29 de diciembre de 2016

Blue Note #48 - Larry Young

Larry Young
Unity

La combinación del organista Larry Young, el trompetista  Woody Shaw, el saxofonista tenor Joe Henderson y el baterista Elvin Jones harán de este disco una apuesta segura para los aficionados al jazz. Blue Note ha conseguido un sólido superventas.
**Billboard, 27 de Agosto de 1966** 

Lo que me atrapó la primera vez que escuché este disco fue la empatía –o la unidad– que se percibe entre Larry Young y Elvin Jones en particular. Se trata de la sección rítmica, pero la batería de Jones y el órgano tan elegante crean una unión perfecta, como un producto que saliera directamente de la mente. Young comentó lo siguiente en las notas: “A pesar de que todos los que se reunieron en la sesión eran bastante individualistas, tenían el mismo espíritu. Quedó claro desde el principio que todo encajaba”. Todo ello influyó para que Young decidiese titular el álbum Unity (“Unidad”).

Young no es el compositor, a pesar de lo que afirman los créditos del disco. Shaw aportó la mitad de los temas, mientras que Henderson compuso “If”, así como “Monk’s Dream” y “Softly As In A Morning Sunrise”, la melodía compuesta por Hammerstein y Romberg para la opereta de la década de 1920 denominada The New Moon. Para muchos la pieza más destacada es “Moontrane”, de Shaw, compuesta por el trompetista cuando sólo tenía dieciocho años, y dedicada, como su nombre lo indica, a John Coltrane. Los excelentes ciclos armónicos de la composición recuerdan a los trabajos más logrados de este.

Aunque todos los músicos rezuman talento, destaca ante todo el de Young, cuya aportación es inmensa; de hecho, no cabe duda de que Unity es su disco. “Monk’s Dream”, un diálogo que mantienen sólo la batería y el órgano, es una de las versiones más interesantes que se hayan hecho e una melodía de Monk; la original data de comienzos de la década de 1950, cuando el pianista estaba grabando con Prestige. El Hammond parece dar forma a la imaginación de Monk y girar envolviéndose alrededor de los oídos del oyente de una manera que aporta ideas frescas a una pieza muy conocida, algo que no debe subestimarse cuando se trata de una melodía de Monk.

Destaca el diseño de la portada de Reid Miles. Su talento se pone de manifiesto en esta sencilla pero perfectamente concebida portada, creada sin la ayuda de una fotografía de Wolff por una vez. Los cuatro puntos de color naranja que se encuentran dentro de la letra u son lo único que hace falta para transmitir la descripción que hizo Young de la sesión cuando dijo que “todo encajaba”.

1 - Zoltan
2 - Monk's Dream
3 - If
4 - The Moontrane
5 - Softly As In A Morning Sunrise
6 - Beyond All Limits
7 - If (alternate take1)
8 - If (alternate take 2)
9 - The Moontrane (alternate take)
10 - Beyond All Limits (alternate take)

Larry Young (óragano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Noviembre de 1965

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A todos los que llegaron por aquí, nuevos o viejos amigos.
A todos los que agradecieron o no las publicaciones.
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*** Feliz 2017! ***


21 de diciembre de 2016

Blue Note #47 - Horace Silver

Horace Silver
The Cape Verdean Blues

Lo que de verdad hizo que me centrase en mis raíces fueron unas vacaciones que pasé en Río hace tres años junto al pianista brasileño Sergio Mendes. En la actualidad, la música folclórica africana me sirve en gran medida de inspiración.
**Horace Silver, Mayo de 1966**

Por toda una serie de razones, este disco de Silver es mucho más vanguardista que el anterior y tiene una consideración un poco inferior. Lo que no debería de ser así. Dada la incorporación del trompetista de veinte años Woody Shaw –que tocaba por primera vez con Blue Note– y de J. J. Johnson en la cara 2, existe en este trabajo una clara intención de explorar. En las notas originales, Silver revela que llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Johnson, cuya mención en el disco es una muestra de respeto que el pianista profesaba al trombonista.

Mientras que la canción que da título al disco podría haberse incluido sin problemas en Song For My Father, todas las demás tienen un tono muy distinto. El hermoso riff descendente que interpretan los vientos al comienzo de “The African Queen”, inspirada en una melodía popular de Costa de Marfil, es sencillamente hermoso: apasionado, sensual y caliente. Aunque puede que no sea tan conocida como “Song For My Father”, es exactamente igual de buena, sobre todo en el momento en el que el insistente Humphries produce un sonido que recuerda a los tambores parlantes de África Occidental. Una vez que Joe Henderson entra en materia y se abre camino para hacerse oír y que lo oigan todos, el tono se interrumpe antes de volver al calor del sol africano por cortesía de la lánguida trompeta de Woody Shaw.

La cara 2, que cuenta con Johnson como invitado, es más compleja en el aspecto musical y, por ello resulta marginalmente más agradable.

“Nutville” se abre con unos excelentes vientos que marcan el ritmo del tema y cuenta con excelentes solos por parte de los cuatro músicos principales. “Bonita” va adquiriendo intensidad y se beneficia de la sublime batería de Humphries, aunque es Johnson el que se lleva el gato al agua. A excepción de “Mo’ Joe”, de Henderson, todas las composiciones son de Silver, quien demuestra sus sublimes cualidades compositivas.

1 - The Cape Verdean Blues
2 - The African Queen
3 - Pretty Eyes
4 - Nutville
5 - Bonita
6 - Mo' Joe


Horace Silver (piano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), J. J. Johnson (trombón), Bob Cranshaw (contrabajo), Roger Humphries (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 1 y 22 de Octubre de 1965

17 de diciembre de 2016

Blue Note #46 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Dialogue

A veces toco de ese modo y otras no; todo depende de con quien trabaje.
**Bobby Hutcherson a propósito de la vanguardia**

De las cinco piezas de este álbum, que constituyó el debut de un Hutcherson de veinticuatro años como líder de grupo, el pianista Andrew Hill compuso tres –“Catta”, “Les Noirs Marchant” y “Ghetto Lights” –, mientras que las otras dos las firmó Joe Chambers. Aunque estos son hechos indiscutibles, también lo es que estamos ante un disco colosal en el que se desarrollan ideas que ya se habían explorado en Out To Lunch, álbum de Eric Dolphy en el que habían participado Hutcherson, Hubbard y Davis el año anterior. Este es un disco en el que se fusionan con estilo la música de las marching bands, la latina, el bop y el blues.

Dialogue es un disco arriesgado en todos los sentidos, un auténtico puente entre el hard bop y la vanguardia. “Catta” es el perfecto inicio de disco y sirve para señalar desde el comienzo cuál es el rumbo que seguirá. Trompeta, vibráfono y flauta compiten por llamar la atención a la vez que llevan la emoción y la tensión auténticas a la interpretación. “Idle While” es una composición bastante impresionante del batería Joe Chambers, quien tenía veintidós años cuando la firmó. El título es un juego de palabras (idle while significa “a la espera mientras tanto”) con Idlewild, el aeropuerto principal de Nueva York, que había pasado a llamarse John F. Kennedy International justo un año antes de la grabación. Para muchos la mejor pieza del disco es la última, “Ghetto Lights”, donde se halla uno de los mejores solos blues de Hubbard.

En 1964, Hutcherson había resultado vencedor en una votación de los lectores de Down Beat, según la cual era el músico que merecía el mayor reconocimiento, por lo que este disco se lanzó en el momento justo y, además, no hay duda de que estuvo a la altura de las expectativas. De Dialogue se ha dicho que es “un clásico del post bop vanguardista”, afirmación que se debe casi con toda seguridad a la emocionante interpretación de Hubbard, Rivers y Hill. Aunque Hutcherson produjo después una serie de buenos discos, éste, definitivamente, representa la cima de su carrera.

1 - Catta
2 - Idle While
3 - Les Noirs Marchent
4 - Dialogue
5 - Ghetto Lights
6 - Jasper


Bobby Hutcherson (vibráfono y marimba), Freddie Hubbard (trompeta), Sam Rivers (saxos tenor y soprano, clarinete bajo y flauta), Andrew Hill (piano), Richard Davis (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Abril de 1965

15 de diciembre de 2016

Blue Note #45 - The Three Sounds

The Three Sounds
Out Of This World

Otro álbum que continúa con la serie de efectivas y rentables grabaciones pianísticas. Gene Harris vuelve a asumir las funciones de solista e instrumentista unificador.
**Billboard, Septiembre de 1962**

Éste fue el séptimo álbum que grabaron The Three Sounds para Blue Note desde su debut, en 1958, y el grupo demostró que tenía unas ventas constantes. Aunque a lo largo de un período de más de cuatro años el trío había grabado muchas piezas más, Lion, preocupado por la idea de saturar el mercado, postergó su lanzamiento. Aunque el melifluo sonido del grupo era muy popular entre gran parte de los aficionados que apreciaba la considerable sencillez de su jazz, con esta alineación recibieron una oferta musical más compleja de lo que tal vez consideraran.

Al igual que muchos otros álbumes del trío, este es una mezcla de composiciones de Gene Harris y versiones de estándares cuidadosamente seleccionadas; estas últimas se eligieron con criterio para eliminar la posible crítica que las tachase de refritos de antiguos y agotados clichés. Entre estas versiones destaca la que da título al álbum: una pieza de Harold Arlen y Johnny Mercer grabada originalmente por Jo Stafford. Se trata de un inusual tema con el que abrir un disco, aunque Harris lo transforma en algo muy especial. Aunque The Three Sounds ya habían hecho una versión de “Just In Time” cuando tocaron para Stanley Turrentine en la sesión para su disco Blue Hour, la pieza recibe un tratamiento muy distinto en este caso.

De todos los artistas de Blue Note, The Three Sounds fueron los que figuraron en más ocasiones entre los destacados de Billboard en la sección de jazz, tal vez debido en gran parte a que el trío encarnaba la idea que tenían de un grupo de jazz aquellos que no eran aficionados a esta música. Este “híbrido” se produjo debido a que su música pasaba por ser bastante accesible, aunque esto sólo sirvió para dañar su reputación entre algunos aficionados al jazz. Harris es un excelente pianista cuyas innovadoras ideas llevaron la música de The Three Sounds más allá de los confines del reducto tradicional de los tríos. Era evidente que Lion tenía ambiciones para el grupo: Blue Note editó veinticinco singles entre finales de la década de 1950 y mediados de 1960, aunque ninguno entró en las listas de Billboard.

Lado 1

1 - Girl Of My Dreams
2 - Out Of The Past
3 - Just In Time
4 - I'll Be Around

Lado 2

5 - My Silent Love
6 - Sanctified Sue
7 - Out Of This World
8 - You Make My Feel So Young


Gene Harris (piano), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey; 4 de Febrero, 7 de Marzo y 8 de Marzo de 1962

10 de diciembre de 2016

Blue Note #44 - Herbie Hancock

Herbie Hancock
Maiden Voyage

Cuando estaba en el grupo de Miles, se nos permitía tocar lo que queríamos y dar forma a la música mediante los esfuerzos de todos y no según los dictámenes de Miles. Intento hacer lo mismo con mi grupo.
**Herbie Hancock**

La grabación de Maiden Voyage no fue tan sencilla como la de muchos de los discos de Blue Note, que a menudo era el resultado de permanecer durante un solo día en el estudio. Al finalizar el día, con independencia de qué hora fuera y de las tomas que hubieran hecho falta, se tenía el producto finalizado. Herbie ya había participado en una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder seis días antes: en esta se habían grabado “Maiden Voyage”, “Little One” y “Dolphin’s Dance”, aunque aún faltaba algo. Para su segundo día en lugar de Stu Martin (que era el batería de Sonny Rollins) contaron con la presencia de Tony Williams, quien tocó en la versión final del disco.

El sucesor de Empyrean Isles es un disco totalmente distinto en cuanto a la forma y a la sensación que transmite, además de por la evidente inclusión del saxofonista tenor George Coleman, quien, al igual que la mayoría de los demás Había tocado con el grupo de Miles Davis durante los dos años anteriores. Al apartarse del hard bop del álbum de 1964, esta suave y melodiosa composición tiene toques de jazz de cámara, y se ha dicho de ella que es una “escultura sónica”. Pero no debemos pensar de ningún modo que por ello se trata de un disco menos emocionante: nos encontramos ante una innovadora exploración musical de primer orden. El tiempo que pasó Hancock con Miles Davis se pone de manifiesto en su forma de tocar, aunque no se trata ni por asomo de un mero pastiche de la música de éste último. Basta con escuchar el crescendo con el que se cierra “Survival Of The Fittest”: le debe más a Rajmáninov que a Miles Davis.

“Maiden Voyage”, que se denominaba “TV Jingle” hasta que Jean Hancock, hermana de Herbie, la rebautizó, establece el tono y el tema del álbum. Irónicamente, un tiempo después Fabergé empleó la canción para un anuncio de televisión. Se trata de una composición que han versionado muchos artistas, entre ellos Dianne Reeves, que grabó una interesante versión vocal en 1996, y el pianista Robert Glasper, quien incluyó su fabulosa interpretación en el disco In My Element, que lanzó Blue Note en 2007.

Aunque la cara 2 abre con la canción más experimental del álbum, esta refleja a la perfección su concepto clave: la evocación de “atmósferas oceánicas”.

Gracias a la diestra composición e igualmente diestra ejecución que lleva a cabo Hancock, “Dolphin’s Dance” es el otro clásico del disco. Es una pieza en la que se brindan sutiles cambios y giros tanto en la clave como en la interacción entre los solistas. Maiden Voyage es la perfección hecha disco.

1 - Maiden Voyage
2 - The Eye Of The Hurricane
3. Little One
4 - Survival Of The Fittest
5 - Dolphin Dance


Herbie Hancock (piano), George Coleman (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 17 de Marzo de 1965

7 de diciembre de 2016

Blue Note #43 - Wayne Shorter

Wayne Shorter
Speak No Evil

Pensé en brumosos paisajes con flores silvestres y extrañas formas medio iluminadas: ese tipo de lugares en los que se gestan el folclore y las leyendas. Después, en la quema de brujas.
**Wayne Shorter a propósito de sus composiciones para Speak No Evil, 1965**

Aunque Shorter comenzó a grabar este disco a principios de noviembre, las tres piezas  que registró el grupo fueron rechazadas por distintos motivos, y cuando volvió a entrar en el estudio, en Nochebuena, Elvin Jones sustituyó a Bily Higgins en la batería. Jones había tocado en unas cuantas sesiones de Blue Note en la década de 1950, aunque en 1964 lo hizo con una mayor regularidad; el toque swing que aportó gracias a su experiencia con el grupo de Coltrane es esencial para este disco.

“Witch Hunt” abre el frenesí y la algarabía de Hubbard y Shorter, tras lo cual no tarda en abordar el tema de la pieza. La empatía entre los que fueran miembros de The Jazz Messengers es evidente, y la sensación que transmite es de una luminosidad mucho mayor que la del material que le sigue. “Fee-Fi-Fo-Fum” tiene un tono más oscuro y evoca el mundo sombrío y mítico en el que se inspiró Shorter al componer tanto esta pieza como las demás del disco.

El tema que da título al álbum es puro hard bop y se basa en la intensidad de Shorter en tono a los solos de Hubbard; al mismo tiempo, el piano de Hancock se tambalea al borde del vanguardismo. Se trata de una embriagadora mezcla que funciona muy bien y que sirve para justificar la enorme reputación que se ha ganado el disco con el paso del tiempo. A pesar de su originalidad, no llamó mucho la atención en el momento en que se lanzó: Shorter no gozó en su tiempo de la consideración que tendría en el futuro.

En una perfecta yuxtaposición con el tema que da título al disco, “Infant Eyes” es una composición que elaboró el saxofonista para su hija pequeña; la madre de esta y esposa Shorter es la mujer que figura en la imagen de la portada. A esta hermosa y tierna balada le sigue la fantástica “Wild Flower”, que constituye un lento pero intenso broche para el disco. Este parece contar con una estructura muy precisa y secciones definidas con claridad, y es evidente la elaboración de conjunto que Shorter llevó a cabo. Quizá esto explicara el abandono de la anterior sesión: puede que sencillamente no se lograsen satisfacer los estándares que Shorter quería para sí mismo y para su grupo.

1 - Witch Hunt
2 - Fee-Fi-Fo-Fum
3 - Dance Cadaverous
4 - Speak No Evil
5 - Infant Eyes
6 - Wild Flower
7 - Dance Cadaverous (alternate take)
8 - Witch Hunt (alternate take)
9 - Fee-Fi-Fo-Fum (alternate take)

Wayne Shorter (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studios, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Diciembre de 1964

1 de diciembre de 2016

Blue Note #42 - Duke Pearson

Duke Pearson
Wahoo!

Se trata de un pianista lírico con un estilo atractivo que podría encajar tanto en el pop como en el jazz.
**Billboard, Marzo de 1960; reseña de Profile**

Duke Pearson se trasladó de Atlanta a Nueva York en 1959. Poco después de entablar amistad con Donald Byrd, debutó con Blue Note en el álbum del trompetista denominado Fuego. Menos de tres semanas después, el 25 de octubre, grabó Profile, su primer disco como líder; después, transcurrieron un par de meses hasta la sesión que sirvió de base para el que sería su siguiente disco, Tender Feelin’s. En los años siguientes grabó para la discográfica Jazztime antes de volver a Blue Note en 1964 con Wahoo!

Y menudo disco. Con cinco temas de Pearson y “Fly Little Bird Fly”, de Byrd, rezuma sofisticación hard bop por los cuatro costados. El disco se abre paso desde los primeros compases de “Amanda”, pieza que Pearson admitió haber compuesto para “una joven apasionada y ardiente”. Aunque la música es muy ceñida, respaldada en todo momento por el excelente piano de Pearson, aún existe el suficiente espacio como para que los vientos dejen ver el contenido de sus corazones con los solos.

Los sutiles, cambiantes y bien medidos arreglos de todos los temas resultan particularmente convincentes y hacen que este álbum sea tan especial. Y eso donde mejor se percibe es en la seductora pieza que da título al disco, donde la alineación estelar de vientos da lugar a un dulce y puro sonido, sobre todo por parte del trompetista Byrd, con quien Pearson había tocado como acompañante la primera vez que grabó para Blue Note.

Aunque Pearson no es un solista estrella como puede serlo Horace Silver, su punto fuerte radica en la capacidad de aunar músicos y material de distinta naturaleza para dar lugar a una música cohesionada y de un atractivo inagotable. Hay melodías intensas repartidas por todo el disco, y aun cuando Pearson no sea un artista de primera, toca de una forma soberbia en la breve y dulcísima “Farewell Machelle”. Con sólo un piano, un bajo y una batería, esta grabación es tan romántica como cualquiera de las que conforman el catálogo que publicó Blue Note en las décadas de 1950 y 1960.

1 - Amanda
2 - Bedouin
3 - Farewell Machelle
4 - Wahoo
5 - ESP (Extrasensory Perception)
6 - Fly Little Bird Fly

Duke Pearson (piano), Donald Byrd (trompeta), James Spaulding  (saxo alto y flauta), Joe Henderson (saxo tenor), Bob Cranshaw (contrabajo), Mickey Roker (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Noviembre de 1964