12 de mayo de 2022

Charles Mingus - El hombre triplicado

Este año el mundo del jazz conmemora los cien años del nacimiento de Charles Mingus y esta es nuestra discreta forma de unirnos a las celebraciones que se están desarrollando en su honor.

Charles nació en una base militar del Ejército de Estados Unidos el 22 de abril de 1922, cerca de la ciudad de Nogales, en el estado de Arizona. Pero se crio en el área de Watts, en Los Ángeles, California. Su familia era de origen sueco y afroamericano por parte de sus abuelos paternos. En cuanto a sus abuelos maternos, sus orígenes eran chino y británico.
Pero en lo que refiere sus raíces geográficas, emocionales y académicas, el propio Mingus fue muy claro: "Aunque vivo en Nueva York, todos me consideran de la "costa este". Pero soy de la "costa oeste" ya que allí aprendí mucho y fue mi hogar desde que tuve tres meses.

Mingus se oponía a aliarse con lo que en general y vagamente se ha denominado el "estilo de jazz de la costa oeste". Renegó de cualquier "escuela", ya fuera de alguna de las costas y de las intermedias. "Siempre he compuesto igual. Cualquiera que sea el lugar en el que se encuentre, un hombre debe ser él mismo. Y no escribo en ningún "idioma" en particular. Escribo a lo Charles Mingus".

En un principio comenzó estudiando el trombón, pero dada la incompetencia de su profesor, desvió su atención hacia el violonchelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que "estaba ensayando con un instrumento más propio de blancos que de negros", lo que hizo que se dedicara al estudio del contrabajo. Pero además de contrabajista fue pianista, compositor, arreglador, director, arquitecto de complejas improvisaciones y líder carismático. 
Sin embargo, también se definió como "Menos que un perro" ("Beneath the Underdog"), como tituló a su desaforada autobiografía, un relato que da cuenta de una vida vivida al filo de la lucidez, entre la angustia, el júbilo, la música, su desprecio por el otro y sus varias personalidades.
En sus propias palabras: "Soy tres. Uno de ellos permanece siempre en el medio, despreocupado, impasible, observando, esperando que se le permita expresar lo que ven los otros dos. Un segundo hombre es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Y después está la persona amable y amorosa que deja entrar a la gente en el templo más sagrado de su ser, aceptando insultos, confiando y firmando sin leer contratos en los que lo convencen de trabajar barato o gratis. Cuando se da cuenta de lo que le han hecho, siente ganas de matar y destruir todo a su alrededor, incluido él mismo, por ser tan estúpido. Pero no puede hacerlo y vuelve a ser él mismo. ¿Cuál es real? Todos son reales".

Su carácter era difícil e imprevisible, inadaptado hasta la psicosis, exhibicionista e ingenuo, patológicamente incapaz de controlarse, infantilmente contradictorio, honesto como pocos, brutalmente sincero y muchas veces ingrato. Pero lo principal, Mingus fue uno de los grandes músicos del siglo XX, un innovador insaciable y al mismo tiempo un conservador fuertemente ligado a la tradición afroamericana. Sus fuentes declaradas fueron la música de la iglesia —la única que su madrastra le permitía escuchar en casa—, Charlie Parker, Art Tatum y Duke Ellington, por cuya orquesta pasó fugazmente a comienzos del 1943. El resto fue pura intuición y ambición. Entre la soledad y la originalidad, su música fue un puente majestuoso entre las dos grandes revoluciones del jazz moderno: con su virtuosismo instrumental y su espontaneidad feroz prolongó el bebop; a través de sus improvisaciones colectivas, y el compromiso social con los negros de Estados Unidos, anticipó el free jazz.

De su impresionante producción grabada (51 discos como líder y 34 como sideman), Quintaesencia propone detenerse en el muy desatendido East Coasting, grabado para el sello Bethlehem en 1957. El "desinterés" probablemente se explique porque surgió a la sombra de varios hitos de su carrera que sí monopolizaron el análisis de la crítica. Cabe recordar que, por entonces, Mingus prácticamente lanzaba un nuevo álbum cada dos meses. 
Grabado poco después de su célebre álbum Tijuana Moods, es uno de los álbumes de Mingus más ignorados y menos valorados de su discografía. No tiene una portada particularmente "artística" o un tema unificador como sucedía en otros álbumes que, por ello, adquirían el estatus de "legendario". Para la crítica especializada no es la "obra maestra" que Mingus buscaba plasmar en cada álbum que hacía. Pero contiene una rara y agradable particularidad: Bill Evans está dentro de los músicos convocados, algo que pocos podían esperar. Ya se habían encontrado dos meses antes, coincidiendo en la grabación de una obra específicamente encargada por la Brandeis University para ser presentada en el Festival de las Artes de 1957 —titulada "Revelations"—, concebida para satisfacer los conceptos del movimiento llamado Third Stream (Tercera Corriente), en la que fueron secundados por una orquesta dirigida por Gunther Schuller.

Pero en East Coasting, la conjunción suena muy "especial", con un Evans desplegando todo su sedoso impresionismo para las baladas y sus figuras rítmicas irregulares y categóricas para tempos más acelerados. Faltaban unos pocos meses para que el pianista se embarcara en una asociación con Miles Davis, un primer paso para su rápido ascenso al estatus de leyenda.
Los músicos restantes eran todos incondicionales de Mingus. A Dannie Richmond, lo consideraba como "uno de los bateristas más versátiles y creativos que he escuchado", y sabida fue la predilección por el trombonista Jimmy Knepper, uno de sus socios favoritos.
Completaron el sexteto dos "brillantes promesas" que desaparecieron en la oscuridad poco tiempo después: el trompetista Clarence Shaw y el saxofonista Shafi Hadi, también conocido como Curtis Porter.
Mingus no era ni de la "costa este" ni de la "costa oeste", pero East Coasting sigue siendo una muestra digna de su talento y de la magistral arquitectura del mundo musical que creó, tan único como él mismo.

Charles Mingus
East Coasting

1 - Memories Of You (take 7)
2 - East Coasting (take 4)
3 - West Coast Ghost (take 6)
4 - Celia (take 5)
5 - Conversation (take 16)
6 - Fifty-First Street Blues (take 4)
7 - East Coasting (alternate take 3)
8 - Memories Of You (alternate take 3)

Clarence Shaw (trompeta), Jimmy Knepper (trombón), Curtis Porter [como Shafi Hadi] (saxos alto y tenor), Charles Mingus (contrabajo), Bill Evans (piano), Dannie Richmond (batería).
Grabado en Nueva York, el 16 de agosto de 1957.


Llegado a este punto, Quintaesencia anuncia que se va "de costa" y sí elige una en particular. Es hora de una pausa de otoño y la costera Punta del Diablo será, como siempre, el lugar ideal para renovar energías. Retomaremos esta "extraña pasión" ni bien se inicie el mes de junio.


¡Hasta la vuelta!
 

6 de mayo de 2022

Sonny Rollins ~ Thad Jones - Extrañas partes y un todo

Period Records fue un efímero sello discográfico fundado por el húngaro Vilmos "William" Avar en 1949. Después de casi una década de actividad, vendió toda su producción a la compañía Bethlehem Records. Contaba con un amplio catálogo de grabaciones clásicas y de opereta, música popular y jazz. En cuanto al área jazzística, Leonard Feather fue su director de A&R, es decir, la persona responsable de la búsqueda de nuevos artistas y talentos, encargándose de supervisar el desarrollo artístico y la dirección musical de aquellos que iba "descubriendo".
Una de sus piezas es considerada como "muy rara" (principalmente en los sitios de remates de vinilos históricos). Más aún si se tiene en cuenta que, aunque se titule Sonny Rollins Plays, no se trata de un disco completo de Rollins, sino de una producción auspiciada por Leonard Feather, para reunir "piezas sueltas" de sesiones que, por separado, no alcanzaban para conformar un álbum completo de ninguno de sus protagonistas. 

Corría el año 1958 y Feather nos introduce al disco de la siguiente manera: "Period Records se enorgullece de presentar, un par de combos liderados por dos músicos que, durante el año pasado, han disfrutado de un extraordinario reconocimiento entre una red intercontinental de fanáticos del jazz". El ascenso de Rollins durante 1957 fue inesperadamente rápido, después de hacerse conocer en los círculos del jazz moderno desde 1948, cuando hizo su gran debut con Babs Gonzales, a la edad de 19 años. Por eso, resaltando más la figura de Sonny que la de Thad, expresa Feather: "Sonny Rollins ha comenzado a ganar los mismos elogios que la crítica otorgó a Thad Jones cuando este último emergió de las filas de la banda de Count Basie. Al escuchar estas grabaciones, se comprende por qué Sonny Rollins fue votado como la nueva estrella del saxofón del año en la encuesta de críticos de Down Beat de 1957 y por qué, cuando 1957 llegaba a su fin, se reveló que él había subido de la nada al segundo lugar en la encuesta de lectores de esa revista".

Muchas son las conjeturas que podrían elaborarse a propósito de estos únicos y obscure tres temas que Sonny grabó para Period Records aquel 4 de noviembre de 1957. El día anterior debe haber sido muy ajetreado y excitante debido a su célebre concierto ocurrido en el Village Vanguard, inmortalizado por el Live At Village Vanguard producido para el sello Blue Note. Las especulaciones plantean más preguntas que respuestas: ¿se estaba preparando un álbum completo y la fecha no pudo posponerse? ¿Razones contractuales con otros sellos impedían por entonces el lanzamiento de un disco en otra compañía? ¿Necesitaba Sonny la "urgencia" de expresarse fuera del contexto revolucionario de trío sin piano con el que había asombrado los clientes del Village Vanguard, apelando al formato más ortodoxo de un quinteto? No hay respuestas... Ni de la sesión en cuestión ni del enigmático arte de tapa con el busto de un emperador que... ¿lo protege? ¿lo desafía? Tampoco el sitio oficial del legendario saxofonista arroja alguna luz. Sonny Rollins Plays no figura dentro de la interminable lista de sus producciones como líder.

En resumen, este disco, originalmente aparecido como un LP compuesto por un lado a cargo de Sonny Rollins y el otro bajo la conducción de Thad Jones, ofrece una magnífica oportunidad de disfrute para los aficionados a las raras piezas discográficas.

Sonny Rollins
Sonny Rollins Plays

Sonny Rollins Quintet
1 - Sonnymoon For Two
2 - Like Someone In Love
3 - Theme From Pathetique Symphony

Thad Jones Ensemble
4 - Lust For Life
5 - I Got It That Ain't Bad
6 - Ballad Medley:
Flamingo / If You Were Mine / I'm Through With Love / Love Walked In

#1 a #3:
Sonny Rollins (saxo tenor), Jimmy Cleveland (trombón), Gil Coggins (piano), Wendell Marshall (contrabajo), Kenny Dennis (batería).
Grabados Belton Studios, Nueva York, el 4 de noviembre de 1957.
#4 y #5:
Thad Jones (trompeta), Frank Foster (saxo tenor), Jimmy Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Jo Jones (batería).
Grabados Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 24 de diciembre de 1956.
#6:
Thad Jones (trompeta), Henry Coker (trombón), Frank Wess (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Eddie Jones (contrabajo), Elvin Jones (batería).
Grabado en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 6 de enero de 1957.


Thad Jones sí tuvo la posibilidad de un álbum completo a su nombre para Period Records. De hecho, las tres pistas aparecidas en el anterior Sonny Rollins Plays, estaban planificadas para dicho álbum, pero no fueron incluidas por falta del espacio físico que ofrecía un LP de 12 pulgadas.
Aunque todavía era miembro de la banda de Count Basie, Thad estaba empezando a dejar su huella como un trompetista y compositor con visión de futuro como lo demuestran estas grabaciones de 1956 y 1957 que finalmente vieron la luz bajo el título Mad Thad.
Es bien conocida la "gentileza" de Basie al permitir que sus músicos se desarrollaran por fuera de los compromisos con su orquesta y es por ello que Thad, pese a que se encontraba en medio de una gratificante actividad discográfica, se hizo un espacio para componer, arreglar y tocar con una excepcional creatividad. Hasta Charles Mingus llegó a dar una opinión, considerándolo como "la trompeta más grande que he escuchado en esta vida". 

Para Mad Thad, Jones reclutó a algunos de sus colegas favoritos de la orquesta de Basie y a uno de sus veteranos como el baterista Jo Jones. También convocó a su hermano Elvin para la batería y a otro compañero de Detroit, el pianista Tommy Flanagan. 
Justificando plenamente el entusiasmo de Mingus, Thad logró en este disco uno de sus máximos picos de invención melódica y armónica.

Thad Jones
Mad Thad

1 - Jumpin' For Jane
2 - Whisper Not
3 - Mad Thad
4 - Bird Song
5 - Cat Meets Chick
6 - Quiet Sip

#1 a #3:
Thad Jones (trompeta), Frank Foster (saxo tenor), Jimmy Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Jo Jones (batería).
Grabados en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 12 de diciembre de 1956.
#4 a #6:
Thad Jones (trompeta), Henry Coker (trombón), Frank Wess (saxo tenor y flauta [#6]), Tommy Flanagan (piano), Eddie Jones (contrabajo), Elvin Jones (batería).
Grabados en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 6 de enero de 1957. 

27 de abril de 2022

Ted McNabb - Todo por un sueño


Ted McNabb tenía un sueño y, aunque parcialmente, se hizo realidad. La curiosa historia del disco que lleva su nombre fue revelada por Marc Myers en uno de sus interesantes relatos para su sitio JazzWax que bien vale la pena repasar.

Pero, para resumirlo como presentación, comencemos con el verdadero responsable de uno de los discos más exuberantes y obscure de la historia del jazz: Marion Evans, un auténtico "músico de músicos" que ocupa un lugar destacado en el universo de los grandes orquestadores de Nueva York que florecieron en las décadas de 1950 y 1960. Arregló más de 100 álbumes para artistas como Tony Bennett, Steve Lawrence, Eydie Gormé, Perry Como y Doc Severinsen, ganó varias nominaciones del premio Grammy y se destacó por sus composiciones para 17 series de televisión y 11 espectáculos de Broadway. Nativo de Alabama, Marion comenzó su carrera escribiendo para la Orquesta Glenn Miller – Tex Beneke a fines de la década de 1940 y también escribió para Tommy Dorsey, Vaughn Monroe, Percy Faith y Count Basie. 
El otro responsable de esta curiosa pieza discográfica fue un señor llamado Ted McNabb que, si bien había estudiado piano, clarinete y batería, nunca ejerció la música profesionalmente. 

Cierta noche de 1959, Ted, quien se presentó como un comerciante de la empresa Bell & Howell Co. de Chicago, se puso en contacto con Marion expresándole su intención de financiar un disco para que su novia cantase acompañada por la mejor banda que pudiera conseguirse, que el dinero no sería un inconveniente, y lo invitó a que se encontraran en el hotel neoyorkino donde se alojaban para una audición. Recuerda Marion: "(...) encontramos una habitación que tenía un piano de media cola blanco y nos acomodamos. Me senté y toqué un par de canciones mientras la novia de Ted cantaba. Ella no era una buena cantante. Musicalmente hablando, era 'sorda'. Cuando terminamos Ted preguntó si haría el álbum y le contesté que había un problema ya que era casi imposible conseguir músicos de primer nivel y un sello discográfico reconocido por el sindicato dispuesto a arriesgarse a costear un disco sin un seguro de éxito comercial. Pero Ted me dijo que, de todos modos, consultara con los sellos principales, que él pagaría lo que fuese necesario".
Para "comprobarlo", Marion lo llevó al límite. Le dijo que, si podía demostrarlo, tendría que conseguir 10.000 dólares en billetes de 100, para comenzar a resolver algo. 
Al día siguiente, recibió un sobre con lo solicitado y no tuvo más remedio que dirigirse a la Columbia Records, mostrar "las pruebas" y conminar a los directivos a firmar un contrato. Si no lo hacían, inmediatamente se dirigiría a sus colegas de la RCA con la misma propuesta. Columbia aceptó el desafío.

Cuenta Marion: "Cuando le dije a Ted que había conseguido un contrato con Columbia, se llenó de alegría y me dejó un cheque considerable como anticipo. Recogí el cheque en su hotel y lo llevé al Manufacturers Hanover Trust Bank para abrir una cuenta".
Y entonces descubrió algo más sorprendente: Ted McNabb no es un simple vendedor. Era el accionista mayoritario del banco. Al parecer, el padre de Ted, J.H. McNabb, había comprado la mitad de la empresa desde el principio y cuando murió, en 1949, Ted se convirtió en un rico heredero y miembro del directorio.

Solucionada la parte comercial, comenzaron las pruebas. Los músicos contratados eran como para un disco de ensueño y el lugar el no menos emblemático estudio de la Calle 30, donde apenas siete meses antes, Miles Davis había grabado su icónico Kind Of Blue
En uno de los descansos, Ted invitó al contrabajista de la banda, Milt Hinton, a tomar una copa y expresarle lo bien que sonaba la banda. Pero Milt, sin saber qué relación existía entre la cantante y su interlocutor le dijo: "Sí, pero la cantante es terrible". A Ted no le molestó lo que escuchó, "recogió el guante" y sin hacerse mucho drama replicó: "¿Qué te parece si volvemos al estudio y hacemos el disco de la banda sin ella?"
Como todos los arreglos estaban diseñados para un disco "vocal", tuvieron que ser reelaborados para una sesión puramente instrumental. 
Pero "parte" de su sueño había sido resuelto. Al no estar su novia dentro de los participantes, la única exigencia de Ted fue que el disco llevara su nombre, pero sin dar ninguna explicación sobre su identidad. Apenas si aparece su foto en la portada, destacada por un asterisco que lo diferencia de los demás integrantes.
Cuando se lanzó el álbum, Ted compró 100.000 copias para regalarlas entre los empleados de Bell & Howell Co. y le dijo a Marion: "Dile a los de Columbia que quiero hacer otro disco".
Desafortunadamente, nunca se hizo otro álbum. Ted murió repentinamente a los 40 años.

Ted McNabb & Co.
Big Band Swing

Lado 1
1 - Mountain Greenery
2 - I'll Never Say "Never Again" Again
3 - Blue Moon
4 - Margie
5 - That Old Feeling
6 - Have You Met Miss Jones

Lado 2
7 - Lover
8 - You're My Thrill
9 - It Had To Be You
10 - Three Little Words
11 - Spring Is Here
12 - Close As Pages In A Book

#2, #4, #8 y #9:
Bernie Glow, Burt Collins, Doc Severinsen, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trombón bajo); Dick Meldonian, Gene Quill (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).
#1, #3, #7 y #12:
Bernie Glow, Burt Collins, John Frosk, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trmbón bajo); Dick Meldonian, Herb Geller (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); John Drew (contrabajo); Don Lamond (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).
#5, #6, #10 y #11:
Al DeRisi, Burt Collins, Doc Severinsen, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trombón bajo); Dick Meldonian, Gene Quill (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); John Drew (contrabajo); Don Lamond (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).

Grabaciones realizadas en el 30th Street Studio de Nueva York, el 19 (#2, #4, #8 y #9), el 23 (#1, #3, #7 y #12) y el 25 (#5, #6, #10 y #11) de noviembre de 1959. 

21 de abril de 2022

Coleman Hawkins - Gemas restauradas


Nacido en 1904 en Missouri, Coleman Hawkins elevó al saxo a una forma exquisita de arte, siendo el responsable de crear el concepto del saxofonista moderno como solista estrella. Antes de que Hawkins apareciera en escena a fines de la década de 1920, el saxo —patentado por su inventor, el músico belga Adolphe Sax en 1846—, se consideraba un instrumento apenas novedoso. Se había utilizado ocasionalmente en la música clásica, pero en la música popular anterior a 1925, el saxo rara vez se escuchaba. Y cuando era utilizado, se empleaba principalmente para proporcionar ruidos de mugido de baja frecuencia y efectos de sonido cómicos, parecidos a flatulencias. En resumen, no era tomado muy en serio. Además, no había un linaje de grandes músicos que pudieran ser modelos a seguir para los jóvenes aspirantes a músicos. Coleman Hawkins cambió para siempre la percepción del saxo.

Conocido por su afición al alcohol, sucumbió a una enfermedad hepática a la edad de 64 años. Pero en las cinco décadas que estuvo musicalmente activo, demostró ser un verdadero pionero: un revolucionario de buena fe que le dio al saxo tenor su voz única. El rico legado de grabaciones que dejó unió las eras del swing y el bebop y ayudó a dar forma al jazz tal como lo conocemos hoy. Una de esas sesiones de grabación, ahora consideradas históricas, es la que presentaremos esta vez.

El 8 de noviembre de 1954, Coleman y otros cinco ilustres acompañantes "todoterreno" como Milt Hinton, Billy Taylor, Emmett Berry, Eddie Bert y el gran Jo Jones. grabaron una docena de canciones para el sello Jazztone Society, un sello de muy corta vida que se especializaba en la venta de grabaciones por correo. Nueve de estas pistas fueron publicadas como Timeless Jazz: Coleman Hawkins and his All-Stars y las restantes fueron apareciendo en distintas "ensaladas" en formato de LP's o fraccionados en "sencillos" de 7 y 10 pulgadas.
El bop estaba en pleno apogeo y Hawkins, que pasaba por un gran momento de su carrera, demostró en estos registros su total adaptación al estilo.
Hubo que esperar hasta 1980, para que estas grabaciones aparecieran en disco compacto por primera vez, siendo la casa barcelonesa Fresh Sound la encargada de remasterizar Timeless Jazz (respetando los nueve temas del vinilo original), y hasta 2003 para que volviera a hacerlo (esta vez reuniendo la totalidad de los registros realizados) bajo el título The Complete Jazztone Recordings 1954

Dadas las condiciones de grabación de sellos como Jazztone en la década de 1950, el sonido de las ediciones en CD es verdaderamente "cavernoso". Hay momentos en los que, en el mejor de los casos, a Jo Jones se le intuye mientras una incómoda reverberación envuelve todo el conjunto.
Pero la música es magnífica. Puede enorgullecerse al lado de sus más famosas grabaciones, a pesar de su origen obscure y su calidad de sonido comprometida. En definitiva, grabaciones de colección para todos los fanáticos de Hawk y para los amantes de los hard to find del jazz en general.

Coleman Hawkins
The Complete Jazztone Recordings 1954

1 - Get Happy
2 - If I Had You
3 - Lullaby Of Birdland
4 - Time On My Hands
5 - Out Of Nowhere
6 - Ain't Misbehavin'
7 - Blue Lou
8 - Stompin' At The Savoy
9 - Cheek To Cheek
10 - Just You, Just Me
11 - Honeysuckle Rose
12 - Undecided

Coleman Hawkins (saxo tenor), Emmett Berry (trompeta [#1, #3, #5, #7, #8 y #10]), Eddie Bert (trombón [#1, #3, #5, #7, #8 y #10]), Billy Taylor (piano), Milt Hinton (contrabajo), Jo Jones (batería).
Grabado en Nueva York, el 8 de noviembre de 1954. 

16 de abril de 2022

Dick Collins - Trilogía completa

Conocido profesionalmente como Dick Collins, Richard Harrison Collins nació en Seattle, Washington, el 19 de julio de 1924. Descendiente de una familia que generación tras generación estuvo formada por talentosos músicos, comenzó su carrera profesional como "mascota" de la banda de su padre, el pianista Fred Collins. Cuenta Dick: "Mi familia se mudó a San José cuando yo tenía 5 años. Mi padre era fotógrafo y líder de una banda de baile. Tocaba el piano y el banjo y enseñaba violín y piano. Fue él quien decidió que yo aprendiera a tocar la trompeta. Me la entregó y dijo: 'Aquí tienes, niño. Aprende a tocar esta cosa'. Tenía solo 6 años cuando me subió al escenario por primera vez. No podía sostener la trompeta porque era demasiado pesada. Así que construyó un trípode y montó el instrumento para que yo pudiera soplar y manipular las válvulas". Sin embargo, las clases de trompeta las tomó con otro padre famoso como el de su colega Red Nichols. En 1938, el padre de Dick movió todos los hilos para que su hijo ingresara al sindicato local de músicos y comenzara a tocar en todas las bandas locales.

En 1943 Dick fue alistado en el ejército. Y recuerda: "Me reclutaron en el Air Corps y salí del servicio en 1946. Estuve en bandas todo el tiempo y nunca fui al extranjero. Aprendí mucho sobre música en el Air Corps. Tocábamos música legítima en conciertos y algunas marchas cuando llegaba un general". Entre 1946 y 1947 se instaló en California, asistiendo al Mills College, donde estudió música formalmente con Darius Milhaud. "La ciudad era más grande que San José —rememora Collins—, allí pasaban más cosas. También había mejores músicos... San José era solo un pueblo agrícola en ese entonces. No había clubes reales. En San Francisco me enteré de que Darius Milhaud estaba enseñando en Mills College. Así que me inscribí".

Cuando en 1948 la Federación Estadounidense de Músicos convocó a una segunda contra los sellos discográficos, Milhaud dejaba el Mills College para regresar a París y Collins decidió acompañarlo. "¿Por qué no vienes a París y estudias conmigo?", le había sugerido Milhaud. En Francia continuó estudiando, realizó grabaciones para el sello Swing Records con un grupo llamado Be Bop Minstrels, otra con la orquesta de Kenny Clarke y una más con el saxo alto francés Hubert Fol. Recuerda Collins: "Solo tocábamos bebop en clubes. Sin embargo, yo no era realmente un beboper, nunca me sentí realmente cómodo con ese idioma. Bebop era "la" palabra entonces, y no se usaba ninguna otra para describir al jazz. Podía tocarlo, pero mi estilo no era ese".

Al regresar de Francia se integró al octeto de Dave Brubeck —a quién había conocido cuando estudiaba en el Mills College—, mientras completaba su licenciatura en música en el San Francisco State College. En la década de 1950 actuó y grabó con Charlie Barnet (1951), Charlie Mariano, Nat Pierce, Paul Desmond y Cal Tjader (1953), antes de firmar contrato con Woody Herman a principios de 1954. En 1957 comenzó a trabajar con Les Brown, asociación que continuó durante casi una década e incluyó giras por todo el mundo.

Las pasiones de Collins se dividían en dos actividades que le fascinaban y que estudió seriamente: música e investigación, trompetista de jazz por la noche y cursos académicos para obtener su maestría en bibliotecología durante el día. Una vez obtenida esta última, Dick se convirtió en uno de los primeros promotores de la Asociación de Bibliotecas Musicales en el sur de California, donde se desempeñó como presidente durante la década de 1960. En 1965, asumió un puesto como bibliotecario de música, que ocupó hasta 1967, y ocupó un segundo puesto de 1971 a 1986, alejándose de la actuación activa. Probablemente, ese distanciamiento del jazz y de los estudios de grabación a partir de 1962, fue determinante para que no quedara en la memoria de los aficionados, aunque su cálido sonido fuera una firma indeleble en las bandas de Woody Herman, Les Brown y Charles Barnett.

Sin embargo, Dick grabó como líder solo los tres álbumes que aparecerán a continuación. El primero de ellos terminó siendo acreditado a Nat Pierce por error. A propósito, Collins recuerda: "En realidad, esa fue una sesión mía, aunque Nat se hiciera cargo del "asunto". Era sólo era el pianista y el encargado de los arreglos. Pero en algún momento determinado se consideró el líder. Solo dejé que sucediera. Nat nunca dijo nada y yo tampoco".

Nat Pierce And The Herdsmen
Nat Pierce ~ Dick Collins Nonet

Lado 1
1 - Drop The Other Shoe
2 - I'll Never Be The Same
3 - Honey Baby
4 - Easy Living

Lado 2
5 - Keep in' Out of Mischief Now.
6 - Some Of These Days
7 - Blue Lester
8 - The King

Nat Pierce (piano); Dick Collins, John Howell (trompetas); Cy Touff (trompeta baja), Jerry Coker (saxo tenor y clarinete), Dick Hafer (saxo tenor, saxo alto y clarinete); Jack Nimitz [como Jack Nimetz] (saxo barítono); Red Kelly (contrabajo); Gus Gustafson (batería).
Grabado en el Marines' Memorial Auditorium, San Francisco, California, el 27 de enero de 1954.


Realizadas para el sello RCA Victor, las siguientes dos grabaciones bajo su liderazgo son hoy consideradas imprescindibles y verdaderas obras de arte. Horn Of Plenty, es una de las maravillas de Dick al frente de un noneto integrado por miembros de la banda de Woody Herman. Nat Pierce arregló la mitad de las canciones que componen el álbum, y la otra mitad estuvo a cargo de Al Cohn. Collins es, por supuesto, el solista principal, y es su trompeta la responsable de la vitalidad de la música. Como resalta Bill Zeitung en las liner notes, con un tono pequeño pero incisivo, plena de swing y lirismo, la trompeta de Collins se eleva por encima de cada acorde, plasmando las brillantes ideas de uno de los talentos más estimulantes del jazz moderno con un sonido excepcional.

Dick Collins And The Runaway Herd 
Horn Of Plenty

Lado 1
1 - I'd Know You Anywhere
2 - Angel Eyes
3 - Tricky Dick
4 - Stairway To The Stars
5 - Very Shifty
6 - Just As You Are

Lado 2
7 - What A Little Moonlight Can Do
8 - My One And Only Love
9 - No Soap
10 - The Lone Night
11 - Why Was I Born
12 - Please Don't Talk About Me When I'm Gone

Dick Collins (trompeta); Dick Hafer, Al Cohn (saxos tenores); Med Flory (saxo alto); Bill Perkins (saxo tenor y flauta); Jack Nimitz (saxo barítono); Nat  Pierce (piano); Tom "Red" Kelly (contrabajo); Chuck Flores (batería).
Grabaciones realizadas en Nueva York, el 22 y 23 de mayo de 1954.


Seis meses después del Horn Of Plenty, Collins volvió a los estudios de la RCA para registrar King Richard The Swing Hearted, la cristalización de ciertas ideas expuestas una noche entre Collins, Al Cohn, Nat Pierce y el productor de la RCA Jack Lewis, durante un intervalo de una actuación de la orquesta de Woody Herman en el club Basin Street de Nueva York.
Aparentemente, todos tenían "ganas" de experimentar sobre algunos arreglos en particular. Principalmente Nat Pierce quien tenía un manuscrito de Alec Wilder titulado "The Winter Of My Discontent", nunca interpretado.
Otra vez fue Bill Zeitung el encargado de los elogios: "Los resultados de aquellas conversaciones son estas ahora históricas sesiones. No hay palabras que puedan describir la vida, la brillantez y el talento que se dedicaron a los arreglos y a las interpretaciones. La música que tocan estos hombres habla por sí misma y consiste en un magnífico tributo a lo emocionante que puede ser el jazz moderno.

Dick Collins And His Orchestra
King Richard The Swing Hearted

Lado 1
1 - The Winter Of My Discontent
2 - As Long As I Live
3 - Hold Me, Hold Me, Hold Me
4 - Northern Comfort

Lado 2
5 - Strike Up The Band
6 - It's Love
7 - They Can't Take That Away From Me
8 - Donna Mia

Dick Collins, Al Porcino, Charlie Walp, John Howell (trompetas); Sonny Russo, Billy Byers (trombones); Dick Meldonian, Al Cohn, Bill Perkins, Richie Kamuca (saxos tenores); Jack Nimitz (saxo barítono); Nat Pierce (piano); Herb Ellis (guitarra); Tom "Red" Kelly (contrabajo); Chuck Flores (batería).
Grabaciones realizadas en Nueva York, el 27 y 28 de noviembre de 1954. 

9 de abril de 2022

Art Pepper - Declaración de independencia

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en Gardena, condado de Los Ángeles, el 1 de septiembre de 1925. Aprendió a tocar el clarinete a los 9 años y el saxo alto a los 13. Comenzó su carrera musical en la década de 1940 tocando en orquestas como las de Lee Young y Benny Carter.
A los 17 años, en 1943, se casó con Patricia (Patti) Madeleine Moore y un año después, cuando todo parecía funcionar a la perfección, es convocado por las fuerzas armadas, es enviado a Inglaterra y vuelve dos años después.
Cuenta Art en su autobiografía: "A mi vuelta, encontré a Patti instalada en casa de mi padre y mi madrastra. Vi por primera vez a mi hija Patricia, que ya caminaba y hablaba. No se me acercaba porque tenía miedo. Esto me dolió. Estaba amargado. Odiaba al ejército, odiaba a mis padres y a Patti por haberme dado una hija no deseada, estaba amargado porque me fui justo cuando era feliz. Bebía mucho. Aumentaba mi consumo de hierba y anfetaminas. Daba tumbos arriba y abajo y tocaba de vez en cuando. No pasaba nada interesante. Estaba cada vez más deprimido. Pero un día sucedió el milagro, Kenton me telefoneó".

Fue gracias a Benny Carter que pasó a formar parte de la célebre orquesta de Stan Kenton, con quien participó en su primera grabación discográfica. 
En 1951 una encuesta de la revista Downbeat lo colocó en segundo lugar después de Charlie Parker como el mejor saxo alto y eso llamó la atención de Albert Marx, propietario de Discovery Records, compañía para la que grabará el siguiente año y medio. Aunque el personal variaba con cada formación de los combos, la composición básica era la misma: una unidad pequeña, con saxo, piano, bajo y batería, basada en el ideal fundado por los clásicos cuartetos y quintetos de bebop de principios de 1940.

Sobre esta "nueva etapa", cuenta Art: "A finales de 1951 dejé la banda de Kenton. Me resultaba demasiado duro pasarme la vida en la carretera, estar lejos de Patti, y también acabé por cansarme de la banda. Ma sabía todos los arreglos de memoria, y la cosa era aburrida en cantidad. Nunca tenía ocasión de soltarme un poco y tocar los solos o los temas que me habría gustado tocar. Constantemente me decía que sería estupendo tocar con una pequeña sección rítmica en un club de jazz, ser yo mismo y crear mi propia música. 
Por eso me pareció que lo mejor sería dejar la banda e intentar arreglármelas por mi cuenta; le dije a Kenton que me marchaba.
Al principio no las tenía todas conmigo. Tenía un montón de deudas y era adicto, por lo que lo primero que hice fue grabar varios discos con Shorty Rogers.
Después formé mi propio grupo. Fiché a Joe Mondragón y al baterista Larry Bunker, que también tocaba el vibráfono. Ensayamos algunos temas que podíamos interpretar sin la batería, mientras él tocaba el vibráfono, o, si se trataba de una balada, yo mismo podía sentarme a la batería y marcar un ritmo suave con las escobillas. También fiché a Hampton Hawes, un pianista excepcional. El grupo era un simple cuarteto, pero muy versátil.
Ahora que tenía mi propio grupo estaba decidido a componer mis propios temas, piezas que fueran expresión de mi personalidad, y ya no simples estándares. Durante mi época con Kenton había compuesto alguna que otra cosilla. Pero ahora me puse a componer en serio, y descubrí que tenía talento para el asunto"

Según el crítico Harvey Pekar, las grabaciones para el sello Discovery pueden considerarse como uno de los mejores trabajos grabados de Pepper. Dice Pekar: "Es posible que se le haya dado demasiada publicidad a una razón equivocada: era un drogadicto incorregible, pero también era un saxofonista alto muy importante. Cuando era adolescente con Stan Kenton, tenía un estilo similar al del saxofonista Willie Smith, pero después de salir del servicio militar en 1946 sintetizó los enfoques de Lester Young y Charlie Parker. El tono de Pepper no tenía vibrato, era pequeño, ligero y penetrante, y tocaba muchas notas, a menudo usando pasajes rápidos de doble tiempo. También tenía la inventiva melódica para tocar solos hermosos. Sus habilidades y el flujo rápido de ideas le permitían acometer cambios de acordes en tempos rápidos. Todo eso está presente en las sesiones para Dircovery Records". 

Cuando el sello Savoy compró los originales de estas grabaciones, fueron reeditadas en distintos formatos. No en todos se presentan las tomas alternativas de aquellas tres sesiones, Sin embargo, según el crítico Ken Dryden, aunque los "completistas" puedan quejarse de las tomas alternativas faltantes, la restauración del sonido en esta reedición de Savoy de 1999 está muy por encima de las ediciones anteriores de esta valiosa música.


Art Pepper
The Discovery Sessions

1 - Brown Gold
2 - These Foolish Things
3 - Surf Ride
4 - Holiday Flight
5 - Chili Pepper (alternate)
6 - Chili Pepper (original issue)
7 - Suzy The Poodle (original issue)
8 - Suzy The Poodle (alternate)
9 - Everything Happens to Me
10 - Tickle Toe
11 - Nutmeg (original issue)
12 - Nutmeg (alternate)
13 - Deep Purple
14 - Cinnamon
15 - What's New (alternate)
16 - What's New (original issue)
17 - Thyme Time (original issue)
18 - Thyme Time (alternate)
19 - Straight Life
20 - Art's Oregano
21 - The Way You Look Tonight (alternate)
22 - The Way You Look Tonight (original issue)

Art Pepper (saxo alto), acompañado por:

#1 a #4:
Hampton Hawes (piano), Joe Mondragon (contrabajo), Larry Bunker (batería).
Grabaciones realizadas en C.P. MacGregor Studios, Los Angeles, probablemente el 4 de marzo de 1952.

#5 a #10:
Russ Freeman (piano), Bob Whitlock (contrabajo), Bobby White (batería).
Grabaciones realizadas en C.P. MacGregor Studios, Los Angeles, el 8 de octubre de 1952.

#11 a #22:
Jack Montrose (saxo tenor); Claude Williamson (piano); Monte Budwig (contrabajo); Paul Vallerina [#11 a #16], Larry Bunker [#17 a #22] (baterías).
Grabaciones realizadas en C.P. MacGregor Studios, Los Angeles, el 25 de agosto de 1953. 

5 de abril de 2022

Shelly Manne - El primero de todos

Conocido profesionalmente como Shelly Manne, Sheldon Manne nació en Nueva York el 11 de junio de 1920. Hijo y sobrino de bateristas, Shelly empezó a estudiar música dedicándose al estudio del saxo alto pero su destino era la batería, que comenzó a tocar con la ayuda de Billy Gladsytone, debutando profesionalmente en los barcos que cruzaban el Atlántico. En 1939 se integró al grupo de Bobby Byrne con el que grabó su primer disco. Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde quedaron registrados sus primeros y particulares solos. En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente antes de ser llamado a filas militares, para unirse a la Guardia Costera hasta 1945. Liberado del ejército, se unió al grupo de Stan Kenton donde consiguió su primer trabajo importante. En 1947 tocó en el grupo del saxofonista Charlie Ventura. Posteriormente, y hasta 1949, participó en el Jazz At The Philarmonic de Norman Granz.

Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman y en 1953, tras un nuevo paso por la orquesta de Kenton, se estableció en California y tocó con Howard Rumsey en el célebre club "Light House" de Hermosa Beach. Al año siguiente, en 1954, fue convocado por el trompetista Shorty Rogers para que tocase con su grupo, convirtiéndose en el baterista más representativo del llamado West Coast Jazz, participando en la gran mayoría de grabaciones de aquel movimiento.

Desde las grabaciones de 78 rpm de la década de 1940, pasando por los LP de la década de 1950 y posteriores, hasta los cientos de bandas sonoras de películas en las que apareció, la producción grabada de Manne fue enorme y difícil de precisar. Según Leonard Feather, la batería de Manne aparece en "más de 1000 LPs", una declaración que Feather hizo en 1960, cuando Manne no había llegado ni siquiera a la mitad de su carrera de 45 años.

Un disco muy especial por lo hard to find en estas épocas, es su primer opus como líder, al frente de dos septetos integrados por "la flor y nata" del jazz de la Costa Oeste. 
Realizado para Dee Gee Records —el efímero sello fundado por Dizzie Gillespie y Dave Usher en 1951— el álbum fue pensado para resaltar la figura del baterista que acababa de ganar las encuestas de las revistas Metronome y Downbeat, y ya considerado como "Mr. Drums" para los lectores de ambas publicaciones. Las liner notes lo dicen claramente: Como cabría esperar de un músico de tan impecable gusto y gran dominio de su instrumento, este disco no es un conglomerado de solos de batería de Shelly. De hecho, solo hay dos o tres solos muy cortos. Sin embargo, la grandeza de Shelly impregna cada uno de los temas. Incluso cuando no se le escucha ni se nota, él está allí, "se siente". Este es "su" álbum.

Shelly Manne Septet
Dee Gee Presents

Lado 1
1 - Slightly Brightly
2 - It Don't Mean A Thing
3 - The Princess Of Evil
4 - Deep People

Lado 2
5 - The Count On Rush Street
6 - All Of Me
7 - Pooch McGooch
8 - Back In Your Own Backyard

#1 a #4:
Conte Candoli, Shorty Rogers (trompetas); Jimmy Giuffre (saxo tenor); Bob Gordon (saxo barítono); Frank Patchen (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Shelly Manne (batería, vocalista en #2).
Grabados en Los Angeles, el 7 de enero de 1952.
#5 a #8:
Conte Candoli (trompeta), Bill Russo (trombón), Art Pepper (saxo alto), Bob Cooper (saxo tenor), Gene Esposito (piano), Don Bagley (contrabajo), Shelly Manne (batería, vocalista en #6), Shelby Jean Davis (vocalista en #8).
Grabados en Chicago, el 12 de noviembre de 1951.