing *

15 - The Blue Room

16 - Imagination

17 - New Orleans

18 - The Only Girl I Ever Loved

19 - Milenberg Joys

20 - Lafayette

* 21 - Prince of Wails *

22 - Two Times